In diesem Artikel zeige ich dir alles was du brauchst um Chibi-Figuren zu zeichnen: Was den Chibi-Stil ausmacht, wie der Kopf konstruiert wird, wie du den ganzen Körper zeichnest – und wie du ihn aus verschiedenen Perspektiven darstellst.

Was ist der Chibi-Stil?

Chibi kommt aus dem Japanischen und bedeutet so viel wie "klein" oder "klein und niedlich". Im Manga-Zeichnen bezeichnet Chibi einen Stil bei dem Figuren sehr stark vereinfacht und verniedlicht dargestellt werden.

Die typischen Merkmale eines Chibi-Charakters:

• Großer Kopf im Verhältnis zum Körper – oft halb so groß wie die ganze Figur
• Kleine, gedrungene Körperform – meist 2 bis 3 Kopflängen hoch
• Große, ausdrucksstarke Augen
• Kaum sichtbarer Hals
• Stark vereinfachte Gliedmaßen
• Übertriebene, emotionale Mimik

Was den Chibi-Stil so besonders macht: Er drückt Gefühle und Charakter über Übertreibung aus. Ein wütender Chibi ist nicht einfach wütend – er ist explodierend wütend. Ein trauriger Chibi weint keine Träne – er weint einen Wasserfall. Diese Übertreibung ist kein Fehler, sie ist Stilmittel.

Warum Chibi der perfekte Einstieg ins Manga-Zeichnen ist

Für Anfängerinnen und Anfänger empfehle ich immer, mit dem Chibi-Stil zu beginnen. Nicht weil er leicht ist – sondern weil er die wichtigsten Grundprinzipien des Manga-Zeichnens in konzentrierter Form enthält.

Beim Zeichnen eines Chibis lernst du:

• Proportionen abmessen und einhalten
• Grundformen (Kreis, Oval, Rechteck) als Konstruktionshilfe nutzen
• Gesichtselemente richtig platzieren
• Linien lebendig und nicht steif zu zeichnen
• Den Charakter durch wenige Linien ausdrucksstark zu machen

Das ist genau das Fundament das du brauchst – egal ob du später Shojo, Shonen oder Seinen zeichnen möchtest. Wer den Chibi-Stil wirklich beherrscht, hat die wichtigsten Werkzeuge des Manga-Zeichnens in der Hand.

Chibi Kopf zeichnen – Schritt für Schritt

• Schritt 1: Beginne mit einem Kreis und zeichne eine vertikale und horizontale Halbierungslinie ein. Teile die untere Hälfte in drei weitere Bereiche auf. Digital auf eigener Ebene, mit Bleistift ganz leicht einzeichnen. Der Kreis muss nicht perfekt sein!
• Schritt 2: Gesicht in der unteren Kreishälfte platzieren. Augenbrauen beginnen etwas dicker und werden nach außen dünner. Zwischen den Augen sollte Platz für ein weiteres Auge sein – Iris und Pupille leicht nach innen. Nase auf Augenhöhe, Mund näher zur Nase als zum Kinn.
• Schritt 3: Kinn und Kiefer folgen der Kreislinie. Runder Kiefer = süßer Charakter. Hals mittig, zylindrisch, geht unten leicht auseinander. Ohren verbinden sich mit der Kieferlinie – innere Ohrlinien dünner zeichnen.
• Schritt 4: Haare als Gesamtform beginnen. Sie starten am Haaransatz und folgen der runden Kopfform nach unten.
• Schritt 5: Strähnen ausarbeiten. Oben dünne, unten dickere Linien. Locker und lebendig zeichnen – nicht steif!
• Schritt 6: Vorzeichnung ausblenden oder wegradieren und finale Linien sauber zeichnen.
• Schritt 7: Schattierung. Licht kommt von oben – Schatten unter den Haarsträhnen, an der Innenseite des Ohrs, unter dem Kinn auf dem Hals und unter dem oberen Augenlid.
• Schritt 8: Haare mit einer Grunddunkelheit einfärben. Lichtring entlang der Haare einzeichnen – mit Unterbrechungen an den Strähnenrändern. Digital weißen Ring auf eigener Ebene, dann einzelne Stellen herausradieren.

Haare beim Chibi

Haare sind beim Chibi eine Erweiterung der runden Kopfform. Beginne immer mit der äußeren Gesamtform der Haare, nicht mit einzelnen Strähnen.

Wichtig: Zeichne Strähnenlinien auf der oberen Seite dünner und auf der unteren Seite dicker. Das gibt den Haaren Volumen und Lebendigkeit. Bleib locker und zeichne nicht zu steif – Haare wollen Energie haben.

Schattierung

Wenn das Licht von oben kommt, entstehen Schatten:

• Unter den Haarsträhnen auf dem Gesicht
• Auf der Innenseite der Ohren
• Als Schlagschatten unter dem Kinn auf dem Hals
• Unter dem oberen Augenlid auf dem Auge

Ein Lichtring entlang des Kopfes – mit Unterbrechungen an den Strähnenrändern – bringt zusätzliche Dreidimensionalität.

Farbe – drei grundlegende Tipps

1. Nutze Verläufe. Verwende für größere Flächen wie Haare nicht einfach eine einheitliche Farbe – ein Verlauf von dunkel nach hell bringt sofort Tiefe und Spannung in die Zeichnung.
2. Trau dich bei den Farben. Statt eintönigen, gräulichen Tönen gib den Haaren zum Beispiel unterschiedliche Abstufungen von Orange oder Gelb. Verschiedene Farbnuancen machen den Charakter lebendiger.
3. Schatten dürfen dunkel sein. Viele Anfänger scheuen sich vor dunklen Schatten. Dabei sind sie das was deinen Charakteren wirklich Tiefe gibt. Trau dich!

Chibi Kopf aus drei Ansichten

Sobald du die Vorderansicht kannst, ist der nächste Schritt: die gleiche Figur aus verschiedenen Perspektiven zeichnen.

Seitenansicht

Bei der Seitenansicht beginne ich gerne mit der Gesichtslinie. Die Stirn verläuft entlang des Konstruktionskreises. Nase und Mund können in einer fließenden Linie gezeichnet werden – diese Linie geht von der Stirn direkt zum Ohr.

Das Auge von der Seite hat eine Dreiecksform. Iris und Pupille sind stark gestaucht – keine Kreise mehr, sondern Ellipsen. Der Mund liegt näher zur Nase als zum Kinn.

Der Hals ist leicht schräg gestellt. Niemand steht kerzengerade – eine leichte Neigung macht die Figur natürlicher.

3/4-Ansicht

Die 3/4-Ansicht ist bereits Perspektive. Die hintere Hälfte des Gesichts wird gestaucht dargestellt.

Wichtig: Augen und Augenbrauen liegen immer auf gleicher Höhe – die Perspektive findet in der Breite statt, nicht in der Höhe. Das hintere Auge ist nur noch etwa halb so breit wie das vordere.

Das Kinn liegt leicht versetzt – nicht mittig, sondern in Richtung der Gesichtsmitte. Zeichne dir eine senkrechte Mittellinie als Orientierung.

Chibi Körper zeichnen – Schritt für Schritt

Jetzt kommt der Körper. Beim Chibi ist der Kopf etwa halb so groß wie der ganze Körper – das ist der wichtigste Unterschied zu allen anderen Manga-Stilen.

Proportionen

Die typische Chibi-Proportion: Der gesamte Körper ist etwa 2 Kopflängen hoch. Das bedeutet: Nach dem Kopf kommt sehr wenig Körper. Beine und Arme sind kurz und gedrungen.

Messe immer mit der Kopfhöhe ab. Wenn der Kopf eine bestimmte Länge hat, dann ist der restliche Körper etwa genauso lang – oder nur wenig länger.

Grundkonstruktion des Körpers

• Schritt 1: Zeichne den Kopf als kreisförmige Grundform. Der Kreis muss nicht perfekt sein! Darunter kommt ein kleiner Rumpf – oval oder leicht rechteckig. Er ist deutlich schmaler als der Kopf.
• Schritt 2: Arme einzeichnen. Sie beginnen an der Schulter und sind kurz und gedrungen. Die Hände sind kleine, runde Formen mit kleinen Fingerchen. Beine drehen nach innen und haben ganz vereinfachte Füße. Das Gesicht liegt in der unteren Hälfte des Kopfes. Der Hals ist super dünn!
• Schritt 3: Zeichne Haare und Kleidung ein. Radiere die Vorzeichnung weg. Damit hast du saubere Outlines.
• Schritt 4: Zeichne den Haar-Glanz-Streifen ein, Falten in der Kleidung und ergänze designerische Details nach Spaß. Gib den Augen einen Verlauf, der von oben nach unten immer heller wird.
• Schritt 5: Gib allen Elementen des Charakters eine Basisfarbe, oder falls du in Grau zeichnest, eine Basisdunkelheit. Dadurch wird die Figur lesbarer.
• Schritt 6: Nun ist Zeit der Figur Dreidimensionalität und Tiefe zu verleihen. Zeichne dafür Schatten unter den Haarsträhnen, in den Haaren hinter ihren Schultern, auf der kompletten linken Seite ihres Körpers und Gesichts, sowie auf den Unterseiten der Arme. 
• Schritt 7: Hier ist ein Beispiel wie du die Figur kolorieren könntest unter Beachtung der Schattierungen. 

Chibi Körper von der Seite und in der 3/4-Ansicht

Von der Seite achte besonders auf die Position des Körpers im Verhältnis zum Kopf, damit der Charakter nicht zur Seite kippt. Am einfachsten orientierst du dich an der senkrechten Mittellinie des Kopfes.

Bei der 3/4-Ansicht beachte, dass sich der Körper und das Gesicht perspektivisch nach hinten hin verkürzen. Du siehst also viel mehr ihrer (von uns aus gesehen) linken Seite als von der rechten Seite.

Chibi zeichnen – häufige Fehler und wie du sie vermeidest

• Fehler 1: Kopf zu klein. Der Chibi-Kopf ist groß – oft zu groß wie du denkst. Zeichne ihn lieber größer als zu klein.
• Fehler 2: Körper zu lang. Chibi-Körper sind kurz und gedrungen. Wenn deine Figur nach einem normalen Manga-Charakter aussieht, ist der Körper zu lang.
• Fehler 3: Zu viele Details. Chibi lebt von Vereinfachung. Weniger ist mehr. Lass Details weg die nicht wichtig sind.
• Fehler 4: Steife Linien. Chibi braucht Energie und Schwung. Zeichne locker aus dem Ellbogen, nicht aus dem Handgelenk.
• Fehler 5: Symmetrie übertreiben. Kein Gesicht ist perfekt symmetrisch. Zeichne beide Augen freihand – das macht den Charakter lebendiger.
• Fehler 6: Haare zu parallel. Haarsträhnen sollen unterschiedliche Größen haben und leicht ausbrechen. Mal eine kleine Strähne, dann eine große.

Chibi-Variationen – verschiedene Charaktertypen

Das Schöne am Chibi-Stil: Du kannst damit fast jeden Charakter darstellen – vom Baby bis zum Opa, vom kämpfenden Krieger bis zur sanften Magierin.

Chibi Mädchen

Große Augen, dünne Augenbrauen mit Abstand zum Auge, kleine Stupsnase, feiner Mund. Die Stirn ist hoch, das Kinn rund und klein.

Chibi Junge

Etwas eckigere Formen, Augenbrauen etwas ausgeprägter. Kinn und Kiefer etwas deutlicher als beim Mädchen.

Chibi Kämpfer

Auch ein Kämpfer kann im Chibi-Stil gezeichnet werden – mit geballten kleinen Fäusten, kampfbereiter Pose und entschlossenem Blick. Die Übertreibung macht ihn dabei nicht weniger ausdrucksstark sondern im Gegenteil: komisch und gleichzeitig cool.

Chibi Emotionen

Chibi eignet sich besonders für übertriebene Emotionen. Wut: explosive Augenbrauen, rote Wangen, Dampf aus den Ohren. Freude: strahlende Augen, breites Lachen, Arme nach oben. Trauer: Tränen als Wasserfall, hängende Schultern. Diese Übertreibung ist das Herzstück des Chibi-Stils – nutze sie bewusst.

Chibi zeichnen üben – so machst du schnell Fortschritte

Der schnellste Weg um Chibi zu lernen: Zeichne dieselbe Figur viele Male hintereinander. Nicht verschiedene Figuren – dieselbe. Erst wenn du sie aus der Vorderansicht problemlos zeichnen kannst, wechselst du zur Seitenansicht. Dann zur 3/4-Ansicht.

Danach gibst du deiner Figur verschiedene Emotionen. Erst dann kommt die nächste Figur.

Ein konkreter Übungsplan:

• Tag 1–3: Chibi-Kopf Vorderansicht, 10 Mal
• Tag 4–6: Chibi-Kopf Seitenansicht, 10 Mal
• Tag 7–9: Chibi-Kopf 3/4-Ansicht, 10 Mal
• Tag 10–12: Chibi-Körper Vorderansicht, 10 Mal
• Tag 13–14: Chibi mit verschiedenen Emotionen

Das klingt nach viel – ist aber pro Tag nur 15–20 Minuten.

Was kommt nach dem Chibi?

Wenn du Chibi-Figuren sicher zeichnen kannst, ist der nächste natürliche Schritt der Shojo- oder Shonen-Stil. Dort werden Proportionen realistischer, die Anatomie wichtiger und die Perspektiven anspruchsvoller.

Der Weg dorthin ist derselbe wie beim Chibi: Erst Grundformen, dann Details. Erst Vorderansicht, dann Seitenansicht und 3/4. Schritt für Schritt.

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Häufige Fragen zum Chibi zeichnen

Wie groß ist der Chibi-Kopf im Verhältnis zum Körper?

Beim typischen Chibi ist der Kopf etwa halb so groß wie die ganze Figur. Der gesamte Körper ist 2 bis 3 Kopflängen hoch – das ist deutlich kompakter als bei anderen Manga-Stilen.

Brauche ich Anatomiekenntnisse für Chibi?

Nicht viele – aber ein grundlegendes Verständnis von Proportionen und Grundformen hilft enorm. Chibi vereinfacht die Anatomie, ersetzt sie aber nicht komplett. Wer versteht wie ein echter Körper aufgebaut ist, zeichnet auch bessere Chibis.

Welche Materialien brauche ich zum Chibi zeichnen?

Papier und Bleistift reichen vollkommen aus. Wenn du digital zeichnest, empfehle ich Procreate oder Photoshop mit einem harten Pinsel der auf Druck reagiert. Das Werkzeug ist aber zweitrangig – Übung ist entscheidender als Material.

Kann ich Chibi auch realistisch schattieren?

Ja – und es sieht toll aus. Chibi mit sauberer Schattierung wirkt sofort professioneller. Starte mit dem einfachsten Licht von oben: die Unterseiten aller Formen liegen im Schatten, die Oberseiten im Licht.

Wie lange dauert es bis ich Chibi gut zeichnen kann?

Mit täglichem Training von 15–20 Minuten siehst du nach 2–3 Wochen deutliche Fortschritte. Chibi ist der zugänglichste Manga-Stil – aber wie bei allem gilt: regelmäßiges Üben schlägt intensives aber seltenes Üben.

Fazit

Chibi zu zeichnen macht Spaß – von der ersten Linie bis zur fertigen Figur. Es ist der perfekte Einstieg ins Manga-Zeichnen weil er die wichtigsten Grundprinzipien in konzentrierter, zugänglicher Form enthält.

Fange mit dem Kopf an. Übe ihn aus drei Ansichten. Dann kommt der Körper. Dann die Emotionen. Schritt für Schritt – genauso wie beim Zeichnen generell.

Und denk immer daran: Chibi soll Spaß machen. Wenn eine Zeichnung nicht so aussieht wie du dir das vorgestellt hast – das ist völlig normal und gehört dazu. Zeichne einfach die nächste.

Hoffe dir hat der " Blog-Eintrag Manga Chibi zeichnen – Die komplette Anleitung für Anfänger " gefallen!

Ganbatte!

– Maxim

Hier ist die gute Nachricht: Du bist damit nicht allein. Selbst erfahrene Zeichnerinnen und Zeichner kämpfen mit Händen. Und es gibt einen Grund, warum das so schwer ist.

Die menschliche Hand besteht aus insgesamt 27 einzelnen Knochen – Handwurzelknochen, Mittelhandknochen und Fingerknochen, die durch Gelenke und Bänder miteinander verbunden sind. Das ist etwa ein Viertel aller Knochen im menschlichen Körper. Und dann gibt es da noch zehn Finger, die jeder sein eigenes kleines Leben führen.

Kein Wunder, dass Hände so eine Herausforderung sind.

In diesem Artikel zeige ich dir, wie du Manga Hände zeichnen lernst – Schritt für Schritt, mit den Techniken aus meinem Buch „Manga Körper zeichnen lernen". Wir fangen bei den Fingern an, arbeiten uns durch verschiedene Handpositionen vor und ich zeige dir, welche Fehler die meisten Anfängerinnen und Anfänger machen – und wie du sie vermeidest. Und gebe Tipps für Fortgeschrittene Zeichnerinnen und Zeichner.

Am Ende wirst du wissen, wie du eine Hand so konstruierst, dass sie wirklich lebendig aussieht.

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Warum sind Manga Hände so schwer zu zeichnen?

Bevor wir anfangen zu zeichnen, lass uns kurz verstehen, warum Hände so eine besondere Herausforderung sind. Denn wenn du das verstehst, macht der ganze Lernprozess viel mehr Sinn.

Jeder Finger hat ein Eigenleben

Stell dir vor, du müsstest fünf kleine Arme an einen Körper zeichnen. Genau das ist eine Hand. Jeder Finger hat drei Gelenke, kann sich in verschiedene Richtungen bewegen und verhält sich dabei anders als die anderen vier.

Das macht das Zeichnen so komplex – es gibt kaum eine andere Körperstelle, wo so viele bewegliche Teile auf so engem Raum zusammenkommen.

Perspektive macht alles schwieriger

Hände werden fast immer perspektivisch dargestellt. Und Perspektive bedeutet: Du musst dir etwas Dreidimensionales vorstellen und auf eine flache Fläche übertragen. Das ist grundsätzlich schwierig – und bei Händen besonders knifflig, weil die einzelnen Finger in sehr unterschiedliche Richtungen zeigen können.

Mein Tipp: Fange immer ohne Perspektive an. Übe Hände von vorne, von unten und von der Seite. Ohne Verkürzung, ohne Winkel. Erst wenn das sitzt, kommen die schwierigen Perspektiven.

Anfänger üben die falschen Dinge

Viele lernen am Anfang vor allem, wie man Dinge abzeichnet – also kopiert. Das ist eine eigene Fähigkeit und gar nicht schlecht. Aber wenn du irgendwann Hände frei aus dem Kopf zeichnen willst, brauchst du etwas anderes: Du musst die Struktur verstehen. Die Anatomie. Die Logik dahinter.

Genau das ist der Ansatz in diesem Artikel.

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Fange mit den Fingern an – nicht mit der ganzen Hand

Das ist einer meiner wichtigsten Tipps: Bevor du dich an die ganze Hand wagst, übe erst die Finger einzeln. Wenn du Finger gut zeichnen kannst, ist der Rest viel einfacher.

Die häufigsten Fehler bei Fingern

Fehler Nummer 1 – und ich sehe das ständig: Fingerspitzen werden zu schmal gezeichnet. Das sieht dann aus wie ein Kugelschreiber. Tatsächlich sind Fingerspitzen eher eckig und rund, nicht spitz.

Fehler Nummer 2: Finger werden zu gerade gezeichnet. Das lässt sie steif und leblos aussehen. In Wirklichkeit haben Finger viele kleine Unebenheiten – weil sie viele Gelenke haben.

Die Berg-Tal-Struktur der Finger

Hier ist das Prinzip, das alles verändert, wenn du es einmal verstanden hast:

Jeder Finger hat drei Gelenke. Dort, wo ein Gelenk ist, ist der Finger dicker oder breiter. Direkt über dem Gelenk sieht man Falten. Zwischen den Gelenken ist der Fingerknochen schmaler. So entsteht ein Wechselspiel von „Bergen und Tälern".

Zeichne dieses Muster bewusst ein – es macht deine Finger sofort realistischer.

Unterschiedliche Liniendicken

Ein Grundtipp für alle Handzeichnungen: Zeichne die Umrisse der Hand mit einer dicken Linie. Alle Falten und Schatten kommen mit einer dünnen Linie. Wenn du innen und außen gleich dick zeichnest, wirkt die Hand grafisch und leblos. Der Wechsel zwischen dick und dünn bringt Leben in die Zeichnung.

Übung für Finger

Schau dir jetzt deine eigene Hand an und zeichne einzelne Finger. Zeichne sie von vorne, von der Seite, leicht gebogen. Schau genau hin: Wo ist der Finger breiter? Wo schmaler? Wo gibt es Falten?

Du hast die beste Referenz der Welt immer dabei.

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Manga Hände zeichnen – 6 Positionen Schritt für Schritt

Jetzt kommen wir zum praktischen Teil. Ich zeige dir sechs Handpositionen, die du als Grundlage brauchst. Das Prinzip ist bei allen gleich: Erst Grundform, dann Details.

1. Hand von unten (Handfläche)

Eine gute Startposition, weil du den Daumen gut erkennen und üben kannst. Benutze deine eigene Hand als Referenz – zeichne mit einer Hand, halte die andere als Modell hin.

• Schritt 1: Beginne mit der Form der Handfläche. Meistens ist sie fast quadratisch – aber beobachte deine eigene Hand. Runde, längliche, eckige Hände gibt es alle.
• Schritt 2: Füge eine Gesamtform hinzu, die alle vier Finger (ohne Daumen) zusammenfasst. Die Spitze dieser Form zeigt die Spitze des Mittelfingers. Der Mittelfinger ist der längste und hat ungefähr die gleiche Länge wie die Handfläche.
• Schritt 3: Daumen einzeichnen. Achte auf den Daumenballen – diese runde Form ist bei fast allen Händen sichtbar. Ein typischer Fehler: Der Daumen wird zu kurz gezeichnet. Orientiere dich an der Länge der oberen Handkante.
• Schritt 4: Finger ausarbeiten. Ersetze die eckigen Formen durch schwungvolle Striche. Die Fingerspitzen dürfen nicht zu spitz sein. Die äußeren Finger neigen sich zum Mittelfinger hin – besonders der kleine Finger.

Wenn du möchtest, füge mit dünnen Linien ein paar Fältchen ein. Das macht die Hand sofort lebendiger.

2. Handfläche mit gespreizten Fingern

Eine natürlichere Haltung – und etwas kniffliger, weil die Finger einzeln gezeichnet werden müssen.

• Schritt 1: Zeichne die Handfläche und dann die Finger zunächst als einfache Drähte. So bestimmst du die Position jedes Fingers, bevor du mit dem Volumen anfängst.
• Schritt 2: Zeichne eine Hülle um die Drähte. Der kleine Finger biegt nach links, die anderen drei nach rechts. Mittelfinger und Ringfinger liegen nah beieinander, Zeigefinger und kleiner Finger haben etwas mehr Abstand.
• Schritt 3: Gelenke andeuten. Finger sind röhrenförmig – die Gelenkfalten laufen als Bogen um den jeweiligen Finger.
• Schritt 4+5: Daumen konstruieren. Erst der Daumenballen, dann der Weg zum ersten Gelenk (wie ein kleiner Berg), dann zum zweiten Gelenk, dann die Daumenkuppe.
• Schritt 6: Von der „Roboterhand" lösen. Digital: Deckkraft der Vorzeichnung reduzieren, neue Ebene drüber. Traditionell: Vorzeichnung langsam wegradieren. Alle Formen etwas runder machen, aber eine gewisse Eckigkeit behalten.
• Schritt 7: Deute die Kante zwischen Licht und Schatten ein. Das Licht kommt von rechts und die ganze linke Seite fällt in den Schatten
• Schritt 8: Wenn du traditionell zeichnest, achte darauf den Schatten sauber zu schraffieren, sodass keine hellen Stellen im Schattenbereich bleiben. Sonst funktioniert die Dreidimensionalität nicht und deine Hand-Zeichnung kriegt keine Tiefe.

Schatten sind optional, aber sie machen die Hand sofort dreidimensionaler. Licht von rechts = Schatten links an jedem Finger, der Handfläche und dem Unterarm.

3. Handrücken mit geschlossenen Fingern

• Schritt 1: Handrücken und Finger teilen sich die Länge ungefähr gleich auf. Die Fingerknöchel dienen als Orientierung für die Mittellinie.
• Schritt 2: Der Daumen besteht in dieser Ansicht aus zwei Formen. Er steht leicht geschwungen ab. Nicht zu steif zeichnen.
• Schritt 3: Fingerspitzen und Handrücken folgen einer Dachlinie. Der Mittelfinger ist der höchste Punkt, von dort flacht die Linie zu beiden Seiten ab. Knöchel in Rautenform einzeichnen – offen, mit dünner Linie, nicht zu stark betont.
• Schritt 4: Fingernägel mit feiner, leicht gebogener Linie zeichnen. Die Nagellinie erreicht die Linie der Fingerkuppe nicht ganz – sie bricht kurz vorher ab. So wirkt der Nagel verschmolzen statt abgeschnitten.Sehnen auf dem Handrücken andeuten. Jeder Finger hat eine Strecksehne, die über die Knöchel bis zur Handwurzel läuft.

4. Handrücken mit gespreizten Fingern

Die vielleicht wichtigste Übungsposition – sie bereitet dich auf alle möglichen Handhaltungen vor.

• Schritt 1: Finger zunächst als einfache Striche. Jeder Finger hat einen leichten Knick. Mittelfinger am wenigsten (er zeigt direkt nach vorne), die anderen biegen sich leicht zum Mittelfinger hin. Handrücken in quadratischer Form zeichnen. Die obere Linie hat die Form eines Hausdachs – die Spitze ist dort, wo der Mittelfinger ansetzt.
• Schritt 2: Volumen um die Striche. Finger beginnen an der Handfläche etwas breiter und werden zur Fingerspitze schmaler.
• Schritt 3: Daumen konstruieren. Zuerst der dreieckige Ansatz, dann das Volumen. Der Daumen ist breiter und kräftiger als die anderen Finger. Achte stets darauf, dass die Finger mindestens einen Knick haben.
• Schritt 4: Unterarmansatz ergänzen. Füge Fingernägel, Falten an den Gelenken, Knöchel und Sehnen mit einer Dünnen Linie hinzu. Achte darauf wie die Hand zwar rundlicher und weicher wird, jedoch ihre "Eckigkeit" nicht verliert.
• Schritt 5: Radiere die Vorzeichnung weg.
• Schritt 6: Füge einen Schatten auf der rechten Handseite hinzu. Fertig!

5. Hand von der Seite

• Schritt 1: Grundproportionen: Handfläche, Unterarm und Finger als einfache Formen. Noch keine Details.
• Schritt 2: In dieser Ansicht ist der Mittelfinger der längste, während der Ringfinger kürzer und der kleine Finger noch kürzer ist.
• Schritt 3: Knöchel, Gelenke, Fingernägel und Schatten ausarbeiten. Das Licht kommt von oben – die Unterseite der Hand und die Bereiche zwischen den Fingern liegen im Schatten.
• Bonus: Die Hand als eine Roboter-Minecraft-Hand aus Blöcken. Dies ist eine sehr wichtige Übung, um die Dreidimensionalität der Hand zu üben und auf anschauliche Weise darzustellen.

Tipp: Finger die weiter hinten liegen, mit dünner Linie zeichnen. So entsteht Tiefe, ohne Perspektive.

6. Geballte Faust

Die Faust taucht in Manga-Geschichten ständig auf – als Zeichen von Entschlossenheit, Kampfbereitschaft oder Emotion.

• Schritt 1: Grobe Gesamtform der Faust. Sie sieht zunächst aus wie ein abgerundetes Rechteck. Finger ausarbeiten. Der Daumen knickt von dir weg – aber das wegknickende Stück nicht zu lang zeichnen, es handelt sich um eine perspektivische Verkürzung.
• Schritt 2: Der Zeigefinger „kringelt" sich. Die äußere Linie ist gerade und kantig, die innere hat kleine Wölbungen – die „Bäuche" der einzelnen Fingerteile. Den abgewinkelten Daumenteil und den dahinterliegenden Mittelfinger in gleicher Richtung schraffieren. Das gibt der Faust sofort Tiefe.
• Schritt 3: Für einen realistischeren Look baue in die Umrisslinie der Hand mehr Unregelmäßigkeiten und Formen ein. Lasse die Umrisslinie dicker und zeichne Details und Schraffuren mit ganz feinen Linien ein.

Damit die Faust realistisch aussieht, braucht die äußere dicke Linie viele Ausbuchtungen. Konzentriere dich besonders auf diese Außenlinie.

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Die „Roboterhand"-Methode – dein wichtigstes Werkzeug

Du hast in den Anleitungen oben sicher bemerkt, dass immer von einer „Roboterhand" die Rede ist. Das ist kein Zufall – es ist der wichtigste konzeptionelle Trick beim Handzeichnen.

Die Idee: Zeichne die Hand erst einmal komplett eckig und geometrisch. Wie ein Roboter. Jedes Fingersegment ist ein kleines Rechteck, die Handfläche ein Quadrat.

Das klingt seltsam, hat aber einen entscheidenden Vorteil: Durch die eckige Form erkennst du genau, an welchen Stellen die Außenlinien der Hand Einbuchtungen oder Ausbuchtungen haben. Bei einer fertigen Hand sind alle Linien rund und weich – für Anfänger ist es dann schwierig zu erkennen, wann eine Form ihren Winkel ändert.

Die Roboterhand macht das sichtbar. Wenn du sie dann in die weiche, lebendige Version überführst, weißt du genau, was du tust.

Das ist auch das Grundprinzip hinter „Be Water My Friend" – erst die Struktur verstehen, dann loslassen und natürlich werden lassen. Erst eckig, dann rund. Erst Skelett, dann Fleisch. Erst Struktur, dann Ausdruck.

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Die häufigsten Fehler – und wie du sie vermeidest

• Fehler 1: Fingerspitzen zu spitz. Fingerspitzen sind eher eckig-rund als spitz. Zeichne sie breiter.
• Fehler 2: Finger zu gerade. Übertreibe lieber ein wenig die Kurven. Gerade Finger wirken steif.
• Fehler 3: Daumen zu kurz. Der Daumen endet ungefähr auf Höhe der oberen Handkante. Vergleiche mit deiner eigenen Hand.
• Fehler 4: Alle Linien gleich dick. Außenlinien dick, Innenlinien dünn. Dieser Unterschied macht den größten visuellen Unterschied.
• Fehler 5: Sofort mit Details anfangen. Erst Grundform und Proportionen, dann Details. Die Vorzeichnung bestimmt, wie gut die finale Zeichnung wird.
• Fehler 6: Zu wenig Übung mit echten Referenzen. Du hast deine eigenen Hände immer dabei. Nutze sie.
• Fehler 7: Aufgeben nach dem ersten Versuch. Hände zeichnen braucht Zeit. Das ist normal – mit regelmäßiger Übung kommt der Erfolg.

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Praktische Übungstipps – so machst du schnell Fortschritte

Deine eigene Hand als Modell

Du brauchst keine teuren Hilfsmittel. Deine eigene Hand ist das beste Modell, das du haben kannst – kostenlos, immer verfügbar, in allen Positionen benutzbar. Lege sie vor dich hin, halte sie in die Luft, drehe sie. Zeichne so viele Perspektiven wie möglich.

Foto-Referenzen nutzen

Mache Fotos von deinen eigenen Händen in verschiedenen Positionen und zeichne davon ab. Oder suche online nach Handreferenzen – es gibt Seiten, die genau dafür gemacht sind (z.B. Line of Action oder SenshiStock auf DeviantArt).

Manga-Hände nicht zu kompliziert machen

Manga ist vereinfacht. Das ist kein Fehler, das ist ein Stilmittel. Du musst nicht jede Sehne und jede Falte einzeichnen. In einer Manga-Geschichte reicht oft eine Hand mit klaren Umrissen, ein paar angedeuteten Knöcheln und den wichtigsten Gelenken.

Täglich 10 Minuten Hände zeichnen

Zehn Minuten täglich sind besser als zwei Stunden einmal pro Woche. Zeichne jeden Tag fünf verschiedene Handpositionen – du wirst nach zwei Wochen einen deutlichen Unterschied bemerken.

Digital oder analog – beides funktioniert

Wenn du digital zeichnest: Vorzeichnung auf einer Ebene, finale Hand auf einer neuen Ebene darüber. Deckkraft der Vorzeichnung reduzieren.

Beim traditionellen Zeichnen: Vorzeichnung leicht mit Bleistift, dann ausarbeiten und langsam wegradieren.

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Manga Hände in der Geschichte – worauf es ankommt

Eine technisch korrekte Hand ist gut. Eine ausdrucksstarke Hand ist besser. Im Manga sagen Hände sehr viel über einen Charakter aus:

• Eine geballte Faust zeigt Entschlossenheit, Wut oder Anspannung.
• Eine entspannte, herabhängende Hand zeigt Ruhe oder Gleichgültigkeit.
• Ausgestreckte Finger können Erstaunen, Einladung oder Befehl signalisieren.
• Hände, die sich berühren oder halten, erzeugen emotionale Verbindung zwischen Charakteren.

Denke also nicht nur technisch, wenn du Hände zeichnest. Was fühlt die Figur gerade? Was tut sie? Lass die Hand eine Rolle spielen.

Und noch ein Gedanke: Die Hände deiner Figur sollten zu ihr passen. Runde, weiche Hände passen zu einer sanften Persönlichkeit. Eckige, kräftige Hände zu einem Kämpfer. Schlanke, elegante Hände zu einem aristokratischen Charakter.

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Was kommt nach den Händen?

Wenn du Hände immer besser zeichnen kannst, ist das nächste natürliche Thema: Arme. Denn Hände hängen an Armen – und ein Arm, der falsch sitzt, macht auch die schönste Hand kaputt.

Danach kommen Körperproportionen, Füße und Beine und schließlich der ganze Körper in verschiedenen Ansichten und Posen.

Alle meine Manga-Tutorials und Grundlagen findest du hier gesammelt: Manga zeichnen lernen – zur Übersicht 

Wenn du schneller vorankommen möchtest und wirklich strukturiert lernen willst, schau dir meine Zeichenkurse an. Dort lernst du genau das, was du in diesem Artikel gelesen hast – aber mit Video-Anleitungen, Feedback und einem klaren Lehrplan.

Alle meine Manga-Kurse auf einen Blick findest du hier: Zur Manga Zeichenschule 

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Häufige Fragen zum Manga Hände zeichnen

Wie lange dauert es, bis ich Hände gut zeichnen kann?

Mit täglichem Training (auch nur 10–15 Minuten) wirst du nach 4–8 Wochen einen deutlichen Fortschritt sehen. Hände sind eine der schwierigeren Partien – aber auch eine, bei der Übung wirklich schnell etwas bringt.

Soll ich erst aus Referenzen zeichnen oder direkt aus dem Kopf?

Beginne immer mit Referenzen. Deine eigene Hand ist ideal. Wenn du die Grundstruktur verstanden hast, wirst du merken, dass du immer mehr aus dem Kopf ergänzen kannst.

Wie zeichne ich Manga-Hände anders als realistische Hände?

Im Manga werden Hände vereinfacht. Weniger Falten, klarere Linien, oft weniger Sehnen und Adern. Trotzdem basiert auch die Manga-Hand auf realer Anatomie – du lässt nur weg, was nicht wichtig ist.

Welche Hilfsmittel brauche ich?

Am Anfang nur Papier und Bleistift – oder ein digitales Zeichenprogramm. Das Wichtigste ist deine eigene Hand als Referenz.

Ich habe Probleme mit dem Daumen – was mache ich falsch?

Die häufigsten Fehler: zu kurz, zu gerade oder an der falschen Position. Denke daran: Der Daumen endet auf Höhe der oberen Handkante und ist kräftiger und breiter als die anderen Finger. Zeichne ihn mehrfach isoliert, bevor du ihn in die ganze Hand integrierst.

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Fazit

Manga Hände zeichnen ist eine der größten Herausforderungen für Zeichnerinnen und Zeichner aller Niveaus. Aber sie ist lösbar.

Der Schlüssel: Fang bei den Fingern an. Verstehe die Berg-Tal-Struktur. Nutze die Roboterhand-Methode für die Grundkonstruktion. Unterscheide dicke Außenlinien von dünnen Innenlinien. Und übe täglich mit deinen eigenen Händen als Modell.

Du wirst Fortschritte machen. Und irgendwann wirst du Hände zeichnen, ohne groß darüber nachzudenken. Bis dahin: Ganbatte! Das bedeutet „Viel Erfolg" auf Japanisch.

– Maxim

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Über den Autor

Ich bin Maxim Simonenko, Manga-Zeichner, Porträt-Zeichner, Buchautor und Papa. Ich lebe gerade in Japan – und nein, ich habe mich nicht verlaufen. Ich bringe dir bei, wie du Manga zeichnest: strukturiert, Schritt für Schritt, ohne dass du dich durch hundert YouTube-Videos klicken musst.

Heute werde ich vorallem als Schnellzeichner gebucht. D.h. ich zeichne live auf verschiedensten Events Porträts, Szenen und Graphic Recordings. Es ist die perfekte Kombination für mich aus Reisen, Abwechslung, dem Zeichnen was ich mag und gutem Verdienst. Manga zeichnen hat mich zum Zeichnen gebraucht und bis heute nicht losgelassen. Oft werde ich beim Schnellzeichnen angesprochen ob ich im Manga-Stil zeichne - das tuhe ich! Manga hat sehr viele Facetten und ich habe meinen Bereich in der Kunst gefunden, um mein Manga-Zeichnen auszuleben.

Mehr von mir findest du auf maximko.de.

„Welche Stifte soll ich kaufen?" ist die Frage, die mir Manga-Anfänger am häufigsten stellen. Die ehrliche Antwort überrascht viele: Am Anfang brauchst du fast nichts. Aber was brauchst du wann – und warum?

Ich war mit Annie, Künstlerin und Kunstabteilungsleiterin in Rostock, in ihrem Zeichenbedarfsladen und habe zusammen mit ihr alle wichtigen Materialien live durchgegangen – von der klassischen Tuschefeder über Pigmentliner bis zu Copic Markern und Buntstiften. Annie testet buchstäblich alles selbst: Sie hat die halbe Abteilung zuhause gespiegelt. Am Ende waren wir beide so begeistert, dass wir am liebsten weitergezeichnet hätten. Das komplette Gespräch siehst du im Video – hier findest du alle Empfehlungen übersichtlich zusammengefasst.

Annie (Kunstabteilungsleiterin, Cölln Rostock) und ich testen live alle Materialien – inklusive Kolorierung auf verschiedenen Papieren mit Copic Markern, Buntstiften und mehr.

Das Wichtigste vorab: Papier entscheidet alles

Bevor wir zu den Stiften kommen: Das Wichtigste, was Annie immer wieder betont, ist dass das richtige Papier immer davon abhängt, womit du danach kolorierst. Das ist der häufigste Fehler – gute Stifte kaufen, falsches Papier dazu.

• Normales Druckerpapier (80 g) – gut für Bleistiftskizzen und Pigmentliner ohne Kolorierung. Für Alkoholmarker wie Copic ungeeignet: Tinte frisst sich durch, druckt auf das nächste Blatt und verbraucht den Stift schneller.
• Copic-Papier (75 g) – klingt dünn, ist aber oberflächenbeschichtet mit einer Gummierungsschicht. Alkoholtinte blutet nicht durch und druckt nicht auf das nächste Blatt. Pflicht für Copic Marker.
• Steinpapier (92 g) – besteht aus Steinmehl statt Zellulose, löst sich nicht auf. Verträgt dicke Farbaufträge und Alkoholtinte problemlos. Gibt es auch als Skizzenbuch.
• Paint On Multitechnikpapier (250 g) – Maxims persönlicher Lieblingsblock. Ideal für Buntstifte und Tuschestifte auf Wasserbasis. Für Alkoholmarker weniger geeignet.
• Bristol-Papier (ab 105 g) – mehrlagig verklebt, glatt und dick. Sehr gut für Filzstifte und Tuschestifte auf Wasserbasis.

Kategorie 1: Tuschefeder – der klassische Manga-Einstieg

Als ich vor 15 Jahren mit Manga angefangen habe, gab es kaum eine andere Wahl. Ich habe Tage damit verbracht aus dem Papier etwas herauszukratzen – bis mir fast die Ohren gepfiffen haben. Es gehört dazu. Die meisten steigen irgendwann auf andere Materialien um.

Vorteile: Zeichentusche ist hochpigmentiert, nach dem Trocknen wasser- und alkoholfest. Durch unterschiedlichen Druck entstehen dickere und dünnere Linien – das macht Zeichnungen lebendig. Einstiegspreis unter 5 €: Federhalter ~2 €, Feder ~1,50 €, Tinte ~2 €.

Nachteil: Die in Deutschland erhältlichen Federn sind fast alle hart und kratzig. In Japan gibt es viel mehr Auswahl, aber die bekommt man hier kaum. Man muss ständig nachunken und riskiert Kleckse. Tipp: nur die Spitze eintunken, nicht die ganze Feder.

Alternative: Bambusfeder – etwas weicher im Gefühl, 3 Stück für ~4 €, drei verschiedene Spitzenstärken. Ideal zum Schraffuren üben.

Kategorie 2: Pigmentliner – die moderne Alternative

Der entscheidende Unterschied zwischen Fineliner und Pigmentliner: Normale Fineliner haben wasserlösliche Tinte – sie verlaufen beim Kolorieren. Pigmentliner haben echte Zeichentusche drin: wasserabweisend, alkoholfest, ideal zum Kolorieren mit Copic oder Aquarell.

Annies Top-Empfehlungen:

• Sakura Pigma Micron (~3–3,50 €) – Klassiker unter Manga-Künstlern. Sakura hat selbst Manga-Sets aufgelegt, weil die Beliebtheit in der Szene so groß ist. Empfehlung: 0,3 mm für Innenlinien, 0,5 mm für Außenlinien (Outlines).
• Molotow Black Liner – aus dem Graffiti-Bereich bekannt, aber hervorragende Pigmentliner mit Aquarelltinte. Alkoholfest, viele Stärken, sehr schöne Linienqualität.
• Copic Multiliner SP (~8 €) – einziger Stift, bei dem Spitze und Tintenkartusche einzeln austauschbar sind. Man wirft ihn also nie weg. Besonders praktisch bei sehr dünnen Spitzen (0,05 mm), die sich leicht verbiegen können.

Grundprinzip Linienstärke: Dicke Außenlinie, dünnere Innenlinien – das gibt Tiefe. Mindestens 0,3 mm und 0,5 mm kaufen und aktiv einsetzen.

Kategorie 3: Faber-Castell Polychromos – Buntstifte auf Profiniveau

Oft unterschätzt, aber extrem vielseitig. Annie schwärmt regelrecht: Sie hat alle 120 Polychromos in einem limitierten 16-kg-Koffer zuhause.

Was sie besonders macht: höhere Ölbasis als normale Buntstifte, höherer Pigmentanteil, weicherer Abrieb, intensivere Farben. Und sie lassen sich kombinieren – über Alkoholmarker, über Aquarell, sogar über Copic-Kolorierungen gehen viele Profis am Ende noch mal mit Polychromos für Details und Strukturen drüber. Lichtbeständigkeit: mindestens 3 von 5 Sternen, Farben halten über 100 Jahre.

Wichtig – der richtige Anspitzer: Viele klagen über abbrechende Minen. Der Fehler liegt fast immer am Anspitzer. Polychromos brauchen einen Farbstift-Anspitzer, keinen Bleistift-Anspitzer. Faber-Castell macht selbst einen einfachen Metall-Doppelanspitzer für unter 2 € („normal" und „color" steht drauf). Damit bricht nichts mehr ab.

Kategorie 4: Pit Artist Pens – Tuschestifte für Einsteiger

Keine normalen Filzstifte – das ist wichtig zu verstehen. Normale Filzstifte haben flüssige Tinte die das Papier wellt und durchdruckt. Die Faber-Castell Pit Artist Pens haben hochpigmentierte Zeichentusche: dicker, satter, wellt kaum, druckt nicht durch.

Die Pinselspitze ermöglicht je nach Haltung mindestens sechs verschiedene Linienstärken aus einem einzigen Stift. Kein Spezialpapier nötig – normales dickes Zeichenpapier (ab 190 g) oder der Paint On Block reichen. Faber-Castell bietet sogar abgestimmte Manga-Sets mit Hauttönen an.

Annies Profi-Tipp: Mit Grautönen über eine Farbe gehen erzeugt Tiefe und Schatten ohne viele Farben zu besitzen. Danach noch mit Polychromos für Details drüber – eine Kombination die viele Profis nutzen.

Kategorie 5: Copic Marker – der Industriestandard

Aus professionellem Manga, Grafikdesign, Architektur und Modeindustrie nicht mehr wegzudenken. Annie hat buchstäblich alle anderen Alkoholmarker-Marken durchgetestet – und ist immer wieder zu Copic zurückgekehrt.

Die drei Copic-Varianten:

• Copic Ciao – Pinselspitze + Keilspitze, 180 Farben, nachfüllbar. Bestes Preis-Leistungs-Verhältnis.
• Copic Classic – Füllspitze + Keilspitze. Eher für Architekten und große Flächen.
• Copic Sketch – wie Ciao, aber größer (mehr Tinte). Über 300 Farben.

Verläufe mit Copic – Annies drei Methoden:

1. Blender: Farbloser Stift mit reinem Alkohol – über feuchte Farbe gehen.
2. Farbe in Farbe: Zwei ähnliche Töne nass-in-nass – immer vom Dunklen ins Helle ziehen.
3. Grautöne: Grauton über eine Farbe – erzeugt Schatten, entsättigt leicht, ideal für realistische Wirkung.

Pflicht: Copic-Papier oder Steinpapier verwenden. Dickes Papier ohne Beschichtung reicht nicht – es braucht eine spezielle Oberfläche für Alkoholtinte.

Einstieg: Das Copic-Starter-Set – ein paar Grundfarben (Hauttöne), zwei alkoholfeste Multiliner, Übungspapier und Vorlagen zum Kolorieren üben. Annie und ich waren uns einig: zum Starten ein geniales Set.

Neu seit 2024: Faber-Castell Alkoholmarker

Annie hat sie als eine der Ersten auf der Messe vorgestellt. Das Besondere: Statt einer Keilspitze hinten haben sie eine Finelinerspitze – in genau der Farbe des Markers, natürlich alkoholfest. 60 Farbtöne. Ideal für Details, Reflexe in den Augen, feine Linien – direkt mit dem gleichen Farbton wie der Marker selbst.

Meine Empfehlung je nach Level

Absoluter Einsteiger (unter 15 €):

• Bleistift HB + 2B
• Knetradierer
• Sakura Pigma Micron 0,3 mm + 0,5 mm
• Normales Druckerpapier zum Üben

Bereit für Kolorierung (kein Spezialpapier nötig):

• Faber-Castell Pit Artist Pens (Hauttöne + Grautöne)
• Faber-Castell Polychromos (12er oder 24er Set)
• Faber-Castell Doppelanspitzer (~2 €)
• Paint On Block 250 g oder Bristol-Papier

Bereit für Copic:

• Copic-Starter-Set (Ciao + 2 Multiliner + Übungspapier)
• Copic-Papier oder Steinpapier
• Polychromos für Details über die Copic-Kolorierung

Häufige Fragen zu Manga zeichnen Materialien

Welche Stifte brauche ich zum Manga zeichnen?

Für den Einstieg: Bleistift HB/2B und Sakura Pigma Micron in 0,3 mm und 0,5 mm. Für Kolorierung ohne Spezialpapier: Faber-Castell Pit Artist Pens. Für professionelle Kolorierung: Copic Marker auf Copic-Papier.

Welches Papier eignet sich für Copic Marker?

Copic-Papier (75g, beschichtet) oder Steinpapier. Auf normalem Druckerpapier frisst sich die Alkoholtinte durch und druckt auf das nächste Blatt.

Was ist der Unterschied zwischen Fineliner und Pigmentliner?

Normale Fineliner verlaufen beim Kolorieren (wasserlösliche Tinte). Pigmentliner (Sakura Pigma Micron, Molotow Black Liner, Copic Multiliner) sind wasserabweisend und alkoholfest – ideal zum Kolorieren.

Wie mache ich Verläufe mit Copic Markern?

Drei Methoden: Mit Blender über feuchte Farbe gehen, zwei ähnliche Töne nass-in-nass mischen, oder mit Grautönen Schatten und Tiefe erzeugen.

Sind Copic Marker für Anfänger geeignet?

Hochwertig aber teuer. Erst mit Faber-Castell Pit Artist Pens starten, dann das Copic-Starter-Set als nächsten Schritt.

Jetzt richtig starten

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Hoffe dir hat der Blog-Eintrag " Manga zeichnen Materialien – Was brauche ich wirklich? " gefallen. ^^

Kreative Grüße

Maxim

Manga-Haare sehen in professionellen Zeichnungen immer so mühelos aus — fließend, lebendig, fluffig. Aber wie macht man das eigentlich? Haare brauchen Leichtigkeit und gleichzeitig Selbstbewusstsein im Strich. In diesem Artikel zeige ich dir alle wichtigen Grundlagen: von der richtigen Linie über verschiedene Frisurformen bis hin zu langen Haaren im Wind.

Du lernst in diesem Artikel alle wichtigen Grundlagen – oder schau direkt mein Tutorial zum Schraffieren, Licht und Volumen von Haaren:

Die richtige Reihenfolge: Außenform zuerst

Das ist der wichtigste Grundsatz beim Manga-Haare zeichnen — und gleichzeitig der häufigste Fehler bei Anfängern.

Zeichne zuerst immer die Außenform der gesamten Frisur. Diese kann zunächst ruhig steif und vereinfacht sein. In dem Moment wo diese Außenform steht, ist die Frisur bereits erkennbar. Was danach kommt sind nur noch Details.

Der typische Anfängerfehler ist der umgekehrte Weg: einzelne Haarsträhnen vom Kopf aus zeichnen. Das Ergebnis sieht dann aus wie eine Glatze mit ein paar Härchen drauf.

Die richtige Reihenfolge:

• Zuerst den kahlen Schädel als Hilfslinie einzeichnen — Haare liegen auf dem Kopf, sie verschmelzen nicht mit ihm
• Außenform der gesamten Frisur anlegen
• Frisur in Strähnenblöcke aufteilen — unterschiedliche Größen, mal eine kleine, mal eine große Strähne
• Details mit dünnerem Stift ergänzen

Die lebendige Linie

Haare entstehen durch unterschiedliche Linienstärke. Ein Stift der immer gleich dicke Linien zieht funktioniert für Gebäude — aber nicht für Haare.

Ein Pinselstift ist ideal: je mehr Druck du ausübst, desto dicker die Linie. Abwechselnd dünne und dickere wellige Linien nebeneinander ergeben schon im einfachsten Fall glaubwürdige Haare.

Wichtig dabei: Zeichne nicht aus dem Handgelenk — das ist gut für kurze Striche. Für längere, saubere Haarlinien aus der Schulter oder dem Ellenbogen heraus zeichnen. Das fühlt sich am Anfang ungewohnt an, macht aber einen riesigen Unterschied.

Die Außenlinie der Frisur zeichnest du mit einem dickeren Stift — die Innendetails mit einem dünneren. So behältst du immer die Grundstruktur und verlierst dich nicht in Details.

Schattierung und Tiefe

Schattierungen bringen Leben in jede Frisur. Hier die wichtigsten Techniken:

• Hinter dem Hals und unterhalb der Strähnen immer etwas dunkler arbeiten — das trennt Haare vom Körper und gibt Tiefe.
• Beim Pony die Striche von unten nach oben ziehen: unten stark aufdrücken, nach oben den Druck verringern. So wird der untere Bereich dunkel und es wird nach oben hin heller.
• Den Lichtstreifen immer freilassen und die Linien zum Lichtstreifen hin dünner und leichter werden lassen.

Das Glanzlicht — typisch Manga

Was Manga-Haare von allem anderen unterscheidet ist das charakteristische Glanzlicht. Es ist ein gebogener Bogen über den Kopf — aber mit einem wichtigen Detail: Er wird immer wieder unterbrochen.

Wenn du ihn komplett durchzeichnest, sieht es aus wie eine Mütze. Die Unterbrechungen simulieren einzelne Haare die das Licht brechen. Den Bogen also in kurzen Abschnitten zeichnen, leicht gewölbt, mit Lücken dazwischen.

Wenn du die Haare danach ausmalst — lass diesen Lichtbogen einfach frei. Die Haare glänzen dann wie von selbst.

Für noch mehr Lebendigkeit: ganz dünne Härchen einzeichnen die etwas freier aus der Frisur herausbrechen. Digital kannst du auch weiße dünne Härchen nachträglich einzeichnen. Bei traditioneller Malweise funktioniert ein weißer Gelstift auf der Tuschezeichnung — bei Bleistift lassen sich einzelne Strähnchen mit einem sehr dünnen Radiergummi herausradieren.

Strubbelfrisuren zeichnen

Strubbelfrisuren wirken chaotisch — haben aber ein klares System dahinter.

Zeichne zuerst einen großen Kreis um den Kopf als Hilfslinie. Die Strubbelfrisur ist eine Verlängerung des runden Kopfes — dieser Kreis verhindert, dass du zu sehr von der runden Form abweichst.

Dann in drei Ebenen arbeiten: zuerst die vorderste Reihe Strubbel, dann eine zweite Reihe dahinter mit etwas kleineren Strubbeln, dann eine dritte Ebene ganz hinten am Kopf. Wichtig: Die Linien der einzelnen Ebenen dürfen sich nicht treffen — so entsteht Tiefe.

Zwischen den groben Strähnenblöcken dann einzelne dünne Strähnchen einzeichnen — das macht die Frisur noch fluffiger. Zum Schluss ein einfacher Verlauf der Haardunkelheit und die Frisur bekommt sofort Lebendigkeit.

Lange Haare im Wind

Bei langen Haaren kommt ein neues Element dazu: Verdrehungen. Je länger die Haare, desto komplexer die Drehbewegungen.

Der einfachste Einstieg: Stelle dir die Strähnen wie längere Papierstreifen vor. Teile diese Papierstreifen nach und nach weiter auf. So behältst du den Überblick auch bei komplexen Frisuren.

Wichtig bei langen Haaren im Wind: Immer vom Haaransatz aus denken. Die Strähnenlinien sind durchgehend und beginnen am Haaransatz — nicht gestrichelt, sondern in einer sauberen Linie. Die großen Strähnen haben dickere Umrandungslinien, die Detaillinien innerhalb der Strähnencluster sind dünner.

Fotos oder Videos von echten Haaren im Wind sind eine große Hilfe — nicht um sie zu kopieren, sondern um die Struktur dahinter zu verstehen und vereinfacht wiederzugeben.

Die beste Übung

Zeichne lange Haare in großer Menge. Lange Haare zwingen dich zu sicheren, fließenden Linien — das ist die Grundlage für alle anderen Frisurformen.

Eine weitere sehr gute Übung: Zeichne einfarbige Frisurkonturen ohne Gesicht. Wenn die Kontur alleine gut aussieht, kannst du anschließend die Strähnen herausarbeiten. So lernst du die Frisur als Ganzes zu denken — nicht als Summe einzelner Strähnen.

Und das wichtigste Prinzip zum Schluss: Beim Zeichnen von Haaren nicht an einzelne Strähnen denken, sondern sich auf die Gesamtheit der Frisur fokussieren.

Alle weiteren Grundlagen zum Manga zeichnen findest du in der Manga-Anleitung von Maxim Simonenko.

Strukturiert statt Tutorial-Chaos — zur Manga-Zeichenschule.

Hoffe dir hat der Blog-Beitrag " Manga Haare zeichnen lernen – Schritt für Schritt Anleitung " gefallen! ^^

Mit kreativen Grüßen

Maxim

Normalerweise war vor dem Kind Vormittags meine beste Zeit, um fokussiert zu arbeiten und neue Ideen auszuarbeiten.

Doch mit dem leichten Leben ist es vorbei!! ;D Meine Tochter quasselt mich frühs so voll, dass ich keinen klaren Gedanken mehr fassen kann! Wir sind viel unterwegs, gerade durch unseren Umzug nach Japan leben wir oft im Hotel. Bis wir einen passend Ort gefunden haben, bis wir alles Bürokratische erledigt haben. Da gibt es keinen Fluchtweg in einen anderen Raum. Wenn die Kleine aufwacht, heißt es sofort: „Papa essen! Papa hier! Papa da!“ 

Besonders jetzt, wo wir, gezwungener Maßen, einen Monat in Thailand sind (weil Tochter und Frau schon seit 8 Monaten auf ihr Visa in Japan warten!!), schlafen wir bei der Hitze alle nicht so gut. Ich stehe oft mit einem „matschigen“ Kopf auf, habe kaum Kraft und werde sofort mit Infos über Spielzeuge, Vögel und Quasselei ohne Pause bombardiert. 

Worauf ich hinaus will: Frühs werde ich schnell geschlaucht und werde auch mal gereizt. Ich habe aber eine Lösung für mich gefunden und vielleicht hilft es dir auch: Malen mit Kleinkindern (2 Jahre). Es ist mein Rettungsanker geworden, um die Zeit mit ihr zu genießen (zumindest paar Minuten ;DD), ohne das Handy rauszuholen.

Warum Stift und Papier das Handy schlagen

Wir versuchen unsere Tochter möglichst vom Handy abzuhalten, ausser es ist ein grosser Notfall. Ich habe manchmal versucht neben ihr vom Handy abzuzeichnen, doch dann will sie sofort ans Handy. 

Sie fühlt sich ausgeschlossen. Ist dann abgelenkt und kommt nicht zu Ruhe.

Beim Zeichnen auf Papier, ohne das Handy, ist das Gegenteil der Fall. Es ist eine Einladung. Wenn ich zeichne, kommt sie dazu, redet mit, sagt mir, was ich malen soll, und fängt schließlich selbst an. Das hat so viele Vorteile für uns beide.

1. Mein Material-Hack

Falls du jetzt denkst, du brauchst ein schönes Skizzenbuch und teure Stifte: Lass es lieber. Ich bin dazu übergegangen, den billigsten Block und einen einfachen schwarzen Kugelschreiber oder Gelstift zu nehmen. Das ist das einfachste für Unterwegs. Zu Hause habe ich schon etwas teuerere Materialien, aber die nehme ich ungerne mit - man verliert sie oder sie gehen kaputt. Meist vergesse ich das Malzeug auch einfach und kaufe einfach irgendwo am Kiosk was gaaaanz einfaches zum Zeichnen. Meine Tochter nimmt keine Stifte mehr in den Mund, deshalb muss ich da nicht mehr zu sehr auf die Qualität achten. 

Konkrete Zeichenmaterial-Empfehlungen findest du in der FAQ am Ende dieses Beitrags.

• Keine Angst vor Zerstörung: Meine Tochter will die Seiten selbst umblättern, sie sucht sich ihre Stellen aus und manchmal zerreißt sie dabei auch mal was. Wenn ich da zu viel Druck ausübe („Hör auf! Mach das nicht kaputt! Zeichen doch wo anders!“), verliert sie sofort die Lust. Bei einem günstigen Block ist mir das relativ egal.
• Der „Leicht-Schreib-Faktor“: Es gibt diese harten Buntstifte und Wachsmalstifte für Kinder, bei denen man drücken muss wie verrückt, um eine Farbe zu sehen. Das demotiviert Kleinkinder sofort. Nutzt Stifte, die schon bei leichtem Aufdruck eine dunkle oder farbige, hauptsache klare Spur hinterlassen. Das hält den Spaßfaktor hoch und ist viel Besser fürs Handgelenk.

Ou!!! Und wir haben in Japan so ein kleines Zeichenbrett (LCD-Tablet) gekauft, das man ganz einfach per Knopfdruck resetten kann. Das ist so praktisch! Wir verlieren es zwar ständig ;_; aber oft verschafft es uns unterwegs wertvolle Minuten. Papier und Stifte sind in Stresssituationen – wie in einer vollen U-Bahn – manchmal etwas unhandlich. Deshalb ist das mein Spezialtipp für alle Reise-Eltern!

2. So gewinnst du Zeit für dich

Also, wenn ich am Morgen mit ihr abhänge und merke, dass ich ne Pause brauche. Dann hole ich nen Block oder ein Blatt Papier mit einem Stift. Setze mich neben meine Tochter oder in der Nähe. Und dann fange ich meistens damit an, ihre Spielzeuge zu skizzieren. Das ist wie ein Spiel: Sie erkennt ihre Sachen wieder und will dann sofort selbst den Stift schwingen.

• Der „Schoß-Trick“: Sie setzt sich zu mir, zeichnet mit, und nach einer Weile kann ich sogar kurz weggehen oder mich meinen eigenen Übungen widmen, während sie ein ganzes Blatt vollkritzelt.
• Kommunikation: Ich gehe natürlich nicht sofort weg, man muss schon etwas mit ihr Kommunizieren. Während sie malt, erzählt sie mir, was sie da macht – auch wenn es für mich nur Striche sind. In ihrem Kopf entstehen ganze Welten. Ich motiviere sie einfach dabei, ohne sie zu korrigieren oder zu kritisieren.

3. Kinder und Kunst: Warum sie nicht "Künstler" werden muss (aber Zeichnen trotzdem hilft)

Ich bin Künstler und ich liebe es, ein Künstler zu sein! Aber – und das ist mir wichtig – ich erwarte das absolut nicht von meiner Tochter. Sie kann später machen, was sie will (als ob sie jemals auf mich gehört hätte oder es in Zukunft tun würde, XDD).

Was ich ihr aber mitgeben möchte, ist ein gewisses Level an Zeichenfertigkeit, einfach weil es so viele Vorteile hat. Wer zeichnet, nimmt seine Umwelt viel bewusster wahr. Man lernt, genau hinzuschauen. Außerdem hilft es enorm dabei, eigene Ideen später in visuelle Konzepte zu verwandeln und macht einen feinmotorisch einfach fitter.

Das Beste daran: Ich muss eigentlich gar nichts Besonderes tun, um sie zu fördern. Kinder sind wie kleine Antennen. Wenn sie mich zeichnen sieht, möchte sie es automatisch auch machen. Ich muss einfach nur vor ihr zeichnen, dann lernt sie eine Menge davon ganz von selbst.

Das ist der wahre Schlüssel: Wenn ich selbst nicht zeichne, dann zeichnet sie auch nicht. Selbst wenn ich rufen würde: „JETZT ZEICHNE DOCH MAL!“, würde sie mich wahrscheinlich nur abfällig anschauen und was anderes machen. Aber sobald ich meinen Lieblingsstift in die Hand nehme, weil ich gerade eine Sekunde Ruhe beim Skizzieren haben möchte – dann passiert es: Sie rennt wie von der Tarantel gestochen zu mir (auch wenn sie in einem ganz anderen Zimmer ist und gar nicht wissen kann, was ich gerade mache!), reißt mir den Stift aus der Hand und malt mein Blatt voll! XD

Wer also sein Kind zum Zeichnen bringen möchte, sollte vor allem selbst gerne zum Stift greifen. Natürlich hat jedes Kind andere Talente und Vorlieben, und manche wollen vielleicht einfach nicht. Aber ich habe das Gefühl, dass diese Form der Kreativität in fast jedem Kind ganz natürlich drinsteckt – einfach als Teil einer gesunden Entwicklung, ganz ohne dass sie später mal Profi-Künstler werden müssen.

4. Training für dich: Wie du dich als Elternteil verbesserst

Wenn sie dann so richtig im Tunnel ist und neben mir malt, nutze ich die 20 bis 30 Minuten für meinen eigenen „Kopf-Reset“. Es ist wie eine kleine Meditation und für mich als Profi-Künstler wichtiges Training, um fit zu bleiben. Und um kein matschiges Zombie-Gehirn zu bekommen! XD

• Einfache Formen, simple Themen: Erwarte kein Öl-Porträt an dem du 10h in Ruhe malen kannst. Nutze die Zeit für einfache Form-Übungen. Ihre Lieblingshelden zu zeichnen oder sie selbst zu skizzieren sind super Übungen!
• Vorbereitung: Mein Tipp: Schau dir am Abend vorher kurz ein Video an, wie man zum Beispiel ein bestimmtes Tier oder eine Figur zeichnet. Am nächsten Morgen übst du genau dieses Motiv mehrfach ganz entspannt auf dem Papierblock. So lernst du etwas dazu, wirst nicht zum Zombie, hast kein schlechtes Gewissen und dein Kind hat eine sinnvolle Erfahrung.

5. Thema iPad: Fluch oder Segen?

Wir haben das neueste iPad (das ich für meine Künstler-Arbeit verwende) und natürlich darf sie da auch mal drauf zeichnen (als hätte ich noch etwas was mir gehört ;D). Die verschiedenen Pinsel und Farben sind für Kinder extrem spannend. Neue IPads sind technisch so brilliant, dass es sich fast so gut anfühlt wie auf echtem Papier zu zeichnen. Besonders wenn man eine spezielle Paperlike-Folie drauf klebt. Das ist super und tausendmal besser, als sie nur passiv vor einen Film zu setzen.

Aber: Ich nutze es vorsichtig. Ein Kind braucht für die Feinmotorik das Gefühl von echten Stiften, verschiedenen Winkeln und echtem Papierwiderstand. Deshalb nutze ich das IPad spärlich und versuche vor ihr traditionell zu zeichnen.

6. Akzeptanz: Dein Bild (und alles andere auch) gehört euch beiden

Ein wichtiger Punkt: Sei nicht zimperlich mit deinen eigenen Zeichnungen. Besonders im Alter von ein bis zweieinhalb Jahren lieben es Kinder, über Papas Bilder drüberzumalen. Meine Tochter hat fast alle Gesichter, die ich gezeichnet habe, bis zur Unkenntlichkeit „ausgemalt“. XD

„Keine Angst vor Fehlern: Wenn meine Tochter meine Zeichnungen 'optimiert', ist das für mich die beste Übung in Gelassenheit.“ XD

Ein weißes Blatt ist für viele Kinder (und Erwachsene) einschüchternd. Wenn du aber etwas vorzeichnest, gibst du ihr ein Ziel. Sie übt das Ausmalen und Mitzeichnen. Betrachte deine Skizzen in diesem Moment einfach als Übung, als eine Inspirations fürs Kind. Aufwändige Kunstwerke, die du in einer Gallerie für viel Geld verkaufst, solltest du eher ohne das Kind machen XD Wobei! Vielleicht ist das Gekritzel vom Kind gerade das Besondere und lässt dich als KünstlerIN durchstarten?!? XD

Fazit:

Das Malen mit Kleinkindern (2 Jahre) hat mir geholfen, die stressigen Vormittage (zu einem Teil) zu meistern. Es gibt mir den Freiraum, den ich als Künstler brauche, und gibt ihr die Aufmerksamkeit, die sie als Kind fordert.

Möchtest du auch effektiver zeichnen lernen, während dein Kind neben dir spielt?

Ich habe einen Zeichenkurs mit kurzen Videos entwickelt, in dem ich dir zeige, wie du dir Formen von Tieren, Gesichtern, Dinos, Fahrzeugen oder Manga-Figuren so merkst, dass du sie jederzeit locker aufs Papier bringst.

Hier gehts zum Zeichenkurs für Eltern mit Kleinkindern ->

Hoffe dir hat der Blog-Eintrag " Malen mit Kleinkindern (2 Jahre): Wie dein Kind begeistert mitmacht und du endlich wieder Zeit für deine eigenen schönen Bilder findest " gefallen!

Viel Freude und viel Kreativität!

Maxim ^^

Schatten sind eines der wichtigsten Mittel beim Zeichnen.
Sie entscheiden darüber, ob eine Zeichnung flach wirkt – oder räumlich.

Ganz egal, ob du Manga, Comic, Game Art, Concept Art oder realistisch zeichnest:
Ohne ein grundlegendes Verständnis von Schatten bleibt jede Zeichnung zweidimensional.

Zusätzlich verbessert das Wissen um Schatten deine Umrisslinien-Zeichnungen enorm. Ein Beispiel mit Robo-kun. In Bild 3 siehst du ihn ohne die Schattierung. So werden meist Manga-, Comic-Zeichnungen und vereinfachte Portraits gezeichnet. Damit man ihn so in Perspektive von der Seite zeichnen kann, nur mir Umrisslinien, muss einem klar sein, dass es eigentlich ein dreidimensionaler Körper ist, der eine Vorderseite und eine Seite hat. 

Wichtig: Sobald man seine Zeichnungen nicht mehr als reine 2D-Linien-Zeichnungen sieht, sondern als dreidimensionale Objekte vorstellt: Wird dein Zeichnen, egal in welchem Stil, deutlich besser. Und du wirst viel leicht aus dem Kopf zeichnen können.

Man kommt irgendwann an Schatten einfach nicht vorbei wenn man sein Zeichnen verbessern möchte, lass uns in diesem Tutorial gemeinsam durchgehen, Schritt für Schritt, wie du Schatten zeichnen lernst.

In unserer kompletten Manga-Anleitung findest du den gesamten Lernweg – hier geht es um den Fokus auf Schatten zeichnen.

Mega-Tipp zum Schatten zeichnen vorweg

Da ich Porträt- und Manga-Zeichner bin,
gehen wir hier insbesondere auf die Schattierung in den Bereichen Manga und Porträt ein.

Im Endeffekt unterliegt Schattierung jedoch in allen Zeichenstilen denselben Prinzipien.

Schatten zeichnen zu lernen ist schwierig. Sowohl die Grundlagen, als auch die fortgeschrittenen
Schraffur-Techniken. Denn man muss sein Denken anpassen.

Aber es geht – und der Aufwand lohnt sich!

Früher hatte ich einen Zeichenfreund, der Holzbildhauer war.
Zu diesem Zeitpunkt war ich noch Informatiker. XD

Holzbildhauer haben ein extrem gutes dreidimensionales Verständnis.
Denn sie zeichnen nicht nur – sie bauen echte dreidimensionale Körper.

Dieser Freund belächelte meine flachen Zeichnungen und fragte sich,
ob ich Schattierung jemals wirklich lernen könnte,
ohne dreidimensionale Objekte mit Holz oder Ton erstellt zu haben.

Also begann ich, ganze Köpfe aus Ton zu modellieren!

Ich kaufte mir eine Menge Ton-Werkzeug
und machte – völlig übermotiviert –
zwei Köpfe 😄

Aber diese zwei Köpfe waren suuuuuper lehrreich!

Letztens habe ich sogar einen der Köpfe im Keller meiner Mama gefunden.
Ich habe mir schon viel Mühe gegeben. Hatte mir auch ein Tutorial/Kurs zum
Modellieren eines Kopfes in Ton angeschaut:

Natürlich kannst du auch Schattierung über das Zeichnen lernen.
Aber mein absoluter Tipp ist es weinigstens einmal einen dreidimensionalen Kopf zu erstellen.

Das verbessert dein Verständnis für Volumen immens.

Trennung: Schatten und Farbe

Lass uns auf einen wichtigen Aspekt eingehen: Was Schatten ist und was Farbe ist.

Denn wenn du Farbe aufträgst – egal ob digital oder traditionell –
trägst du immer zwei Dinge gleichzeitig auf:
einen Tonwert (Schatten) und einen Farbwert (Farbe).

Und genau der Tonwert, unabhängig von der Farbe,
ist das Schwierigste am Malen und Zeichnen dreidimensionaler Charaktere.

Die Helligkeiten und Dunkelheiten so zu setzen, dass das Gesicht räumlich wirkt
und unsere Augen – ebenso wie die Augen der Betrachter – täuscht:

Dass dies keine flache 2D-Zeichnung, sondern ein dreidimensionaler, lebendiger Charakter ist.

Dafür braucht es nicht nur Übung, sondern sehr viel Wissen in Anatomie und Dreidimensionalität.

Wir brauchen deshalb Wissen,
weil wir uns nicht auf unsere Augen verlassen können –
zumindest am Anfang nicht.

Wir müssen logisch und bewusst vorgehen.

Nicht nach dem Prinzip:
„Hm, ich habe das Gefühl, hier kommt diese Dunkelheit hin und da diese Helligkeit.“

Das funktioniert nur über IMMENS viel Übung (Also Jahre an konstantem Training). 
Diese Zeit hat heute kaum jemand mehr. 

Besser ist es die Theorie von Licht und Schatten zu verstehen und sich die
Augen eines erfahreneren Zeichenmeisters zu leihen.

Die Wichtigkeit des Tonwertes

Alte Meister haben zuerst viel nur in Schwarz-Weiß gearbeitet.
Um ihr Sehen zu schulen und unterschiedliche Tonwerte sicher erkennen zu können.

Ich weiß,
schwarz-weiß ist sooooo langweilig.
Mir ging es ebenfalls so XD
Aber es ist immens wichtig!
Falls dir die Motivation fehlt: Übe mit mir in meinem Manga-Live-Trainingscamp.

Die bekanntesten Profi-Künstler aus allen Bereichen zeichnen deshalb sehr häufig zunächst alles in Graustufen – besonders im digitalen Bereich.

Erst zum Schluss fügen sie Farbe auf einer neuen Ebene hinzu.
Beim Einfügen der Farbe achten sie penibel darauf, dass die Tonwerte nicht verändert werden.

Denn das Setzen von Farbe benötigt oft nur einen Bruchteil der Zeit,
die das saubere Ausarbeiten von Licht und Schatten in Anspruch nimmt.

In meinen Kursen leite ich das Schattenüben mit z.B. so einer Übung ein:

Die Licht-Schatten-Kante: Trennung zwischen Licht- und Schattenbereich

Was man am Anfang auch oft falsch macht,
ist im Lichtbereich zu dunkel zu werden
und im Schattenbereich zu hell zu bleiben.

Praxis-Tipp: Im Schattenbereich zeichnet man z.B. das Reflexlicht meist viel zu hell ein. Dieses konkurriert dann mit der Lichtseite und die Zeichnung verliert an Dreidimensionalität. Reflexlicht wird von der Umgebung in den Schattenbereich reflektiert und viel schwächer als das Licht im Lichtbereich. Es wirkt nur so hell, weil es vom Schatten umgeben ist.

Wenn man den Schattenbereich und den Lichtbereich definiert hat ist die Grundregel:
Je stärker der Kontrast zwischen Licht und Schatten, desto dreidimensionaler wirkt die Figur.

Aber wie findet man überhaupt den Schattenbereich?
Oder den Lichtbereich?

Dafür gibt es – ganz vereinfacht – die Licht-Schatten-Kante.
So nenne ich sie. Es ist im Endeffekt der Kernschatten. Ein Kernschatten ist jedoch ein Verlauf, der schon fortgeschrittener ist. Deshalb fange ich mit einer Kante an zu erklären.

Sie trennt die Lichtseite von der Schattenseite.
Diese Kante zu finden und einzuzeichnen ist immens wichtig.

Je realistischer man zeichnet,
desto komplexer wird diese Kante.

Bei einem Quader ist diese Kante sehr eindeutig.
Sie ist gerade – eine klare Kante.

Eine Seite des Quaders liegt im Licht, die andere im Schatten.

Das ist das Grundprinzip.

Zeichnet man einen Quader und lässt alle Seiten gleich hell oder gleich dunkel,
wirkt er sofort flach.

Sobald man aber sagt:
„Das Licht kommt von links“,
ist die linke Seite die Lichtseite
und die rechte Seite die Schattenseite.

Schon entsteht Volumen.

Genauso funktioniert es bei einem Gesicht.

Da ein Gesicht aber nicht eckig ist,
sondern aus weichen, runden Formen besteht,
ist die Licht-Schatten-Kante hier ebenfalls weicher.

In der Fachsprache wird sie auch
„Terminator“ bzw. "Kernschatten" genannt.

Im Manga kann die Kante kantig bleiben, es funktioniert trotzdem. Bei einem realistisch gezeichneten Gesicht muss man schon viel mehr Verläufe einbauen und eine richtige Rundung des Gesichtes betonen.

Finde die Licht-Schatten-Kante und deine Zeichnungen werden deutlich dreidimensionaler!

Manga- und Anime-Figuren schattieren

Nun, der erste Weg ist es überhaupt den Schattenbereich zu definieren. Dann beginnt die Arbeit innerhalb dieses Schattenbereiches. Es gibt verschiedene Schattentypen und diese einzusetzen und zu kombinieren ist immens wichtig. 

Schattieren üben muss nicht langweilig sein. Übe mit dem was du eh gerade zeichnest. Am besten ist es jedoch erstmal mit einfachen Formen anzufangen, wie dieser Minecraft Biene. An ihr konnte ich in einem Live-Stream super gut die Prinzipien des Schattierens erklären:

Bedenke, dass die Schattenform auch die Form des Charakters offenbart. So haben rundliche Charaktere eine rundliche Licht-Schatten-Kante, während kantige Charaktere eben kantige Schatten haben mit geraden Grenzen.

Hier kommt hier eine detaiiliertere Schritt-für-Schritt Anleitung zum Schattieren eines Anime-Charakters:

Erklärung der einzelnen Schritte:

Schritt 1 – Umrisslinien mit Tiefe

Bevor überhaupt ein Schatten gesetzt wird, sollten die Umrisslinien bereits Leben haben.

Eine Linie ist nicht überall gleich stark.

Manche Stellen sind etwas kräftiger, andere leichter und offener –
je nach Form, Druck und Bedeutung im Bild.

An welchen Stellen du die Linien stärker machst und an welchen leichter -
hängt stark von deinen Schattierungskenntnissen und deinem dreidimensionalem Verständnis ab.

Diese Linienzeichnung ist die Grundlage für alles, was später an Schattierung hinzukommt.

Schritt 2 – Formschatten verstehen

Im nächsten Schritt geht es um Formschatten.

Ganz wichtig: Formschatten hat normalerweise keine harte Kante, sondern eine weiche Kante.
Aber bei Anime und Manga wird oft so vereinfacht, dass auch der Formschatten eine harte bekommt.

Für alle die jedoch realistisch zeichnen wollen ist es wichtig zwischen den hartkantigem Schlagschatten und dem weichen Formschatten zu unterscheiden. 

Aber erstmal zurück zur Anime-Figur.

Beim Formschatten wird entschieden:
Welche Seite liegt im Licht?
Welche Seite liegt im Schatten?

Jedes Körperteil und Kleidungsstück bekommt eine Lichtseite und eine Schattenseite.
In meinem Beispiel kommt das Licht von rechts. Also ist rechts auch die Lichtseite und links die Schattenseite.

Du kannst also ganz vereinfacht erstmal über die komplette Figur gehen und überall die linke Seite schattieren. Mach den Formschatten nicht zu schmal, sonst bekommt die Figur nicht genügend Tiefe.

Und ganz wichtig: Der Schatten durchzieht sich durch die GANZE Figur. Zeichne den Schatten nicht nur stückchenweise ein, sonst wird die Figur nicht Dreidimensiona

Die Ärmel hängen nicht gerade nach unten, sie brauchen aber eine Schattenseite. In diesem Fall habe ich mich entschieden die untere Seite der Ärmel zu schattieren. Passt einfach zur Pose und zur Lichtsituation. Das Licht scheint auch etwa von weiter oben.

Schritt 3 – Schlagschatten hinzufügen

Jetzt kommen die Schlagschatten hinzu.

Das sind Schatten, die durch abstehende Formen entstehen:

• Ein Ärmel wirft einen Schatten auf den Arm
• Das Kinn wirft einen Schatten auf den Hals
• Die Figur wirft einen Schatten auf den Boden

Diese Schatten sind enorm wichtig,
weil sie zeigen, wie die einzelnen Formen zueinander im Raum stehen.

Und ganz wichtig: Schlagschatten haben eine harte Kante!
Auch im realistischen Zeichnen und Malen.

Schritt 4 – Schraffur als Ausdrucksmittel (optional)

Damit die Zeichnung nicht so glatt/digital aussieht,
fürge ich gerne noch Schraffuren hinzu.

Die Schraffuren setze ich so, dass diese gleichzeitig den Formschatten
und den Schlagschatten aufbessern. Und der Figur einen Sketchy-Look geben.

Genau dieser Stil gefällt mir persönlich sehr
und ist deshalb auch in meinen Arbeiten und Büchern präsent.

Schritt 5 - Alles zusammenfügen

Wenn du nun alle Schritte zusammenfügst, bekommst du eine toll schattierte Figur.

Richtig schön dreidimensional! 

Keine Frage, es geht noch mehr. Aber das ist die Basis. Bevor du krasse Schattierungstechniken anwendest, musst du erstmal diese Anime-Basis-Schattierung meistern. So jedenfalls mein Tipp.

Schattierung ist viel vielschichtiger als man denkt. Und wenn man realistisch zeichnet, kommen noch weitere Herausforderungen hinzu, das Prinzip bleibt jedoch das selbe.

Schattierung in einem realistischen Porträt

Lass uns kurz ein realistisches Portrait von mir anschauen. Ich habe einen ganzen Kurs dazu erstellt und für das Portrait, samt Erklärung, habe ich etwa 10h gebraucht!

Ein realistisches Portrait braucht viel mehr Messen, Prüfen, Vorbereiten, Schritt-für-Schritt vorgehen als eine Manga-Gesichtszeichnung. Wobei es natürlich auch super realistische Manga-Stile gibt. Aber es ist schon so, dass die Manga-Zeichnungen auf Geschwindigkeit aus sind und nicht so weich gezeichnet werden wie z.B. dieses Portrait.

Ich zeichne nicht jeden Tag solche aufwändigen Portraits. Ich bin eher ein Schnellzeichner. Liebe es zu skizzieren. Da ich jedoch mein Können stets verbessern möchte, zeichne ich solche langen Portraits oder mache Köpfe aus Ton. Das ist manchmal mühselig, aber lehrt einen soooo viel.

Schritt 1 – Outlines & Konstruktion

Schritt 1 sind die Outlines.
Die Konstruktion.

Hier arbeite ich viel genauer und vorsichtiger, denn das Porträt soll nach der Person aussehen, die porträtiert wird.
Das bedeutet: viel messen.

Gerade bei realistischen Porträts ist dieser Schritt extrem wichtig, weil kleine Abweichungen sofort auffallen.

Schritt 2 ist die Einteilung in Licht- und Schattenbereich.

Im Schattenbereich sind bereits Formschatten und Schlagschatten enthalten.

Ganz plump gesagt:
Das Licht kommt von rechts – also wird die linke Seite des Gesichtes in Schatten getaucht.
In der Realität gibt es hier aber viel feinere Nuancen.

Dieser Schritt dauert deutlich länger und erfordert mehr Anatomie-Kenntnisse als bei Manga.

Prinzipiell ist es aber derselbe Ansatz:
Eine klare Trennung zwischen Licht und Schatten durch eine Licht-Schatten-Kante.

Beachte, wie flach dieser Schritt noch wirkt.
Das liegt daran, dass wir hier fast ausschließlich mit hellen Tonwerten arbeiten.

Schritt 3 – Ausarbeiten & Tiefe erzeugen

Es sieht komplett anders aus –
ist aber grundsätzlich dasselbe wie Schritt 2, nur deutlich ausgearbeiteter.

Hier habe ich sehr helle Stellen und sehr dunkle Stellen eingebaut.
Erst dadurch wird die Zeichnung richtig dreidimensional.

Die Schlagschatten von der Nase und vom Kinn haben eine relativ harte Kante.

Die Formschatten auf der Stirn, auf den Wangen und am Hals haben dagegen eine seeehr weiche Kante.

Genau dieses Zusammenspiel aus harten und weichen Kanten, sowie dem Nutzen der kompletten Tonwertpalette machen den Unterschied.

Es ist entscheidend, damit zu beginnen, alle Motive als vereinfachte, dreidimensionale Grundformen zu begreifen. Je höher der angestrebte Realismusgrad eines Gesichts ist, desto komplexere Konstruktionsprinzipien gilt es zu erlernen und zu verstehen:

Zusammenfassung und Tipps

Richtig toll, wenn du dich schon traust, Schatten zu setzen!

Ich finde, dazu gehört viel Mut.
Besonders am Anfang, wenn man noch nicht so sicher mit Anatomie ist
und sich zusätzlich Sorgen um Hände, Farbe usw. macht.

Natürlich zeichnet man Schatten ein und er ist nicht sofort perfekt.
Doch lasse dich davon nicht demotivieren. So geht es uns allen.

Nichts klappt auf Anhieb. Hab Spaß, probiere aus, ärger dich nicht wenn es nicht klappt,
bleib dran und du wirst deine größte Freude mit dem Zeichnen haben!

Hier also meine wichtigsten Tipps zum Schluss zusammengefasst:

1. Baue etwas Echtes, Dreidimensionales - einen Kopf aus Ton oder Holz
2. Finde die Licht-Schatten-Kante und teile deine Figur in Licht und Schatten ein
3. Nutze in deiner Zeichnung einen starken Tonwertkontrast: super helle und super dunkle Bereiche
4. Setze bewusst verschiedene Schatten-Typen ein: Schlag- und Formschatten
5. Übe öfters mit schwarz-weiß einfache Objekte (Zylinder, Kreis usw.) zu schattieren
6. Deine Augen werden dich täuschen, deshalb frage Fortgeschrittene Künstler:innen um Feedback

Oder mach gerne bei mir im Kurs mit! XD

Schattierung lässt sich leichter in Videos erklären. ^^

Strukturiert statt Tutorial-Chaos – zur Manga-Zeichenschule und Maxim´s Porträt-Akademie

Viel kreative Freude!

Maxim

Du möchtest einen Manga Körper zeichnen, aber die Proportionen wirken immer irgendwie schief? Keine Sorge. In dieser Anleitung lernst du Schritt für Schritt, wie du Anime-Figuren stabil aufbaust – von der ersten Skizze bis zur dynamischen Pose.

Oft werde ich von meinen Zeichenschülern oder Stream-Teilnehmern gefragt:

„Wie zeichne ich Körper?“

Und ich habe darauf keine schnelle Antwort. Ich stocke erstmal und stottere etwas.
Weil mir soviel durch den Kopf geht was ich antworten könnte XD

Körperzeichnen ist eines der komplexesten Themen im Zeichnen. Denn Körper bestehen aus so vielen Bestandteilen! 

Da sind die Muskeln, das Skelett, die Gelenke, die Perspektive, die unterschiedlichen Körpertypen, die Kleidung, Licht, Schatten und vieles mehr.

Und all diese Dinge greifen gleichzeitig ineinander.

In meiner Grafik oben siehst du das Prinzip:

• Gelenke (Die Drehpunkte): Ich zeichne sie in der Konstruktionsphase oft als einfache Kreise. Sie geben vor, in welche Richtung sich ein Körperteil überhaupt biegen kann.
• Muskeln (Die Motoren): Ein Muskel hat eine ganz einfache, aber geniale Funktion: Er verbindet immer zwei Knochen. Wenn ein Muskel sich zusammenzieht, zieht er die Knochen zueinander (Beugung). Wenn er locker lässt oder der Gegenspieler zieht, wird das Gelenk wieder gestreckt.

Warum ist das für dich als Zeichner wichtig?
Wenn du eine Pose zeichnest, frage dich immer: Welcher Muskel arbeitet gerade? Ein arbeitender Muskel ist kürzer und dicker (angespannt), ein gedehnter Muskel ist länger und flacher. Wenn du das beachtest, sehen deine Charaktere nie wieder wie "leblose Puppen" aus, sondern man spürt förmlich die Kraft in der Bewegung.

Dies macht das Zeichnen von dynamischen Körpern in Perspektive kompliziert, aber auch "berechenbar". Wenn wir uns erstmal auf die Bestandteile konzentrieren, können wir uns viel leichter ans Körperzeichnen herantasten und es meistern.

In meiner kompletten Manga-Anleitung findest du den gesamten Lernweg – hier geht es um den Fokus auf die Bestandteile des Körper-Zeichnens.

Los gehts!

Hier sind ein paar Übungszeichnungen von mir, zur Inspriation ;)

Schritt 1: Die Dynamik der Pose

• Steht die Figur richtig?
• Ist die Bewegung logisch?
• Ist Balance da?

Könnte diese Figur so stehen oder sich so bewegen, ohne umzufallen?

Hier geht es nicht um Muskeln oder Details.
Sondern um das Fundament der Pose. Wenn die Grundpose nicht stimmt, bringt das stundenlange Ausschraffieren und die tollen Muskelzeichnungen nichts.

Ich möchte dir Zeit ersparen!

Mein absoluter Tipp:
Nimm dir Zeit bei der Vorzeichnung! Oft wird von der "Line of Action" gesprochen. Einer Linie, die durch den ganzen Körper geht und der Pose Dynamik und Lebendigkeit verleiht. Mach dir erstmal keine Gedanken um Konstruktion, Muskeln und Kleidung. Skizziere die Pose, damit man die Dynamik der Pose und die Proportionen erkennt.

Hier siehst du am Beispiel von Rock Lee aus Naruto, wie wichtig das Fundament ist. Ohne die erste schwungvolle Linie würde die Pose am Ende niemals so kraftvoll wirken.

Wie du dies üben kannst?

Am besten mit schnell gezeichneten Posenübungen! Maximal 1 Minute pro Pose!

(Tipp: Am Ende dieses Beitrages habe ich dir ein Übungsvideo genau zu diesem Thema angefügt!)

Wenn du nur wenige Sekunden hast um einen Körper zu erfassen und zu zeichnen. Dann hast du keine Zeit an Schatten und Anatomie zu denken. Dann bist du gezwungen die reine Pose und deren Dynamik zu sehen.

Übe schnelle Körperzeichnungen. Ob im Internet oder draussen wenn du Menschen skizzierst. Wichtig dabei ist es dir einen Timer zu stellen und sich nicht in den Details verlieren.

Und wenn du ein gutes Gefühl für Posen hast, dann macht es viiiiiel mehr Spaß diese Posen auszuarbeiten. Denn deine Zeichnung steht dann auf einem guten Fundament.

Schritt 2: Die Konstruktion des Körpers (Werkzeug vs. Gefängnis)

Viele Anfänger suchen nach der einen „magischen“ Konstruktionsmethode, an der sie sich festhalten können. Sie lernen immer komplexere Systeme, zeichnen Kreise, Quadrate und Hilfslinien – und am Ende?

Nach einer Stunde harter Arbeit steht dort eine extrem steife Figur, und die Lust am Zeichnen ist verflogen.

Deshalb ist meine Devise: Nutze Konstruktion mit Vorsicht!

• Viel ohne Konstruktion üben: Trainiere dein Auge, Formen frei zu erfassen.
• Es gibt keine „einzig wahre“ Methode: Jeder Charakter braucht einen anderen Ansatz.
• Konstruktion ist ein Werkzeug, kein Ziel: Sie soll dir helfen, Proportionen zu prüfen, aber nicht die Dynamik aus Schritt 1 einsperren.
• Bleib frei: Je lockerer dein Strich bleibt, desto lebendiger wirkt dein Manga-Charakter am Ende.

Wenn ich Schülern Konstruktionen erkläre, passe ich diese immer dem jeweiligen Charakter an.

Für meinen Manga Zeichenkurs für absolute Anfänger nutze ich eine recht schlichte, süße Konstruktion ohne viel Abmessen. Konstruktion muss nicht kompliziert sein: Hier siehst du, wie ich einen Chibi-Koch in 4 einfachen Schritten aufbaue – von der groben Form bis zur fertigen Figur.

Während ich im Beginner-Bereich auf maximale Freiheit setze, ändert sich der Ansatz, wenn wir über meine Manga Zeichenbücher oder die Manga Masterclass sprechen. Hier wird die Konstruktion zu einem präzisen Messwerkzeug.

Warum? Weil für wirklich "coole" und professionelle Charaktere die Proportions-Kontrolle der Schlüssel ist.

Hier siehst du ein Beispiel für ein Anime-Girl mit Blitz-Haaren in einer frontalen Pose. Die Konstruktion wirkt hier deutlich "kühler" und berechnender. Ich achte hier auf:

• Exaktes Abmessen der Augenabstände.
• Die mathematische Platzierung der Ohren im Verhältnis zum Kiefer.
• Die Symmetrie der Haarmasse.

In meinen Büchern gehe ich diesen Weg in bis zu 10 Zwischenschritten, damit du wirklich jede Linie nachvollziehen kannst. Aber nichts schlägt das Lernen per Video, wo ich dir in der Masterclass jeden Strich live erkläre.

Konstruktion trifft Anatomie: Bei diesem Bishonen-Charakter siehst du, wie die komplexeren Muskelgruppen den schlanken, aber kraftvollen Look definieren.

Vielleicht wunderst du dich wie die Konstruktion in dynamischer Perspektive wäre? Ich habe absichtlich erstmal nur stehende Posen gezeigt. Diese sind schon schwer genug zu zeichnen! Bedenke, dass Perspektive "nur" verzerrte Nicht-Perspektive ist. Lerne zuerst ohne Perspektive zu zeichnen, dann wird es viiiiiel einfacher.

Schritt 3: Deep Dive – Gliedmaßen und Torso meistern

Viele scheitern am Körper, weil sie versuchen, alles auf einmal zu verstehen. Der Trick der Profis: Isolation. Wir nehmen uns die komplexen Teile einzeln vor.

Hände und Arme: Die Angst vor den Fingern verlieren

Wenn du es genau nehmen willst, musst du eine Hand in ihre Bestandteile zerlegen: Fingernägel, einzelne Fingerglieder, Handrücken und Handfläche.

Mein Tipp: Übe diese Bestandteile spezifisch und isoliert. Arbeite dich langsam zu komplexeren Formen hoch. Es ist viel weniger beängstigend, erst einmal eine Handfläche zu verstehen, als sofort einen ganzen Arm in Perspektive zu zeichnen.

Wichtig: Zeichne erst einmal flache Ansichten (Front, Seite), bevor du dich an die perspektivische Verkürzung wagst.

Viele Anfänger machen den Fehler, Manga-Hände nur als "Handschuhe" mit Strichen zu sehen. Aber wie du in meiner Illustration oben siehst, ist der Weg zum Profi ein anderer: Analysiere erst die echte Hand.

Auch wenn Manga-Hände am Ende viel sauberer und reduzierter wirken, müssen die Proportionen der Fingerglieder und die Wölbung des Handrückens stimmen.

Meine Top-Tipps aus der Grafik:
Konstruktion: Sieh die Handfläche als einen Block und die Finger als Zylinder.

Fingernägel: Im Manga setzen wir sie oft nur dezent an, aber sie müssen der Wölbung der Fingerkuppe folgen. Zeichne Fingerkuppen nicht zu spitz, eher breiter.

Sehe die einzelnen Finger erstmal als eine Form, die etwa so lang ist wie die Handfläche. Teile diese Form dann in einzelne Finger auf.

Beobachtung: Deine eigene Hand ist dein bestes (und günstigstes) Referenzmodell! Nutze sie, um schwierige Winkel zu verstehen, bevor du sie im Manga-Stil abstrahierst.

Übung macht den Meister: Ein Blick in mein Skizzenbuch

Ich werde oft gefragt: „Maxim, wie schaffst du es, dass Hände bei dir so einfach aussehen?“ Die Antwort siehst du hier auf diesem Foto. Das ist nur eine von unzähligen Doppelseiten in meinen Skizzenbüchern.

Ich habe Hunderte, wenn nicht Tausende Hände gezeichnet. Die meisten Posen, die du hier siehst, sind Studien meiner eigenen Hand.

Warum erzähle ich dir das?

Ich möchte dich motivieren! Ja, Anatomie ist am Anfang harte Arbeit. Aber der Aufwand lohnt sich massiv. Wenn du einmal verstanden hast, wie die Knochen und Muskeln einer realen Hand zusammenspielen, wird das Zeichnen von Manga- und Anime-Händen plötzlich zum Kinderspiel. Du zeichnest dann nicht mehr nur Linien nach, sondern du verstehst, was du tust.

Mein Rat an dich: Nimm dir heute 15 Minuten Zeit, schau dir deine eigene Hand an und fülle nur eine halbe Seite. Morgen die nächste. So wirst auch du zum Meister!

Nun zum ganzen Arm von der Seite: Der anatomische Aufbau bleibt gleich, doch die Wirkung ändert sich: Links siehst du das Muskel-Schema, gefolgt von der Umsetzung bei einem grazilen Frauenarm, mittlerer Definition und extremer Muskulatur. Achte darauf, wie Bizeps, Trizeps und der Deltamuskel die Silhouette verändern. Oft sieht man im Manga nur eine einzige Linie für den Bizeps, aber wenn du weißt, wo der Muskel ansetzt (siehe Schema im Bild), wird diese eine Linie viel glaubwürdiger sitzen.

Es gäbe noch soviel was ich erklären und zeigen könnte zum Thema Hände und Arme zeichnen. Doch das würde den Rahmen des Blog-Eintrages sprengen. 

Füße und Beine: Standfestigkeit erzeugen

Ähnlich wie bei den Händen gilt auch hier: Der Fuß ist ein mechanisches Wunderwerk. Achte besonders auf den Knöchel und die Ferse, um deiner Figur einen stabilen Stand zu geben. Beine sind nicht einfach gerade Röhren – sie haben Rhythmus und Kurven, die durch die Muskulatur entstehen.

Füße aus schwierigen Winkeln: Nutze Referenzen!

Füße gehören neben Händen zu den schwierigsten Körperteilen – besonders in der perspektivischen Ansicht von hinten oben. Wie du in meinem Beispiel oben siehst, starte ich oft mit einem realen Referenzfoto.

Mein Workflow für stabile Füße:

• Die Analyse: Ich schaue mir genau an, wie die Achillessehne verläuft und wo die Knöchel sitzen.
• Die Konstruktion: Ich übersetze die komplexe Form in einfache geometrische Körper (wie Keile und Zylinder).
• Das Lineart: Hier glätte ich die Formen für den typischen Manga-Look.

Wichtig: Achte darauf, dass die Füße das Gewicht der Figur tragen. Ohne ein Verständnis für die Ferse und das Fußgewölbe wirken deine Charaktere schnell so, als würden sie schweben.

Nutze die Gelegenheit und versuche diese Füße ebenfalls zu zeichnen:

Die Frontalansicht: Beine und Knie stabil konstruieren

Die Beine von vorne zu zeichnen, stellt viele vor eine Herausforderung: Wo sitzt die Kniescheibe? Wie verlaufen die Schienbeine? Wie du in meiner Grafik unten siehst, hilft es massiv, die Muskelgruppen zumindest grob zu kennen, bevor man sie für ein Anime-Girl vereinfacht.

Worauf du achten solltest:

• Das Knie: Die Kniescheibe ist kein starrer Kreis. Sie ist eingebettet in Sehnen und verändert ihre Position leicht, je nachdem, wie das Bein gedreht ist.
• Die Dynamik: Beine sind nie komplett gerade "Säulen". Sie haben eine natürliche Kurve, die von der Hüfte bis zu den Knöcheln verläuft.
• Vorderfuß-Konstruktion: Wenn Füße direkt auf den Betrachter zeigen, arbeiten wir stark mit perspektivischer Verkürzung. Nutze hier einfache Keil-Formen, um die Basis zu legen.

Profi-Tipp: Zeichne die Beine immer "durch". Auch wenn später ein Rock oder eine Hose darüber liegt, muss das Skelett darunter stabil stehen, damit die Pose am Ende glaubwürdig wirkt.

Torso Anatomie: Weiblich vs. Männlich

Der größte Unterschied liegt im Schwerpunkt und den knöchernen Strukturen:

• Männlich: Fokus auf den breiten Schultergürtel und den Brustkorb (V-Form).
• Weiblich: Fokus auf das Becken und die Taille (Sanduhr-Form).

Anatomie des männlichen Torsos: Erst verstehen, dann vereinfacht zeichnen

Ein muskulöser Oberkörper im Manga wirkt oft sehr einfach – doch diese Einfachheit ist das Ergebnis von tiefem Wissen. In der 4-Schritte-Anleitung weiter unten zeige ich dir meinen Prozess:

1. Grobe Massen: Wir starten mit den notwendigsten Formen. Jede Form wird erstmal unnatürlich betont. Hier geht es nicht um eine schöne Zeichnung sondern um das Erlangen von Wissen! Hals, Trapezmuskel, Schlüsselbeine, Brustmuskulatur, Sägemuskel, Gerader Bauchmuskel, schräge Bauchmuskulatur: sind die groben Bestandteile, die wir in den nächsten Schritten weiter aufteilen.
2. Gerade Bauchmskulatur: Als nächstes zeichne die Unterteilung der vorderen Bauchmuskulatur in 8 Teile ein. Beachte, dass ich hier bereits eine etwas dünnere Linie nutze. Äussere Form hat eine dickere Linie und die inneren Formen haben dünnere. So sieht die Zeichnung gleich sehr viel natürlicher aus. Diese Technik wenden wir auch später bei ausgearbeiteten Anime und Manga-Zeichnungen ein. 
3. Detail-Struktur: Hier gehen wir ins Detail und schauen uns an, wo genau Sehnen und Muskelfasern ansetzen. Das ist die Phase, in der wir das „Warum“ verstehen. Ausserdem füge ich mit Grau Schattenbereiche ein, um der Muskulatur mehr Tiefe und Dreidimensionalität zu geben. Alleine für diese Vorderansicht brauchst du viele Informationen, geschweige denn für die Schattierung. Das kann ich im Blogeintrag nicht komplett erklären. Versuche trotzdem als Übung diese Detail-Struktur abzuzeichnen. Das hilft schon immens. Nach und nach wirst du Muskeln immer mehr verstehen und genauer zeichnen können. Hauptsache du zeichnest so oft wie möglich!
4. Die Manga-Reduktion: Das besonders spannende und das was die meisten beim Manga-Zeichnen missverstehen. Viele Denken, dass Manga Körper zeichnen einfach ist, weil man so viel weglässt. Doch sie wissen nicht, dass japanische Mangaka zuerst die reale Muskulatur intensiv studiert haben und dann erst die Zeichnungen reduziert haben. Nur so kann ein Torso richtig gut aussehen. Es steckt soviel verstecktes Können und Wissen dahinter. Lass dich davon nicht demotivieren, sondern gehe Schritt für Schritt vor und feiere jeden kleinen Lernerfolg. Und wenn du nicht mehr weiter weißt, komm einfach in unser Dojo. ^^

Der weibliche Torso: Eleganz durch Anatomie

Ein häufiges Missverständnis ist, dass Frauenkörper „weniger“ Anatomie haben. Das Gegenteil ist der Fall: Die Muskeln sind exakt dieselben wie beim Mann, sie sind lediglich anders ausgeprägt und oft von einer gleichmäßigeren Fettschicht überlagert. 

Der Schlüssel zur dezenten Zeichnung:

• Grafische Basis: Im ersten Schritt meiner Grafik siehst du die Formen des Torso grafisch betont. Sieht unnatürlich aus. Aber das ist auch nur dafür da zu lernen. Das ist das Konstrukt, das ein Künstler sieht während er zeichnet. 
• Organische Vereinfachung: Im zweiten Schritt lasse ich fast alle diese harten Formen weg und deute nur ihre Ansätze an. Die Aussenkante des Torso ist in diesem Fall enorm wichtig. Vielleicht fragst du dich: Wozu diesen Aufwand betreiben alle Muskulatur zu lernen, wenn man eh nur einen Bruchteil einzeichnet? Weil das der Weg ist richtig zu vereinfachen! Lieber zu viel Wissen als zu wenig. Man wird es deutlich in deinen Zeichnungen sehen!

Mein Tipp: Übertreibe anfangs mit der Muskulatur, um Muskeln erstmal zu lernen. Reduziere dann immer mehr und zeichne schlanke Charaktere, die kaum sichtbare Muskeln haben. Bedenke immer, damit sich jemand bewegen kann, braucht er/sie Muskeln. D.h. egal wie dünn jemand ist - er/sie hat Muskeln! Diese sind bloß sehr dezent. 

Dynamik durch Verdrehung: So erweckst du deine Charaktere zum Leben

Wenn deine Zeichnungen oft steif wirken, liegt das meist daran, dass Torso und Becken starr in die gleiche Richtung zeigen. Schau dir die Darstellung unten an: Eine natürliche Pose ist fast immer verdreht. >

Um solche Verdrehungen sicher zu zeichnen, musst du drei Dinge kombinieren:

• Gelenk-Wissen: Du musst wissen, wie weit sich eine Wirbelsäule oder ein Hals drehen lässt, ohne dass es unnatürlich wirkt.
• 3D-Verständnis: Hier schließt sich der Kreis zu den Minecraft-Blöcken. Wenn du den Oberkörper als Box begreifst, kannst du ihn im Raum drehen, verkürzen und neigen.
• Anatomie-Sicherheit: Nur wenn du weißt, wie sich die Muskeln bei einer Drehung dehnen oder stauchen, bleibt die Figur glaubwürdig.

Mein Rat: Übe so viele Posen wie möglich! Skizziere zunächst einfache Gliederpuppen, bevor du die Details ausarbeitest. Je sicherer du darin wirst, desto lebendiger werden deine Manga-Geschichten.

Schritt 4: Schattierung: Dein Werkzeug für echte Tiefe

Viele Anfänger denken bei Schattierung an komplexe Verläufe und weiche Übergänge. Aber das fundamentale Prinzip ist viel einfacher und mächtiger: Es geht um die Trennung von Licht- und Schattenflächen.

Schau dir meinen „Robo-Block“ an:

• Die flache Ansicht: In der 3/4-Perspektive ohne Schatten sieht der Roboter leer aus. Man erkennt zwar die Form, aber sie hat kein „Gewicht“.
• Der 3D-Durchbruch: Sobald ich eine klare Kante einzeichne und eine Seite konsequent dunkler gestalte, versteht das menschliche Auge sofort: Das ist ein dreidimensionales Objekt!

Mein Tipp: Bevor du versuchst, einen kompletten Manga-Charakter realistisch zu schattieren, übe an solchen einfachen Block-Formen. Wenn du verstehst, wie das Licht auf einen Würfel fällt, kannst du dieses Wissen auf den Brustkorb, die Nase oder die Beine übertragen. Denn am Ende besteht alles aus einfachen geometrischen Körpern.

In 4 Schritten zum epischen Manga-Charakter

Theorie ist wichtig, aber wie fügt sich alles zusammen? Schauen wir uns den Workflow an diesem muskulösen Kämpfer an:

1. Die dynamische Konstruktion: Starte niemals steif! Achte auf die Line of Action. Selbst wenn der Charakter nur steht, sollten die Linien eine gewisse Spannung und Dynamik haben – zeichne nicht einfach alles senkrecht nach unten.
2. Den Arm ergänzen: Anfangs habe ich den Arm weggelassen, um erstmal die Dynamik der Pose zu zeichnen. Danach ist es viel leichter den Arm zu ergänzen, ohne dass der Charakter kippt.
3. Vereinfachte Muskulatur einzeichnen: Dieser Schritt ist für dich zur Orientierung, damit der Sprung von den Outlines nicht zu groß ist zum nächsten Schritt. 
4. Anatomie & Basisform: Basierend auf der Konstruktion arbeitest du die Muskelgruppen aus. Hier zahlst sich dein Wissen über Torso, Arme und Beine aus. Die Lines sollten am Ende sauber und definiert sein. In der digitalen Zeichnung fülle ich die gesamte Figur zuerst mit einem mittleren Grauton. Das hilft uns, die Silhouette zu prüfen und bereitet die Schattierung vor.
5. Licht & Schatten (Der 3D-Kick): Jetzt setzen wir das Gelernte um! Wir definieren eine Lichtquelle - Licht von rechts. Eine dunklere Schattenseite links und gezielte Lichtpunkte (Highlights) rechts lassen die Muskeln förmlich aus dem Papier hervortreten. 

Das Ergebnis: Eine Figur, die nicht nur flach auf dem Papier liegt, sondern Raum einnimmt und "Gewicht" hat. Dafür haben wir nur drei unterschiedliche Tonwerte gebraucht: Helles Grau, dunkles Grau und Weiß.

Das Treppen-Prinzip: Licht und Schatten von oben

Besonders bei Kawaii-Charakteren mit viel Kleidung (Shorts, Hemd, lange Strümpfe) hilft ein einfacher Trick, um Tiefe zu erzeugen: Stell dir das Licht wie eine Treppe vor, die von oben nach unten fällt.

• Schritt 1–3: Wir starten mit der Konstruktion der Rückansicht. Wichtig sind hier die Proportionen, damit der Charakter wirklich so aussieht wie er soll. Wenn du zeichnest mach stets Prüfmessungen. Das muss nicht mit dem Lineal sein. Mit Fingern reicht es oder per Augenmaß.
• Schritt 4: Die Basis-Tonwerte helfen uns, die Materialien (Haut, unterschiedlicher Stoff, Haare) voneinander zu trennen.
• Schritt 5 (Der Pro-Trick): Bei Licht von oben werfen abstehende Teile Schatten auf die darunterliegenden Flächen. Und ganz cool: Gib dem Schatten einen leichten Verlauf! Dann siehts noch dreidimensionaler aus!
• Der Hinterkopf wirft Schatten auf den Nacken.
• Das Hemd wirft Schatten auf den unteren Rücken.
• Der Po wirft Schatten auf die Oberschenkel.
• Die Waden werden durch die Kniekehlen schattiert.

Durch dieses Wechselspiel von hell und dunkel weiß der Betrachter sofort, was vorne und was hinten liegt. Diese "Schattenkanten" sind das Geheimnis für einen plastischen Look, der trotzdem "kawaii" und sauber bleibt.

Wenn du noch tiefer in das Thema "Schattierung" einsteigen möchtest, so habe ich hier einen weiterführenden Blog-Eintrag: Schatten zeichnen.

Schritt 5: Kleidung als Erweiterung des Körpers

Ein Punkt, den viele missverstehen, die denken, wenn sie Kleidung zeichnen, dann müssen sie sich nicht mehr um den Körper Gedanken machen.

Die Kleidung ist die Erweiterung des Körpers!

• Sie folgt der Perspektive
• Sie folgt der Körperform
• Sie folgt der Bewegung

Falten entstehen nicht zufällig. Sie entstehen durch Spannung, Schwerkraft und Bewegung.

Doch mehr dazu mache ich in einem gesonderten Blog-Eintrag, sonst wird es einfach zu viel hier XD

Schritt 6: Körper in Perspektive zeichnen (3D-Denken)

Viele Anfänger machen den Fehler, sofort mit Fluchtpunkten und Linealen zu hantieren. Aber ich sage dir: Ein Lineal zum Abmessen ist hier oft schon zu viel des Guten. Es killt den Schwung deiner Zeichnung.

Das Fundament: Mehr Wissen statt Ausmessen

Du musst den Horizont nicht immer einzeichnen, aber du musst die Logik der Perspektive im Kopf haben. Ohne ein Grundverständnis für die Ein-Punkt-, Zwei-Punkt- oder Drei-Punkt-Perspektive ist es praktisch unmöglich, einen so komplexen organischen Körper räumlich korrekt darzustellen.

Meine 2 Profi-Tipps, um Perspektive zu meistern:

• Vom Einfachen zum Komplexen:
  Bevor du dich an Muskeln in Perspektive wagst, übe mit Boxen. Ein genialer Trick ist es, Minecraft-Charaktere zu zeichnen. Warum? Weil sie aus einfachen Quadern bestehen. Wenn du eine Box im Raum drehen kannst, kannst du auch einen Brustkorb drehen.
• Die Standard-Ansichten zuerst:
  Zeichne Körper zunächst ohne jede perspektivische Verkürzung in den drei Klassikern: Frontal, Seite und Rückansicht. Das ist das Fundament. Erst wenn du weißt, wie lang ein Bein "in echt" ist, kannst du glaubhaft zeichnen, wie es verkürzt auf den Betrachter zukommt. Und nebenbei was ganz cool ist, Concept Artists, die für Games Charaktere entwerfen, zeichnen ständig Charakter-Sheets für die 3D-Leute. Und in einem Charakter-Sheet wird ein Charakter in den drei Standard-Ansichten gezeichnet.

„Du willst das mit den Boxen üben? Schau dir hier meine [Anleitung: Minecraft zeichnen lernen] an – der perfekte Einstieg in das räumliche Denken!“

Die Macht der Perspektive: Oben vs. Unten

Perspektive ist mehr als nur Mathematik – sie ist ein Storytelling-Tool. Wie du an meinen Beispielen oben siehst, verändert der Kamerawinkel sofort, wie wir einen Charakter wahrnehmen:

• Vogelperspektive (Manga Girl): Wir schauen von oben herab. Der Kopf wirkt im Vergleich zum Körper groß, die Füße klein. Das erzeugt oft einen niedlichen oder verletzlichen Look. In der Konstruktion ist es wichtig, die Schultern über den Füßen zu stapeln.
• Froschperspektive (Manga Guy): Wir schauen von unten herauf. Die Beine und Hände im Vordergrund wirken riesig, der Kopf wird klein. Das lässt den Charakter mächtig, heroisch oder bedrohlich wirken.

Das ultimative Training: Gesture Drawing & Posen-Studien

Theorie ist gut, aber wie trainiert man "Posen-Sicherheit" wirklich? In diesem Video nehme ich dich mit in eine meiner Training-Sessions. Das Video zeigt kein typisches Manga-Tutorial, sondern das, was Profis weltweit machen: Speed-Sketching nach realen Vorlagen.

Ich zeichne hier nach Video-Vorlagen, die erst sehr schnelle und dann immer langsamere Posen zeigen. Warum das die beste Übung ist?

• Schnelle Posen: Zwingen dich, die Dynamik und die Line of Action zu erfassen, ohne dich in Details zu verlieren.
• Langsame Posen: Geben dir Zeit, die Anatomie und das Volumen korrekt auszuarbeiten.

Egal ob du später Manga, Comics oder Concept Art zeichnest – dieses Training ist das Fitnessstudio für deine Hand-Augen-Koordination.

🎬 Case Study: Uraraka (My Hero Academia) in Action

Theorie ist die Basis, aber wie sieht das Ganze in einem echten Charakter-Design aus? In diesem Live-Stream-Mitschnitt zeige ich dir den gesamten Prozess am Beispiel von Uraraka.

Darauf solltest du im Video achten:

• Die Action-Pose (ab Min. 26:37): Hier siehst du, wie ich die perspektivische Verkürzung und die Dynamik anwende, die wir oben besprochen haben.
• Das Portrait in Farbe (ab 01:12:21): Hier zeige ich dir, wie Farbe und Schattierung dem Gesicht Tiefe verleihen.
• Feedback-Runde (ab 01:45:06): Ich analysiere Zeichnungen von Teilnehmern – oft sind das genau die Fehler, die wir alle am Anfang machen. Lerne aus ihrem Feedback!

Zusammenfassung: Dein Weg zur Meisterschaft

Mein abschließender Tipp für dich: Zeichne die Menschen um dich herum. Skizziere viel!

Ich habe immer ein kleines Büchlein dabei:

Klar, am Anfang ist es absolut nötig sich an Vereinfachten Manga-Zeichnungen zu orientieren – man muss einfach anfangen und will erst einmal die Lieblingscharaktere aufs Papier bringen. Aber sobald du merkst, dass du feststeckst oder nicht mehr vorankommst, ist es Zeit für den nächsten Schritt: Sieh das Reale bewusster. Zeichne deine Mitmenschen, skizziere Passanten im Café oder im Park. Diese Beobachtungsgabe wird deine Manga-Zeichnungen ungemein verbessern und ihnen eine Tiefe verleihen, die man nicht auswendig lernen kann.

Meine Geschichte: In meiner Stadt gab es damals keine Modell-Zeichenkurse. Also habe ich kurzerhand selbst welche organisiert und war der Kursleiter. Es war eine unglaublich spaßige und lehrreiche Zeit, die mir gezeigt hat, wie viel schneller man gemeinsam lernt.

Genau diese Energie und Gemeinschaft möchte ich auch in meiner Online-Community schaffen. Wenn du Lust hast, dich mit Gleichgesinnten auszutauschen und professionelles Feedback zu erhalten, dann komm gerne dazu!

Hab vor allem Spaß und Freude beim Zeichnen – das ist der wichtigste Motor für deinen Fortschritt.

Wenn du merkst, dass du mehr willst als einzelne Tutorials – die Manga-Zeichenschule gibt dir den roten Faden.

Dein Maxim

Im gemeinsamen Zeichenkurs in Rostock in den Sommerferien 2025 haben wir viele Charaktere aus Minecraft gezeichnet.

In diesem Blogbeitrag zeige ich dir, wie du Minecraft zeichnen kannst – Schritt für Schritt. Für Anfänger und Fortgeschrittene. Wir nehmen uns speziell die Biene und den Fuchs vor und verwandeln die blockigen Spielfiguren in coole Zeichnungen. Egal, ob du Anfänger bist, gemeinsam mit Kindern zeichnest oder einfach Fan des Minecraft-Stils bist: Mit dieser Anleitung gelingen dir eigene Minecraft-Kunstwerke im Handumdrehen.

Wenn dich Manga zeichnen lernen interessiert, findest du in der Manga-Anleitung eine übersichtliche Schritt-für-Schritt-Einführung.

An dieser Stelle möchte ich den beiden Künstlerinnen Lisa und Antonia für ihre inspirierenden Zeichenvorlagen danken. Gemeinsam haben wir den Ferienzeichenkurs geleitet und sie haben wunderbare Minecraft-Zeichnungen kreiert. Meine Schritt-für-Schritt-Anleitungen in diesem Beitrag basieren auf ihren Arbeiten.

Unten im Foto siehst du links Lisa, die die meisten Minecraft-Tiere gezeichnet hat. Rechts daneben bin ich, und im unteren Foto ist Antonia, wie sie gerade die Minecraft-Biene zeichnet. 🐝🦊

Mehr über Lisa findest du hier: lisakersting.com

Antonias Seite findest du hier: artonia-hoefs.com

1. Grundlegende Kenntnisse und Tipps zum Zeichnen von Minecraft oder auch Roblox

Zunächst möchte ich auf das grundsätzliche Verständnis hinter dem blockigen Zeichnen dieser beliebten Pixel-Welten eingehen. Wenn du einfache Blöcke in Perspektive zeichnen kannst, fällt es dir viel leichter, deine Lieblingscharaktere nachzuzeichnen oder sogar neue Figuren zu kreieren.

Um dich an das 3D-Zeichnen zu gewöhnen, fange am besten mit einer Einpunktperspektive an. Zeichne dafür zunächst ein Rechteck mit horizontalen und senkrechten Linien. Ziehe dann die Linien nach hinten in die Perspektive. Je nachdem, ob du auf den Block von oben oder von unten schaust, verändert sich der Winkel dieser Perspektivlinien. Die hinteren, abschließenden Linien sind wieder parallel zum vorderen Rechteck, also senkrecht und horizontal.

Eine suuuper Übung ist es, den Horizont einzuzeichnen, einen Fluchtpunkt zu setzen und von dort viele Blöcke in die Tiefe zu ziehen. So bekommst du schnell ein Gefühl für Perspektive und Verzerrung. Damit bist du perfekt vorbereitet für das Zeichnen im Minecraft- und Roblox-Stil. 🎮🖌

Eine Biene im Block-Stil zeichnen

Teil 1: Den Körper der Biene als Block vorbereiten

Wichtiger Hinweis: Für die Vorzeichnung empfehle ich dir, mit einem Bleistift zu arbeiten, den du leicht wegradieren kannst. So kannst du später Details korrigieren, ohne dass es Spuren gibt.

Schritt 1

Zeichne zuerst ein Rechteck für die Vorderseite. Danach setzt du die Linien in Perspektive nach hinten und verbindest sie zu einem Block. Da wir die Biene von unten betrachten, ist auch die Unterseite sichtbar – das kleine „Bäuchlein“.

👉 Tipp: Zeichne den Block freihändig. Unperfekte Linien lassen deine Minecraft-Biene lebendiger wirken als ein zu steriles Lineal-Zeichnen.

Schritt 2

Zeichne die Augen auf die Vorderseite des Blocks. Achte darauf, dass sie der Perspektive folgen. Anschließend kommen die Fühler dazu. Versuche, sie parallel zueinander zu halten – aber keine Sorge: Wenn sie etwas unterschiedlich ausfallen, ist das sogar gut. Absolute Symmetrie wirkt oft unnatürlich.

Teil 4: Texturen und Lichteffekte für die Minecraft-Biene hinzufügen

Wichtiger Hinweis: Farbe, Dreidimensionalität und Perspektive sind drei der schwierigsten Themen beim Zeichnen. In einem Blogeintrag kann man nicht auf alles im Detail eingehen. Wenn du mehr dazu lernen möchtest, Live-Streams, Feedbacks und Zeichnungen von anderen sehen willst, komm gerne in meinen Manga Dojo Training – eine echte Wohlfühl-Gruppe zum gemeinsamen Zeichnen und Austauschen.

Schritt 7

Die Biene wirkt noch etwas comichaft und unnatürlich – sie braucht mehr Details. Minecraft zeichnen muss sich nicht akribisch an das Original aus dem Spiel halten, lass ruhig deiner Kreativität freien Lauf.

• Male zuerst die dunklen Bienenstreifen aus.
• Zeichne anschließend leichte Kachelmuster ins Gesicht und auf die Seitenflächen. Sie erinnern an kleine Pixel und geben der Biene mehr Persönlichkeit.
• Den Flügeln kannst du mit hellen Streifen zusätzlichen Detailreichtum geben.

Schritt 8

Jetzt kommen die Lichteffekte ins Spiel:

• Auf der Vorderseite nutze ich einen Airbrush-Pinsel mit sehr hellem Gelb und stelle die Ebenen-Einstellung auf „Ineinanderkopieren“.
• Im Schattenbereich hinten an der Biene setze ich etwas Blauviolett ein, mit der Ebenen-Einstellung „Weiches Licht“.
• Über die Flügel male ich ebenfalls mit sehr hellem Gelb, damit sie noch leichter und transparenter wirken.
• Den Augen gebe ich zusätzliche Glanzpunkte – dadurch sehen sie lebendig und strahlend aus.

🎉 Fertig ist deine Minecraft-Biene – detailreich, dreidimensional und mit schönen Farbeffekten!

Und hier ist die originale Inspiration, gezeichnet von Antonia Höfs. 🐝✨

Sie hat die Biene mit Buntstiften koloriert – eine aufwändige Technik, die viele Stunden in Anspruch genommen hat. Das Ergebnis lohnt sich aber: Die Zeichnung sieht einfach mega gut aus!

2. Einen Minecraft Fuchs im Block-Stil zeichnen

Teil 1: Den Kopf Schritt für Schritt vorzeichnen

Wichtiger Hinweis: Bedenke, dass dies die Vorzeichnung ist! Benutze deshalb einen Bleistift, den du gut wegradieren kannst. Später kommen ja noch Details dazu, und manche Bereiche werden wegradiert.

Schritt 1:
Zeichne ein Rechteck in Perspektive. Achte darauf, dass die gegenüberliegenden Seiten parallel zueinander sind. Die Seiten links und rechts sind senkrecht. Die Linien oben und unten haben eine Steigung und weichen von der Horizontalen ab. So legst du die Grundform für den Minecraft-Fuchs-Kopf im Blockstil an.

Schritt 2:
Skizziere die Seite des Quaders ein. Auch diese ist in Perspektive. Achte auf einen ausreichenden Winkel, damit die Blockform später wie ein echter Minecraft-Kopf wirkt.

Schritt 3:
Schließe den Quader-Kopf ab, indem du parallele Linien ziehst. Der Deckel ist nach hinten hin verkürzt und nicht so lang – so entsteht die typische Würfelform, wie man sie vom Minecraft-Zeichnen kennt.

Schritt 4:
Nun kommt die Vorderseite der Schnauze vom Fuchs. Es ist ein kleines Rechteck, das parallel zum großen Rechteck des Kopfes in der unteren rechten Ecke gezeichnet wird.

Schritt 5:
Ergänze die Seite und den Deckel der Schnauze. Die Schnauze überdeckt einige Linien des Kopfes; diese habe ich gestrichelt gezeichnet. Im nächsten Schritt können die verdeckten Linien wegradiert werden. Achte darauf, dass der Quader des Kopfes und der Quader der Schnauze dieselbe Perspektive teilen und deshalb viele Linien parallel zueinander verlaufen.

Minecraft zeichnen ist gleich Blöcke in Perspektive zeichnen!

Teil 2: Den Körper des Fuchses in Block-Form skizzieren

Wichtiger Hinweis: Du kannst ruhig ein Lineal verwenden, doch ich empfehle dir, es freihändig zu versuchen. Die Linien wirken lebendiger, wenn sie nicht perfekt gerade sind, und du trainierst gleichzeitig das freie Skizzieren – super praktisch, schließlich hat man nicht immer ein Lineal dabei.

Schritt 6:
Zeichne den Block für den Schwanz ein. Achte hier besonders auf die Perspektive: Der Block wird nach hinten hin etwas kleiner. Dadurch entsteht eine coole Dynamik. Auch bei diesem Block habe ich zuerst das vordere Rechteck gezeichnet und dann die Seite und den Deckel ergänzt.

Schritt 7:
Zeichne nun den hinteren Block für den Körper ein. Dieser ist größtenteils vom Schwanz-Block verdeckt. Ich empfehle dir trotzdem, den Block – zumindest die vordere Seite – komplett zu zeichnen. So übst du besser, und deine Linien werden richtiger.

Schritt 8:
Der Block des Schwanzes geht in den Block des Körpers hinein. Zeichne deshalb die Linien der Überschneidung (wie ich sie mit einer grünen Linie angedeutet habe) ein. Die eine Ecke des Schwanzes kannst du anschließend wegradieren.

Schritt 9:
Fertig sind die Grundblöcke für den gesamten Körper! 🎉 Das war auch schon die Hauptarbeit der Zeichnung. Die Perspektiven sind nicht einfach, doch die Ein-Punkt-Perspektive-Übung, die ich am Anfang dieses Blogeintrages erwähnt habe, hilft dir, den Überblick zu behalten.

Als Nächstes fügen wir immer mehr Details hinzu und bringen Farbe ins Spiel, damit dein Minecraft-Fuchs lebendig wirkt.

Teil 3: Details des Fuchses einzeichnen

Wichtiger Hinweis: Winkel und Perspektive sind soooo schwer einzuschätzen. Deshalb frag ruhig Freunde oder Familie – oder komm in meinen Art Club. Dort kannst du Feedback erhalten und dich mit Gleichgesinnten austauschen.

Schritt 10:
Zeichne die Augen, die Nase und das weiße Fell am Schwanz ein. Folge dabei der Perspektive der Grundblöcke, die du zuvor gezeichnet hast. Mach dir Hilfslinien und vergleiche, ob die Linien parallel verlaufen. Das von uns aus gesehen linke Auge geht über die Blockkante hinweg – eine ganz wichtige Perspektive! Achte darauf, wie stark sich der Winkel der Linien verändert.

Schritt 11:
Füge nun die Vorderseiten der Ohr-Blöcke hinzu. Auch diese verlaufen parallel zum Kopf-Block.

Schritt 12:
Gib den Ohren eine leichte Dicke und radiere die Linien des Kopfes und des Rückens weg, die von den Ohren überlagert werden und später nicht mehr sichtbar sind. Damit ist die Schwarz-Weiß-Zeichnung des Fuchses fertig! 🎉

Du kannst nun die Umrisslinien entweder mit einem schwarzen Fineliner nachziehen oder mit einem weichen Bleistift verstärken. Da wir jetzt nicht mehr radieren, können die Outlines final gemacht werden.

Teil 4: Den Minecraft-Fuchs kolorieren

Hinweis: Ich habe diesen Fuchs digital am iPad in Procreate gezeichnet und koloriert – einfach, weil ich so die einzelnen Schritte leichter speichern kann. Aber du kannst natürlich mit allen deinen Lieblingsmaterialien malen: Buntstifte, Marker, Wasserfarben oder digital. Das Prinzip, wie du den Fuchs ausmalst, bleibt gleich. Lies dir meine Tipps durch und male mit dem, was dir am meisten Spaß macht.

Schritt 13:

Damit wir uns nicht verheddern und die Dreidimensionalität des Fuchses nicht verlieren, sondern durch das Ausmalen sogar verstärken, beginnen wir mit den linken Seiten aller Blockformen. Diese malst du in einem etwas dunkleren, rötlichen Ton. Das wird unsere Schattenseite. Der Schwanz ist zwar weiß, ich habe ihm trotzdem im Schatten einen leicht gelblichen Ton gegeben, damit der Block mehr Form gewinnt.

Schritt 14:

Nun male die oberen Seiten aller Blöcke aus – mit einem hellen Gelb. Der Fuchs wird von oben beleuchtet, deshalb ist die Oberseite die hellste Fläche. Du kannst auch einen etwas orangeren Ton nehmen, Hauptsache heller als die Seitenfläche.

Schritt 15:

Koloriere nun die Vorderseiten aller Blöcke. Dafür eignet sich ein mittlerer Orangeton: dunkler als die Oberseite, heller als die Seitenfläche. Bei der Schnauze lässt du einen weißen Streifen frei. Außerdem ist die Vorderseite der Schnauze sehr hell.

Schritt 16:

Jetzt kommen die abschließenden Details: Male die Augen mit einem dunklen Braunton aus. Füge zusätzlich ein wenig Block-Textur hinzu – ähnlich wie kleine Ziegelsteine. Das passt perfekt zum Minecraft-Blockstil und lässt den Fuchs detaillierter und lebendiger wirken.

Schritt 17:

Im letzten Schritt gestaltest du den Hintergrund. Ein paar sanfte Farbtöne wie Blau, Türkis oder Gelb bringen die warmen Farben des Fuchses zum Leuchten. So wirkt dein Bild harmonisch und der Fuchs schwebt nicht mehr im Nichts. Fertig! Minecraft zeichnen auf hohem Niveau!

Und so sah die originale Inspiration von Lisa aus, an der ich mich orientiert habe. Sie hat Filzstifte benutzt. ✏️🎨

Und wie sieht deine Zeichnung aus? Teile dein Ergebnis gerne in meinem Art Club 🦊✨

3. Weitere Pixel-Zeichnungen & Live-Streams

Wir freuen uns auf gemeinsames Zeichnen! 🙂

Und ich hoffe das Tutorial hat dir gut gefallen und du konntest etwas lernen.

Über 1.000 Kursteilnehmer haben mit Maxims strukturiertem System angefangen – starte auch du in der Manga-Zeichenschule.

Ich wünsche dir weiterhin viel kreative Freude! 🙂

Maxim

Labubu ist mehr als nur ein Plüschtier – er ist ein weltweiter Hype, ein Kult-Charakter, der Herzen im Sturm erobert. Mit seinen großen Augen, dem verschmitzten Lächeln und seinem wilden Charme ist er gleichzeitig niedlich und frech – genau das macht ihn so faszinierend. ✨

In dieser einfachen Anleitung zeige ich dir, wie du in 10 Schritten ein Labubu zeichnen kannst. Egal ob du Fan der Plüschfiguren bist oder einfach Lust hast, einen ganz besonderen Charakter aufs Papier zu bringen: Hier lernst du, wie du den Zauber von Labubu in deiner eigenen Zeichnung festhältst. 🎨💖

Ein Schritt für Schritt Tutorial damit deine Zeichnung eines Labubu nicht so aussieht XD : 

Inspiriert ist dieses Tutorial weil eine Zeichenschülerin in einem meiner Ferienzeichenkurse einen Labubu gezeichnet hatte. Dieses Tutorial ist mit ihrer Hilfe entstanden. Vielen Dank an Kattu!

Legen wir los!

Schritt 1 & 2: Labubu Grundformen skizzieren

Zeichne im ersten Schritt zwei Kreise, wie einen Schneemann. Wobei der obere Kreis größer sein kann als der untere. Mit einem größeren Kopf sieht das Labubu einfach viel süßer aus.

Im Schritt 2 füge ein Inneres Oval für das Gesicht und zeichne rundliche Beine und Arme ein, die später flauschig gemacht werden.

Schritt 3 & 4: Labubu´s Ohren und Fell zeichnen

Zeichne im dritten Schritt die Ohren ein sowie Hände und Füße. Die Ohren erinnern an die Ohren eines Hasen. Die Hände und die Füße haben genau 3 Zehen bei den originalen Labubu. Ich habe den Händen 4 Finger gegeben, weil es eine Zeichnung ist und es für mich zur künstlerischen Freiheit dazu gehört. Die Hände und Füße zeigen auch in etwas unterschiedliche Richtungen, was ich viel dynamischer Finde, als diese alle gerade zu zeichnen. Das ist aber rein subjektiv und du kannst natürlich so zeichnen wie es dir besser gefällt.

Im 4. Schritt löse ich die starren Linien der Vorskizze auf und deute das Fell an. Die Aussenlinie wir deutlich flauschiger und die Labubu Figur gewinnt an Volumen.

Zwischenschritt: Labubu Augen zeichnen Schritt für Schritt

Die Augenbrauen und die Augenform sind sehr markant bei Labubu. Die Iris und die Pupille kann man je nach Geschmack mit Leben füllen. Wir haben uns in diesem Fall für folgenden Stil entschieden:

1. Zeichne die Basic-Form der Augenbraue und der Augen. 
2. Zeichne die Umrisse der Iris und der Pupille ein, sowie einen kleinen Glanzpunkt unten im Auge.
3. Deute nun einen sternförmigen Glanzpunkt oben im Auge und schraffiere die Pupille, sowie die Iris aus. Achte dabei, dass die Pupille dunkler ist, als die Umrandung der Iris.

Schritt 5 & 6: Labubu´s Gesicht zeichnen

Nach der kleinen Zwischenübung mit den Augen machen wir weiter mit unserer Figur.

Im 5. Schritt kannst du das Innere der Öhrchen einzeichnen sowie Augen, Mund und Nase. Die Nase hat eine Herzform. Labubu hat etwas Böses, aber gleichzeitig etwas total Süßes an sich. Die Augen sind recht groß, und die kleine Nase liegt auf der Höhe der Augen. Der Mund ist sehr groß und lächelnd.

Im 6. Schritt fügst du Schraffuren, Bäckchen und Zähne hinzu. Originale Labubus haben 9 Zähne, aber auch hier ist es ganz dir überlassen. Ich finde es lebendiger, die Zähne unregelmäßig einzuzeichnen – sowohl bei den Abständen als auch bei der Größe.

Schritt 7: Labubu´s Fell mit Farbe ausmalen

Hier ist nochmal das Gesicht in Groß dargestellt, damit du alle Details erkennen kannst. Unsere Zeichnung ist ja schon ganz schön komplex geworden.

Im 7. Schritt kannst du mit dem Ausmalen des Fells beginnen. Ich wähle für dieses Beispiel eine eher unauffällige braune Farbe. Du kannst aber natürlich deiner Kreativität freien Lauf lassen. Bedenke, die Figur nicht überall mit gleich starker Farbe zu bemalen – das Plüschtier ist ja rundlich. Um diese Rundlichkeit anzudeuten, ist es gut, manche Bereiche der Figur etwas heller und andere dunkler zu lassen.

Schritt 8 & 9: Licht und Schatten malen

Im 8. Schritt male ich die Ohren, Hände, Füße und das Gesicht aus. Die Farben dabei sind Pink und Rot. Den Augen gebe ich im oberen Bereich einen bräunlichen Ton und im unteren einen satten Rotton. So wirken die Augen lebendig. Ich male auf dem iPad in Procreate aus und verwende einen speziellen Pinsel mit Textur. So sieht die Figur nicht zu digital glatt aus. Du kannst aber natürlich auch ganz normal mit Bunt- oder Filzstiften ausmalen.

Im 9. Schritt füge ich an den unteren Seiten der Formen wie Beinen und Armen etwas bläuliche, dunkle Farbe hinzu. Entgegengesetzt auf den oberen Bereichen der Glieder sowie an den Ohren und am Kopf füge ich helle gelbe Farbe hinzu. Das suggeriert, dass ein gelbliches Licht von oben kommt und die Figur erhellt. Außerdem habe ich so verschiedene Farben in das Labubu eingezeichnet und die Zeichnung insgesamt spannender gestaltet.

Schritt 10 & 11: Hintergrund und verschiedene Versionen malen

Zum Schluss, im 10. Schritt, füge ich einen gelblichen Hintergrund hinzu. Direkt beim Gesicht nutze ich die knalligste Farbe, um den Fokus darauf zu lenken.

Im 11. Schritt habe ich die Füße etwas gerader gedreht und die Farbe des Labubu geändert. Es ist schon echt knuffig geworden!

Zusammenfassung und Schlussworte

Labubu zeichnen macht viel mehr Spaß, als ich gedacht habe! Wichtig ist dabei, finde ich, nicht zu verkrampft am Original zu bleiben, sondern ruhig etwas abstrakter zu werden und kleine Fehlerchen oder Abweichungen zuzulassen. Dann entstehen echt lebendige Figürchen!

Elefanten gehören zu den beliebtesten Tieren bei Kindern – groß, freundlich und ein bisschen tollpatschig. Viele denken, dass es schwierig ist, einen Elefanten zu zeichnen. Aber keine Sorge: Mit meiner Schritt-für-Schritt-Anleitung gelingt dir dein eigener süßer Elefant ganz leicht.

In diesem Blogartikel zeige ich dir, wie du in 10 einfachen Schritten einen Elefant zeichnen kannst. Du brauchst nur Papier, einen Stift und ein bisschen Lust am Ausprobieren. Digital geht es natürlich auch! Am Ende hast du nicht nur einen niedlichen Elefanten, sondern auch viele Tipps, wie du Tiere allgemein einfacher zeichnen lernst.

Wenn dich Manga zeichnen lernen interessiert, findest du in der Manga-Anleitung eine übersichtliche Schritt-für-Schritt-Einführung.

Los geht’s – wir zeichnen zusammen einen Elefanten, der fröhlich auf einer Wiese sitzt! Einfach lernen und Spaß haben :) 🌿

Schritt 1 & 2: Elefant Kopf und Ohren

🖌️ Schritt 1: Den Kopf zeichnen

Beginne mit einem großen runden Kreis in der Mitte deines Blattes. Das ist der Kopf deines Elefanten. Achte darauf, dass er schön groß wird – Elefanten haben schließlich mächtige Köpfe!

Und mache dir keine Sorgen, wenn der Kreis nicht perfekt wird – in der Natur sind Elefanten auch keine perfekten Kreise. Ein etwas unförmiger Kreis macht deinen Elefanten sogar lebendiger, einzigartig und sympathisch. 🐘💙

🖌️ Schritt 2: Die Ohren und Vorderbeine hinzufügen

Zeichne links und rechts vom Kreis zwei riesige, runde Formen, fast wie große Blätter oder Flügel oder besser: wie Tassenhenkel! Elefantenohren sind breit und weich – je größer du sie machst, desto niedlicher wirkt dein Elefant.

Schritt 3 & 4: Die Hinterbeine des Elefanten

🖌️ Schritt 3: Die Hinterbeine andeuten

Damit dein Elefant richtig süß aussieht, bekommt er große, runde Füße. Zeichne dafür zwei kleine Kreise links und rechts unterhalb des Kopfes. Diese Kreise sind die Innenflächen der Füße, die nach vorne zeigen.

🖌️ Schritt 4: Die Hinterbeine mit dem Körper verbinden

Jetzt verbinde die beiden Kreise mit dem Körper. Zeichne die Beine leicht gerundet und nicht zu gerade. Dadurch wirkt die Pose gemütlicher.

Schritt 5 & 6: Elefanten Augen und Rüssel

🖌️ Schritt 5 & 6: Die Augen zeichnen

Ich zeichne die Augen gerne ganz einfach als kleine Punkte. Wenn du aber lieber einen besonderen Stil mit Glanzpunkten oder größeren Augen ausprobieren möchtest, dann mach das unbedingt – beides sieht toll aus.

Wichtig ist die Position der Augen:

Zeichnest du die Augen weiter unten im Kopf und mit etwas Abstand, wirkt dein Elefant jünger und süßer 🐘💙.

Setzt du die Augen weiter oben im Kopf und dichter zusammen, wirkt er älter und etwas strenger.

So bestimmst du mit der Augenposition den Charakter deines Elefanten! 🎨

Deute zudem den Rüssel an:

Unterhalb der Augen zeichnest du den typischen Elefantenrüssel. Verwende dafür zwei geschwungene Linien, die nebeneinander nach unten verlaufen und sich unten langsam annähern.

Tipp: Achte darauf, dass die Linien nicht zu gerade sind – ein leicht geschwungener Rüssel wirkt viel natürlicher und lebendiger. 

Schritt 7 & 8: Elefant Mund, Bäckchen und Blumen

🖌️ Schritt 7: Mund und Bäckchen zeichnen

Damit dein Elefant noch fröhlicher aussieht, bekommt er jetzt ein Gesichtsausdruck:

Zeichne einen kleinen, gebogenen Strich rechts unterhalb des Rüssels - das ist der Mund. Ich fand, dass der Mund auf einer Seite ausreicht, aber du kannst natürlich deine ganz eigene Mundform zeichnen und so dem Elefanten verschiedene Emotionen geben.

Setze daneben links und rechts zwei kleine Kreise oder ovale Schattierungen – das sind die Bäckchen. Mit möglichst dünnen Linien! Damit die Bäckchen nicht wie Warzen aussehen ;D Wenn du sie später rosa ausmalst, wirkt dein Elefant besonders niedlich. 🐘💙

🖌️ Schritt 8: Blumen hinzufügen

Da dein Elefant gemütlich auf der Wiese sitzt, darf natürlich etwas Natur nicht fehlen. Zeichne um ihn herum ein paar einfache Blumen – kleine Kreise in der Mitte und darum mehrere Blütenblätter. 🌸🌼 Oder auch Spiralen, um z.B. Rosen anzudeuten. Nutze die Farben die du magst, das tolle ist, dass Blumen bunt sind und in jeder Farbe vorkommen.

Schritt 9 & 10: Elefant und Wiese ausmalen

Jetzt kommt Farbe ins Spiel! 🖍️

Male deinen Elefanten in deiner Lieblingsfarbe aus. Ich nutze in meinem Beispiel die Farbe Hellblau. Für die Ohren kannst du innen ein zartes Rosa oder Orange verwenden – das macht ihn besonders süß.

Wenn du möchtest, kannst du die Bäckchen ebenfalls rosa färben und mit etwas Violett kleine Schatten setzen, damit dein Elefant plastischer wirkt.

Halte dich nicht zurück was die Farben angeht, ich mag es bunt und verwende fast alle Farben.

Male die Wiese unter deinem Elefanten in Grün-Tönen aus. 🌿

Die Blumen bekommen bunte Farben – zum Beispiel gelb, rot oder violett. Dadurch wirkt deine Zeichnung fröhlich und lebendig.

Tipp: Du kannst zusätzlich den Himmel mit einem hellen Blau andeuten oder kleine Wolken malen, um die Szene noch freundlicher zu gestalten. Ich habe einen gelblichen Ton für den Hintergrund verwendet, so kommt der blaue Elefant besser zur Geltung. Als würde die Sonne hinter dem Elefanten aufgehen. :D

Für dieses Tutorial habe ich den Elefanten digital am IPad in Procreate gemalt. Du kannst ihn aber mit jeglichen Farben gestalten. So habe ich weiter unten ein Beispiel des Elefanten mit Wachsmalstiften gezeichnet. 

Lust auf mehr? Werde Teil meiner Manga Zeichenschule!

Hat dir der kleine Elefant Spaß gemacht? Das war erst der Anfang! In meiner Manga Zeichenschule zeige ich dir, wie du die Magie der japanischen Comic-Kunst ganz einfach in deinen Alltag holst.

Egal, ob du gemeinsam mit deinem Nachwuchs kreativ werden willst oder deine eigenen Fähigkeiten von Grund auf aufbauen möchtest – ich habe den passenden Kurs für dich:

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Schlussworte

Damit ist dein Elefant in 10 Schritten fertig – ein süßes, buntes, kawaii Bild, das garantiert Kindern und Eltern Freude macht! 🐘🌸

Ich wünsche dir viel kreative Freude beim Elefanten zeichnen!

Maxim

Hier sind einige Schritte, die dir helfen zu verstehen welche Schritte und Kenntnisse, meiner Meinung nach, notwendig sind, damit dein Manga / Anime zeichnen auf ein neues Level gehoben wird.

Betrachte diesen Blogeintrag als einen Überblick. Ich versuche auch Tipps zu jedem Thema zu geben, aber jedes Thema ist so umfangreich, dass es hier keinen Sinn machen würde, alles zu erklären. Je besser du im Zeichnen wirst, desto mehr wirst du merken, wie komplex das Zeichnen einer Manga-Geschichte ist und wie viel Übung es braucht. Aber lass dich davon nicht abschrecken, das ist ja gerade das Tolle daran. Und bei einem Spiel fängst du auch nicht bei Level 100 an, sondern bei Level 1.

Legen wir los! XD

Schritt 1: Das Manga-Paradoxon – Warum „einfach“ nicht „leicht“ ist

Bevor wir den ersten Strich setzen, müssen wir über das größte Missverständnis beim Manga zeichnen sprechen: Die Annahme, dass Manga „einfach“ zu lernen sei, weil die Formen so stark vereinfacht sind.

Beim Manga zeichnen muss man gleichzeitig Regisseur, Autor, Zeichner und Layouter sein. Alles Berufe, für die man Jahre, wenn nicht Jahrzehnte lernen muss. Aber gerade diese Herausforderung ist so motivierend! Die Aufgabe, eine schöne Zeichnung oder Geschichte zu entwickeln, belohnt einen mit dem berauschenden Gefühl, etwas Großartiges geschaffen zu haben.

Das Paradoxon lautet: Manga ist eine extrem anspruchsvolle Abstraktion der Realität.

Wer Manga wirklich beherrschen will, muss paradoxerweise erst lernen, umfangreich realistisch zu zeichnen. Warum? Weil du nur dann stilisieren und vereinfachen kannst, wenn du das Original – die Anatomie, das Licht und die Perspektive – im Kern verstanden hast. Anime ist vereinfachter Realismus, kein „falscher“ Realismus.

• Verstehen statt Kopieren: Ein guter Zeichner sieht im Kopf immer die 3D-Form, auch wenn er nur eine einfache Linie zieht.
• Das Fundament: Jede coole Anime-Pose basiert auf echter Anatomie. Ohne dieses Wissen wirken deine Charaktere schnell flach und leblos.
• Dein Ziel: Betrachte das realistische Üben nicht als Umweg, sondern als deine geheime Superkraft, die deine Manga-Zeichnungen später lebendig macht.

💡 Der Profi-Weg: In meinem [Manga Zeichenkurs] gehen wir genau diesen Weg. Wir nutzen vermehrt auch die Realität als Lehrer, damit du am Ende die Freiheit hast, deinen ganz eigenen, sicheren Manga-Stil zu entwickeln.

Schritt 2: Lerne, die verschiedenen Teile eines Gesichts zu zeichnen: Augen, Nase, Mund, Ohren, Haare.

Ich teile mir das Üben gerne ein und zeichne z.B. eine Woche lang nur Augen oder Ohren oder Nasen ODER Lippen. So sammle ich viele Anregungen für verschiedene Augenpartien, Haartypen, interessante Blickwinkel usw. Je länger ich mich auf eine Sache konzentriere, desto schneller werde ich besser. 

Eine ganze Figur besteht aus so vielen "Teilen", dass man sich als Anfänger schnell überfordert fühlt. Man ist schon froh, wenn man ein Ohr gezeichnet hat, da bleibt keine Zeit sich um die ganzen Proportionen zu kümmern. Je sicherer du mit den einzelnen Gesichtsteilen wirst, desto leichter wird es dir fallen, den Überblick zu behalten und alle Teile zu einer schönen Komposition (= schöner Charakter) zusammenzufügen.

Bevor du versuchst, einen ganzen Charakter zu entwerfen, musst du die einzelnen Bausteine beherrschen. In meinem komplett überarbeiteten Guide zeige ich dir alles von der 9er-Methode für Ohren bis hin zu komplexen Perspektiven mit Robo-Kun.

👉 [Manga Gesichter zeichnen: Das Profi-System von den Grundlagen bis zur Perspektive]

Augen zeichnen

Augen sind wohl das spannendste an einem Gesicht! Für mich zumindest und auch für die meisten meiner TeilnehmerInnen. Sie spiegeln die Seele wieder und wenn die Augen lebendig gezeichnet sind, erwacht die Figur zum Leben. Alles andere erscheint weniger wichtig.

Hier habe ich einen ausführlicheren Beitrag zum Thema "Manga / Anime Augen zeichnen", schau es dir gerne nach diesem Beitrag an und hol dir meine Manga Augen zeichnen in Perspektive PDF ->.

Viele denken übrigens, dass man die Grundübungen nur einmal am Anfang üben muss und dann nie wieder. Aber die Grundübungen bleiben, auch wenn man fortgeschritten ist. Man kommt immer wieder zu den Basics zurück, sieht sie mit neuen Augen und übt wieder. Unterschätze also nicht die kleinen "einfachen" Übungen und die Kraft des schrittweisen Aufbaus.

Ohren zeichnen

Ich stelle mir das Ohr oft wie den Henkel einer Tasse vor. Bei meinen Schülern sehe ich oft, dass sie alle sehr ähnliche Ohren zeichnen, obwohl jeder Mensch ganz einzigartige Ohren hat! Natürlich musst du in einem Anime / Manga nicht unbedingt allen verschiedene Ohren geben, aber eigentlich wäre es schon gut. Achte also etwas mehr darauf, wenn du die Ohren zeichnest.

Auch zu Ohren habe ich einen eigenen Blog-Beitrag: Ohren zeichnen lernen gemacht. Damit dieser Beitrag nicht zuuu lang wird. Sonst liest ihn ja niemand bis zum Ende XDD

Nase zeichnen

Nasen werden im Mange meist als niedliche kleine Stupsnasen gezeichnet. Ähnlich wie die erste Nase in der Abbildung unten. Diese Nasenform passt aber nicht zu allen Figuren. Übe deshalb, verschiedene Nasen zu zeichnen, dann werden deine Figuren noch interessanter.

Je kürzer und kleiner die Nase, desto süßer sieht ein Charakter aus. Meistens ;D

Besonders von vorne werden Nasen in Manga und Anime stark vereinfacht. Man sieht nur die Nasenlöscher oder nur den dreieckigen Schatten seitlich der Nase. 

Auch zur Nase habe ich einen eigenen Blog-Beitrag: Nase zeichnen lernen Viel Spaß ^^

Mund und Lippen zeichnen

Die mittlere Linie des Mundes, zwischen den Lippen sieht wie ein Vogel aus! Oder? XD Im Anime und Manga wird besonders der weibliche Mund sehr schwungvoll gezeichnet. Die Linie der oberen Lippe sollte sehr dünn sein, während die Linie der Unterlippe recht stark sein kann. Bei Mündern von männlichen Charakteren wird meist nur die mittlere Linie gezeichnet. Diese ist meist gerade. 

Link zum ausführlichen Beitrag: https://maximko.de/blog/mund-und-lippen-zeichnen-lernen/ 

Haare zeichnen

Was vielen passiert ist, dass wenn man die Haare zeichnet, es so aussieht, als ob der Figur einzelne Haare aus dem Kopf wachsen. Es sieht nicht aus wie viele Haare, wie eine komplette Frisur. Das liegt daran, dass es wichtig ist, zuerst die äußeren Linien der Frisur zu zeichnen. Zeichne die Strähnen innerhalb der Frisur mit dünnen Linien.

Der Tipp lautet daher: Beginne mit der äußeren Form einer Frisur und zeichne dann die Details.

Manga & Anime zeichnen - Schritt 3: Übe das komplette Gesicht zu zeichnen mit verschiedenen Gesichtsausdrücken, Perspektive und Formen

In der dritten Etappe deiner Anime-Zeichenreise empfehle ich dir, deine Fähigkeiten zur Darstellung eines kompletten Gesichts zu vertiefen. Zu diesem Zeitpunkt bist Du sicher im Zeichnen der einzelnen Gesichtsteile und musst nur noch ein Gefühl dafür bekommen, wie Du sie zu einem schönen Manga- oder Anime-Gesicht zusammenfügen kannst. 

Manga / Anime Gesicht in den drei Standardansichten

Beginne auch hier zunächst ohne Perspektive oder Emotionen. Ich empfehle, eine Figur auszuwählen und den Kopf in den drei Standardansichten zu zeichnen: Frontalansicht, Seitenansicht und 3/4-Ansicht. Es ist schon eine große Herausforderung, dass alles nach ein und derselben Figur aussieht!

Übe dann das Zeichnen von verschiedenen Gesichtsausdrücken, um deine Figuren zum Leben zu erwecken. Tauche ein in die Kunst der Emotionen, indem du lernst, Augen, Nase, Mund und Gesichtsformen so zu variieren, dass sie die Vielfalt menschlicher Gefühle widerspiegeln.

Zeichne unterschiedliche Charaktere in unterschiedlichen Stilen

Scheue dich nicht, verschiedene Figuren zu zeichnen, auch wenn du sie nicht "cool" findest. Das schult dein zeichnerisches Auge ungemein. Und vergiss nicht: Zu einer tollen Geschichte gehört ein tolles Team. Und ein Team besteht am besten immer aus ganz unterschiedlichen Charakteren, die sich nicht nur unterschiedlich verhalten, sondern auch unterschiedlich aussehen. Damit meine ich nicht nur die Frisur, sondern die ganze Form des Kopfes, der Nase, der Ohren, der Augen. Denke daran, dass jeder Mensch ein einzigartiges Gesicht hat.

Auch hier ist es mir wichtig zu betonen, dass ich sehr empfehle, auch etwas realistischer zu zeichnen. Zumindest zu üben. Das Wissen über Anatomie und Schattierung wird deine Manga-Zeichnungen soooo viel besser machen. Und ehrlich gesagt, es gibt viele Mangas, die sehr realistisch gezeichnet sind. Anime sind animiert, da kann man nicht zu realistisch sein, sonst wäre der Animationsaufwand zu groß.

Ich habe in meiner Arbeit als Live-Porträtzeichner schon Zehntausende von Menschen porträtiert und es ist verrückt. Jede Person hatte ein völlig einzigartiges Ohr, eine einzigartige Nase und so weiter. Das solltest du auch beim Zeichnen von Mangas und Animes berücksichtigen. Dann werden deine Geschichten wirklich tiefgründig!

Mimik und Gesichtsausdrücke

Manga- & Anime Gesichter in Perspektive

Wenn du mit Mimik und Gesichtern in den Standardansichten vertraut bist, ist es an der Zeit, dein Repertoire zu erweitern. Setze dich nun mit verschiedenen Perspektiven auseinander und zeichne deine Figuren aus unterschiedlichen Blickwinkeln. Kombiniere dann all dein Wissen und zeichne ausdrucksstarke Figuren in Perspektive mit ganz unterschiedlichen Mimiken und Gesten.

Schritt 4: Lerne die einzelnen Gliedmaßen, also Hände, Arme, Füße und Beine zu zeichnen

Der Körper ist das Werkzeug deiner Geschichte. Wenn die Proportionen nicht stimmen, wirkt jede Action-Szene steif. Ich habe für dich ein System entwickelt, mit dem du Körper aus jeder Perspektive konstruieren kannst, ohne dich in Anatomie-Details zu verlieren.

👉 [Manga Körper zeichnen: Die ultimative Anleitung für Proportionen & Posen]

"Hab keine Angst, Hände und Füße zu zeichnen!" - ist leicht gesagt. Ich selbst habe am Anfang die Hände meiner Figuren entweder in den Hosentaschen oder hinter dem Rücken versteckt. Wichtig ist, dass du eine gewisse Anzahl von Händen gezeichnet hast, dann wird es viel einfacher und du verlierst die Angst. Konzentriere dich am Anfang nur auf die Gliedmaßen, dann wird dein Zeichnen viel besser.

Hände zeichnen

Ich erinnere mich noch gut daran, wie ich am Anfang meine Hände in den Hosentaschen meiner Figuren versteckt habe. XD Die sind auch sehr schwer zu zeichnen. Aber auch hier sollte man versuchen, die Form der Hand so einfach wie möglich zu halten. Vor allem die Finger machen die Hand so schwer zu zeichnen. Die häufigsten Fehler sind, dass die Finger zu gerade und zu spitz gezeichnet werden.

Achte darauf, dass die Finger immer mindestens einmal angewinkelt sind. Dann sieht die Hand nicht so steif aus. Und übe, die Dreidimensionalität der Hand zu verstehen. Das hilft dir sehr, bessere Hände zu zeichnen. Oder! Und benutze deine eigene Hand als Referenz. Zeichne sie so oft du kannst und du wirst schnell besser werden.

Arme zeichnen

Wie bei den Fingern der Hand ist es wichtig, dass der Arm nicht zu steif, zu gerade gezeichnet wird. Übe muskulöse Arme zu zeichnen, um ein Gefühl für die Anatomie des Arms zu bekommen. Das hilft dir, auch weniger muskulöse Arme zu zeichnen. In Anime und Mangas sieht man oft Figuren mit dünnen Armen, aber auch sie haben Muskeln. Sonst könnten sie ihre Arme nicht bewegen. Die Muskulatur wird nur sehr dezent gezeichnet. Diese Dezenz ist besonders für Anfänger schwer zu erkennen. Deshalb ist es gut, erst einmal muskulöse Arme zu zeichnen, dann sieht man die Muskeln einfach deutlich.

Füße zeichnen

Einmal habe ich in meinem Zeichenkurs in Rostock mit meinen Teilnehmern 2 Stunden lang nur Füße gezeichnet. Es waren vielleicht 20 Füße. Und noch heute, viele Jahre später, werfen sie mir vor, sie damit gequält zu haben! XDD Aber eigentlich haben sie es genossen, ich weiß es!!!;D Auch bei Füßen ist es wichtig so viele wie möglich zu zeichnen. ^^

Beine zeichnen

Das Spannende an den Beinen ist, dass sie nicht einfach gerade sind. Der Oberschenken und der Unterschenkel sind leicht versetzt. Das sieht man besonders in der Ansicht von Vorne.

Wenn du noch mehr Anleitungen brauchst, kann ich dir mein Körper zeichnen Buch empfehlen. Hehe Werbung für mich selbst ist keine Werbung! ;D Im Buch habe ich aber einiges an Anleitungen für dich: Link auf Amazon zum Buch: Manga Körper & Anatomie zeichnen*

Schritt 5: Zeichne ganze Körper erst stehend, dann mit Dynamik und Perspektive

Wenn das Zeichnen der Gliedmaßen sicherer geworden ist, ist unser kreativer Bizeps bereit, einen ganzen Körper zu zeichnen - natürlich erst einmal ohne Perspektive! Eine stehende Figur ist schon Herausforderung genug! Ich unterscheide zwischen Vorder-, Seiten- und Hinteransicht. Vielleicht hast du schon einmal von einem "Character-Sheet" gehört. Dabei zeichnet man eine Figur in den drei Standardansichten.

Als ich als Concept Artist für eine Spielefirma gearbeitet habe, musste ich ständig Character-Sheets zeichnen. Aber auch für meine Manga-Geschichten habe ich schon welche gesehen. Auch bei Anime-Produktionen gibt es von jedem Charakter immer solche Standardansichten, an denen sich alle orientieren.

Es gibt unglaublich viele verschiedene Körperstaturen und Körperformen. Fang ruhig mit deiner Lieblingsfigur an, aber bedenke, dass du erst dann besser zeichnen kannst, wenn du viele verschiedene Animecharaktere und Körperformen geübt hast.

Schritt 6: Zeichne Kleidung, lerne Ausrüstung und Gadgets zu zeichnen, erweitere dein Zeichenrepertoire um Fantasy- und Sci-Fi-Stile.

Bevor man Kleidung gut zeichnen kann, ist es unbedingt empfehlenswert, die Anatomie und die Proportionen des Körpers zu lernen. Denn Kleidung passt sich dem Körper an, den sie bedeckt. Das heißt, je besser du die Anatomie verstehst, desto besser kannst du Kleidung zeichnen.

Orientiere dich anfangs an Tutorials zum Zeichnen von Kleidung und Outfits, aber bedenke immer, dass echte Kleidung am besten geeignet ist, um ein besseres Verständnis für Falten und Details zu entwickeln.

Experimentiere mit verschiedenen Stilen, um deinen eigenen einzigartigen Look zu entwickeln.

Beschäftige dich auch mit Robotern, Science Fiction und Technik. Damit übst du nicht nur das Zeichnen, sondern kannst auch noch spannendere Geschichten visualisieren. Ich persönlich zeichne immer gerne etwas Technisches. Es ist eine gute Abwechslung zu den organischen Figuren. Die Linien und Formen sind viel klarer und oft einfacher zu zeichnen.

Das Zeichnen von Fantasy-Charakteren ist eine großartige Möglichkeit, kreativ zu sein und deiner Fantasie freien Lauf zu lassen. Hier sind einige Schritte, die dir beim Zeichnen von Fantasy-Charakteren helfen können:

• Überlege dir, in was für einer Fantasy-Welt dein Charakter lebt. Ist es eine mittelalterliche Welt, eine futuristische Welt oder etwas ganz anderes?
• Bestimme die Rasse oder Spezies deines Charakters. Menschen, Elfen, Zwerge, Orks, Drachenwesen usw.
• Kombiniere unterschiedliche Tiere und Wesen zu einer ganz neuen Kreation

Üben und Experimentieren sind der Schlüssel, um im Anime-Stil beeindruckende Kleidung und Ausrüstung zu zeichnen. Viel Spaß beim Gestalten deiner Charaktere!

Schritt 7: Lerne zu schattieren und deinen Figuren Tiefe zu verleihen.

Hinweis: Für diesen Bereich habe ich ebenfalls einen tiefer gehenden Blog-Eintrag "Schatten zeichnen" erstellt. Kannst du gerne später auch noch anschauen ;)

Schattieren hilft dir nicht nur, deinen Figuren Tiefe und deinen Umgebungen Atmosphäre zu verleihen, sondern auch, deine Umrisszeichnungen zu verbessern.

Ein großes Missverständnis über Anime und Manga ist, dass sie einfach zu zeichnen sind. In Wirklichkeit sind Manga und Anime schwieriger zu zeichnen, weil das Wissen, das dahinter steckt, nicht leicht sichtbar ist. Gute Zeichner stellen sich eine Figur dreidimensional vor, wenn sie sie zeichnen. Auch wenn sie keine Schattierung verwenden. Dadurch sehen ihre Strichzeichnungen lebendig und tief aus. Wenn man eine Figur nur Strich für Strich sieht und zeichnet, erhält man eine recht flache Zeichnung, der Tiefe fehlt.

Dein Verständnis von Dreidimensionalität und deine Fähigkeit, dir Figuren vorzustellen und sie im Kopf beliebig zu drehen, kommt mit dem Üben und Verstehen des Schattierens. 

Schritt 8: Lerne mit Farben umzugehen

Farben sind nicht so kompliziert wie man denkt. Anatomie, saubere Linien und Schattierungen sind viel schwieriger zu erlernen. Farbharmonien und Farbkontraste lassen sich leicht am Farbkreis erkennen.

Cooler Tipp zum Kolorieren: Wenn das Licht einen warmen Ton hat, z.B. Sonne, dann versuche die Schatten blau oder violett zu färben. Der kühle Ton der Schatten wird mit dem warmen Ton des Lichts harmonieren und sich gegenseitig zum Leuchten bringen. Umgekehrt funktioniert es auch: kühles Licht und warme Schatten. Probiere es bei deinem nächsten Mal aus.

Schritt 9: Lerne Umgebungen, Hintergründe und Perspektive zeichnen

Für alle, die gerne Menschen und Figuren zeichnen, sind Hintergründe der Horror! Für mich zum Beispiel. Zumindest war es die ersten Jahre so. Heute liebe ich es Hintergründe zu zeichnen, ich finde es sehr entspannend.

Das Schwierigste am Zeichnen von Hintergründen ist die Perspektive. Die 1-Punkt-Perspektive, die 2-Punkt-Perspektive, die 3-Punkt-Perspektive oder auch die 4-Punkt-Perspektive. Es beginnt immer mit dem Horizont und den Perspektivpunkten. Übe zuerst die 1-Punkt-Perspektive und die 2-Punkt-Perspektive. Achte bei der 2-Punkt-Perspektive darauf, dass die beiden Punkte möglichst weit auseinander liegen. Wenn möglich sogar außerhalb des Blattes. Sonst sieht deine Zeichnung zu unnatürlich aus. Zeichne alle senkrechten Linien senkrecht, alle nach links gehenden Linien zum linken Punkt und alle nach rechts gehenden Linien zum rechten Punkt. Im Prinzip ist es ganz einfach, aber es braucht etwas Übung, um ein gutes Gefühl dafür zu entwickeln.

Zeichne den Horizont ganz oben auf das Blatt, wenn du einen Blick von oben darstellen willst. Wie auf dem Bild unten. Ich habe das für eine Firmenfeier gezeichnet. Es eignet sich aber auch gut für einen Anime / Manga, um zu zeigen, wo die Geschichte spielt.

Wenn du etwas von unten zeigen willst, aus der Froschperspektive, dann zeichne den Horizont ganz unten auf das Blatt Papier.

Oft reicht es, den Hintergrund nur anzudeuten, wie in dieser Party-Szene. In Anime und Manga ist das oft so. Schließlich geht es vor allem um die Figuren.

Schritt 10: Lerne fesselnde Manga- und Anime Geschichten zu schreiben.

Ein guter Anime oder Manga erzählt nicht nur visuell, sondern hat auch eine interessante Handlung und gut entwickelte Charaktere. Die Fähigkeit, eine Geschichte zu strukturieren, Dialoge zu schreiben und Charaktere zu entwickeln, ist entscheidend.

Übrigens hat Lena, die auch beim Großen Manga Zeichenkurs dabei ist, einen tollen Beitrag geschrieben wie man spannende Stories schreibt: Meine 5 Lieblingstipps: Spannende Story schreiben für Manga, Comic oder Roman

Ich benutze gerne zunächst mein Skizzenbuch, um erste Entwürfe für Figuren und Story-Elemente zu entwickeln. Die Ideen kommen mir oft spontan und an den unterschiedlichsten Orten. Deshalb versuche ich immer, zumindest ein kleines Skizzenbuch dabei zu haben. Später schreibe ich die Ideen am liebsten auf meinem Surface Tablet auf und arbeite sie zu ganzen Geschichten aus.

Schritt 11: Zeichne deinen eigenen Manga und lerne den Umgang mit Sprechblasen, Lesefluss und Soundwords.

Die Erstellung eines eigenen Mangas kann je nach den individuellen Fähigkeiten, Erfahrungen und Zielen sehr unterschiedlich sein. Je nachdem, wie gut du bereits zeichnen kannst, kann es einfacher oder schwieriger sein. Auf jeden Fall ist es wichtig, gut zu planen und zuerst ein Storyboard und Charakterbögen zu erstellen.

Als ich vor 15 Jahren mit dem Manga / Anime zeichnen begonnen hatte, zeichnete ich noch ganz traditionell mit Tuschefeder auf Papier. Wenn die Seite fertig gezeichnet war, habe ich sie eingescannt und in Photoshop die Schrift und Soundwords eingefügt. Heute arbeite ich komplett digital, es ist einfach zu praktisch.

Der Lesefluss ist ein sehr wichtiges Element des Manga-Zeichnens und braucht etwas Zeit, um verstanden zu werden. Dabei lenkt man mit Zeichnungen, Sprechblasen und anderen Elementen den Blick der LeserInnen so, dass sie alles gut lesen und sehen können, ohne zu stocken.

Die Wahl der Stifte und Pinsel, auch der digitalen, bestimmt die gesamte Atmosphäre einer Geschichte. Probiere dich am Anfang aus und experimentiere viel. Bei meinen Manga-Kurzgeschichten erkennen die Leute oft nicht, dass sie von ein und derselben Person sind, so unterschiedlich ist der Stil. Es hat mir viel Spaß gemacht, mit verschiedenen Zeichenmaterialien zu spielen.

Das Zeichnen eines Manga kann viel Zeit in Anspruch nehmen. Vom Entwurf der Charaktere und der Handlung bis hin zur eigentlichen Umsetzung der Seiten erfordert dies oft einen erheblichen Zeitaufwand. Doch der Aufwand lohnt sich, man hat etwas Phantastisches geschaffen, auf das man wirklich stolz sein kann. 

Ich kann ehrlich sagen, dass ich mich nach 15 Jahren als professioneller Künstler an das Zeichnen von Manga/Anime als meine schönste Zeit als Zeichner erinnere. Ich habe für Spiele, einen Film, Buchcover, Malbücher, Portraits und vieles mehr gezeichnet. Eine eigene Manga-Geschichte zu kreieren ist einfach eine ganz andere Ebene.

Schritt 12: Veröffentliche deinen Manga

Digital veröffentlichen

Du kannst deinen Manga selbst veröffentlichen ohne die Druckkosten tragen zu müssen. Es gibt Plattformen wie Amazon Kindle Direct Publishing oder Webcomics-Plattformen, auf denen du deine Arbeit hochladen kannst.

Zu meiner Zeit war Animexx und Deviantart beliebt, um die eigenen Zeichnungen zu vermarkten. Informiere dich welche Plattformen gerade aktuell sind, diese wechseln relativ oft.

Aktuell nutze ich z.B. Amazon Kindle, um meine Manga-Zeichenbücher Übersicht auf Amazon  zu verkaufen. Das ist sehr praktisch, denn meine Bücher werden erst gedruckt, wenn sie gekauft werden. Ich muss also nur ein digitales PDF des Buches erstellen und hochladen. Früher musste man sich viele Bücher ausdrucken und zu Hause lagern. Das ist heute natürlich auch möglich und sollte auch in Betracht gezogen werden, wenn man viel Platz hat. Praktischer ist aber definitiv Print on Demand von Amazon.

Als Buch veröffentlichen

Wenn du einen traditionellen Verlag bevorzugst, recherchiere nach Verlagen, die Manga veröffentlichen, und sende deine Arbeit entsprechend ihrer Richtlinien ein.

Manchmal bieten Verlage auch Mappensichtungen an, z.B. auf der Leipziger Buchmesse. Das ist manchmal besser, um ein persönliches Feedback zu bekommen.

Ein Verlag hat den Vorteil, dass du dich nicht um die Vermarktung und den Verkauf deines Buches kümmern musst. Manchmal bekommst du auch Tipps und Hilfe bei der Gestaltung deines Mangas. Im Gegenzug bekommst du relativ wenig Prozente vom Verkauf deines Buches. Wäge immer ab, ob es sich für dich lohnt.

Dein Buch und deine Kunst selbst zu vermarkten ist aufwendiger, kann aber erfüllender und lukrativer sein. Heutzutage ist es so einfach eine eigene Homepage zu erstellen, Follower in sozialen Netzwerken zu finden, potentielle Käufer durch Werbung zu erreichen und mit den neuen Möglichkeiten der KI ein kleines Unternehmen um sich herum aufzubauen.

Welchen Weg man einschlägt, hängt ganz von einem selbst ab. Da die Mangaindustrie in Deutschland im Vergleich z.B. zu Japan relativ schwach ist, ist es wirklich schwierig damit Geld zu verdienen. Als Hobby, als Erfüllung, als Möglichkeit sich selbst zu verwirklichen und so unglaublich viel zu lernen, ist Manga perfekt. Das finde ich auch. Aber es gibt alles und nur du weißt, welcher Weg für dich der richtige ist.

In meiner Manga-Zeit habe ich mit anderen Künstlern unsere Manga-Kurzgeschichten in Sammelbänden veröffentlicht. Diese haben wir drucken lassen und selbst verkauft, zum Beispiel auf der Leipziger Buchmesse. Das war eine wirklich tolle Zeit, aber Geld haben wir damit nicht verdient. Soweit ich weiß ;D

Zeichenmaterialien

Zum Zeichnen von Manga gibt es verschiedene Werkzeuge und Materialien, sowohl traditionell als auch digital. Hier sind einige Optionen:

Traditionelle Materialien

Zeichenstifte: Bleistifte in verschiedenen Härtegraden werden oft für die Grundskizzen und Entwürfe verwendet. Für detailliertere Linien können Tuschstifte verwendet werden.

Tusche und Feder: Traditionell werden Tuschfederstifte für klare, schwarze Linien verwendet. Einige Künstler bevorzugen auch Tuschpinsel oder Tuschefüller.

Tusche- oder Mangapapier: Spezielles Papier für Manga ist oft glatter und dicker, um Tinte besser aufzunehmen und das Durchbluten zu verhindern.

Radiergummi: Hochwertige Radiergummis sind wichtig, um Linien sauber zu korrigieren und Fehler zu beseitigen.

Richtige Lineale und Schablonen: Gerade Linien und perfekte Formen sind in Manga häufig. Ein Lineal und Schablonen können dabei helfen.

Rasterfolie: Früher konnte man Rasterfolie als einzelne "Blätter" kaufen. Diese musste man dann ausschneiden und auf die Manga-Seiten kleben. Ganz schön umständlich! Heute kann man Rasterfolie ganz einfach digital im Zeichenprogramm hinzufügen. Das ist auch viel billiger ;)

Digitale Werkzeuge

Grafiktabletts: Ein Grafiktablett ermöglicht es dir, direkt auf dem Bildschirm zu zeichnen. Es gibt viele verschiedene Modelle mit unterschiedlichen Funktionen und Preisen. Ich benutze meist das größere Wacom Cintiq 24 Pro und das Apple IPad Pro. Das Cintiq ist groß und bietet mir viel Übersicht zum Zeichnen, während das IPad super mobil ist und super für einzelne Zeichnungen geeignet ist. Diese beiden Modelle sind absolut top, sind aber auch richtig teuer. Es gibt eine Menge Alternativen, die günstiger sind, schaue dir dafür Rankings und Bewertungen an und teste am besten vorher welches Modell dir am besten passt.

Digitale Stifte: Tablets, wie z.B. das iPad Pro, Cintiq Pro oder das Microsoft Surface, haben digitale Stifte, die speziell für die präzise Eingabe von Zeichnungen entwickelt wurden. Diese Stifte sind nicht mit herkömmlichen Stiften für normale Tablets zu vergleichen.

Zeichensoftware: Es gibt zahlreiche Softwareoptionen für digitales Zeichnen, darunter Procreate, Clip Studio Paint, Adobe Photoshop und viele andere. Diese Programme bieten verschiedene Werkzeuge und Funktionen, um den Manga-Zeichnungsprozess zu unterstützen. 

Ich nutze meist Photoshop und Procreate. Während Procreate super zum Zeichnen ist, hat es schwächen in der Textbearbeitung. Ausserdem ist das IPad nicht so leistungsstark, um mit großen Dateien umzugehen. Die man jedoch braucht, um gute Ausdrucke zu machen. Deshalb mache ich die Endbearbeitung auf meinem Rechner in Photoshop. Clip Studio Paint soll aber noch besser sein und spezifische Funktionen für das Erstellen von Comics und Manga haben. Teste am besten für dich selbst aus, welches Programm dir am besten gefällt.

Die Wahl zwischen traditionellen und digitalen Werkzeugen hängt von deinen persönlichen Vorlieben und deinem Budget ab. Einige Künstler kombinieren auch beide Methoden, indem sie traditionelle Skizzen erstellen und dann digital weiterarbeiten oder umgekehrt. Experimentiere mit verschiedenen Werkzeugen und finde heraus, was für dich am besten funktioniert.

Bist du auch so fasziniert von Anime und Manga? Hier kannst du noch mehr lernen und mit mir zeichnen:

Die Bereitschaft, Feedback zu erhalten und zu nutzen, um sich ständig zu verbessern, ist wichtig. Das kann sowohl von Freunden und Familie, von der Online-Community oder durch Kursen kommen, die von professionellen Künstlern geleitet werden.

So habe ich mich auch ständig verbessert. Die meiste Zeit habe ich geübt, aber irgendwann kam ich nicht mehr weiter, dann habe ich verschiedene Zeichenmeister aufgesucht, die mir sehr weiter geholfen haben. Außerdem hat mich das Zeichnen mit anderen Künstlern extrem motiviert und inspiriert.

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Vom ersten Charakter bis zum fertigen Buch – in meiner Online-Zeichenschule begleite ich dich Schritt für Schritt auf deinem Weg zum Manga-Meister.

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Abschließende Worte

Ich hoffe, du konntest etwas aus meinem Vortrag mitnehmen. Manga und Anime zeichnen ist etwas so umfangreiches, dass ich ewig darüber schreiben könnte. Ich habe bereits zwei Bücher, die sich nur mit dem Zeichnen von Gesichtern und Körpern in stehenden Posen beschäftigen!

Schau doch einfach mal im Live-Stream vorbei oder schreibe mir hier oder auf Social Media ein Feedback. Es motiviert mich zu hören, dass meine Tipps gelesen, gesehen oder gehört werden. :)

Die Grundlagen des Manga zeichnens findest du in der kompletten Manga-Anleitung von Maxim Simonenko.

Mit kreativen Grüßen

Maxim ^^

Manga Augen - der Spiegel der Manga Seele

Ich kann mich noch gut daran erinnern, als ich mit dem Zeichnen angefangen habe, dass ich fast nur Manga-Augen gezeichnet habe. Anime und Manga Augen zu zeichnen ist einfach das Highlight beim Zeichnen und erweckt einen Charakter erst richtig zum Leben. Schließlich sind die Augen das erste, worauf man schaut, wenn man eine Person oder einen Anime / Manga Charakter sieht. Ich kann mich noch gut daran erinnern, als ich mit dem Zeichnen angefangen habe, dass ich fast ausschließlich Manga-Augen gezeichnet habe. Augen sind einfach das Lebendigste und Aufregendste an einem Charakter. Schließlich sind die Augen das erste, worauf man schaut, wenn man eine Person oder einen Anime / Manga Charakter sieht.

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Wenn dich Manga zeichnen lernen interessiert, findest du in der Manga-Anleitung eine übersichtliche Schritt-für-Schritt-Einführung.

Manga Augen zeichnen lernen - Die Grundbegriffe:

Mach dich mit den allgemeinen Begriffen des Auges vertraut. Wenn du die einzelnen Teile des Auges benennen kannst, kannst du sie auch besser zeichnen. Vor allem perspektivisch. Und du kannst dieses Tutorial besser verstehen. XD Schau dir dazu meine Grafik unten an oder google die Begriffe. 

Wir sind uns einig: Augen zeichnen macht Spaß, Augen sind super wichtig und Augen zeichnen muss man lernen. Also fangen wir mit dem ersten Schritt an!

Level 1: Ein Manga-Auge von vorne, ohne Perspektive, zeichnen lernen

Du willst sofort coole Perspektiven zeichnen, aber Vorsicht ist geboten. Ein perspektivisches Manga-Auge ist ein Manga-Auge ohne Perspektive, nur "gequetscht". Das heißt, wenn du ein Auge ohne Perspektive von vorne und von der Seite gut zeichnen kannst, dann bist du super vorbereitet für die Perspektive.

Manga- und Anime-Augen gibt es in den verschiedensten Zeichenstilen. Natürlich kann ich hier nicht auf alle eingehen. Aber alle diese Stile basieren auf dem gleichen Aufbau. Lerne die Bestandteile eines Auges kennen, zeichne die Augen aus diesem Tutorial und du wirst dich stetig verbessern.

Das Zeichnen der Augen lässt sich am besten in Schwarz-Weiß üben. Ob digital am Tablet oder traditionell mit Bleistift oder Tusche. Am besten zeichnest du einfach mit, denn nur durch die Kombination von theoretischem Verständnis und praktischem Zeichnen wirst du dich stetig verbessern.

• Schritt 1: Zeichne zunächst das Oberlid und das Unterlid. Das Oberlid wird besonders bei Manga-Augen stark betont. Dies könnte das Auge eines Shojo-Mädchens sein.
• Schritt 2: Zeichne als nächstes die Iris und die Pupille. Die Pupille hat schon einen Lichtpunkt. Beachte, dass die Irislinie unter dem oberen Augenlid verschwindet. Außerdem ist die Linie oben dicker und wird nach unten hin dünner.
• Schritt 3: Färbe nun das obere Augenlid schwarz und zeichne weitere Wimpern. Achte darauf, dass die Wimpern nicht zu gleich aussehen. Zeichne die Wimpern mal dünner, mal dicker und mit unterschiedlichen Abständen. Das sieht natürlicher aus. Dazu kommt noch die Lidfalte über dem Auge. Sie verläuft parallel zum Oberlid.

• Schritt 4: Als nächstes arbeitest du die Iris aus. Beginne am Lid mit einer eher dunklen Schraffur und werde nach unten hin immer heller. So entsteht ein Verlauf von oben nach unten. Warum ist es nur oben so dunkel? Das ist der Schatten des Oberlids, der auf das Auge fällt. Und der Verlauf deutet die Rundung des Auges an.
• Schritt 5: Als nächstes kannst du die Augenbraue zeichnen. Ich habe mich für eine sehr elegante, dünne Augenbraue entschieden. Sie verläuft fast parallel zur Lidfalte und zum Oberlid. Ich ziehe noch ein paar dünne Linien zu den Wimpern, zur Augenbraue und zum Auge selbst. Das lässt das Auge natürlicher wirken. Und ein ganz cooler Trick: Zeichne gegenüber dem weißen Lichtpunkt einen dunklen Lichtpunkt. Nicht zu hell! Das macht das Auge noch lebendiger.
• Schritt 6: Hier habe ich ein bisschen herumprobiert, um dem Auge etwas mehr Natürlichkeit zu geben. Wenn man nur rein schwarze Linien verwendet, wirkt das Auge schnell künstlich und comichaft. Für mehr Leben und Ausstrahlung braucht man etwas mehr Grautöne und etwas mehr Verspieltheit. Wie findest du den Unterschied? Ist das "saubere" Auge besser?Als nächstes sehen wir uns ein relativ typisches, einfach konstruiertes Manga-Auge an. Aber diesmal in Farbe. Auch der Stil ist etwas anders. Im Prinzip sind alle Augen sehr ähnlich aufgebaut - klar, schließlich soll es wie ein Auge aussehen. Damit sich die Zeichnungen jedoch von denen der anderen Künstler unterscheiden, bauen die Zeichner*innen leichte Veränderungen ein. Deshalb gibt es so viele verschiedene Arten, ein Manga-Auge zu zeichnen.

Zum Vergleich ein realistischeres Auge Schritt für Schritt zeichnen

Jajaja, hier geht es um Manga Augen, warum zeichne ich immer diese komischen Comic/Semi-Realismus Augen?!? Weil ich der festen Überzeugung bin, dass sich deine Manga Zeichenfähigkeiten deutlich verbessern werden, wenn du lernst, deine Umgebung genauer zu betrachten. Denn Manga ist vereinfachte und stilisierte Realität. Je genauer du die Realität betrachtest und erkennst, desto besser werden auch deine Manga-Zeichnungen. Zeichne also auch dieses Auge. Welche Überschneidungen mit dem Manga-Auge kannst du erkennen?

Grüne Shojo Manga Augen von vorne zeichnen - Schritt für Schritt

So, lass uns als nächstes ein Manga-Auge in Farbe zeichnen:

• Schritt 1: Beginne mit der groben Form der Augen. Das obere Augenlid wird stark betont, das untere nur leicht angedeutet. Beachte, dass die Iris diesmal vollständig zu sehen ist. Sie befindet sich direkt unter dem Oberlid. Zeichne auch sofort die Lidfalte und die Augenbraue.
• Schritt 2: Zeichne nun die Pupille und den Lichtpunkt ein. Zeichne auch die Wimpern. Auch hier ist es wichtig, dass die Wimpern unterschiedliche Größen und Abstände zueinander haben. So sieht es nicht zu "roboterhaft" aus.
• Schritt 3: Male dann die Iris und die Pupille aus. Die Pupille ist dunkler als die Iris. Füge noch einen leichten Schatten oben links an der Lidfalte hinzu. Das gibt dem Auge Tiefe und Lebendigkeit.
• Schritt 4: Damit der Lichtpunkt nicht so unnatürlich aussieht, gebe ich ihm einen weichen Verlauf. Digital geht das ganz einfach, indem ich einen weichen Pinsel benutze und einmal am Rand entlanggehe. Traditionell mit Bleistift kann man etwas verwischen oder wegradieren. Aber das ist viel schwieriger.
• Füge noch einen hellen Rand um die Pupille hinzu. Aber nicht zu hell! Dadurch wird die Iris (Regenbogenhaut) heller und lebendiger.
• Schritt 5: Beleuchte nun den unteren Teil der Iris. Das ist mein Lieblingsschritt! Dadurch sieht das Auge gleich viel lebendiger aus!
• Schritt 6: Im letzten Schritt kannst du noch Feinheiten, weitere Lichtpunkte oder Schraffuren einfügen. Fertig! :D

Kommentar zum Bild: Um zu testen, wie das Auge auf einem Charakter aussehen würde, habe ich es gespiegelt und eine Nase zwischen die Augen gezeichnet. Sieht schon sehr süß/kawaii aus. XD Als professioneller Künstler empfehle ich natürlich nicht, ein Auge einfach zu spiegeln. Das sieht meistens komisch und unnatürlich aus. Außerdem ist es gerade für Anfänger wichtig zu üben und sich der Herausforderung zu stellen, ein symmetrisches zweites Auge zu zeichnen. Also nur zum Testen, aber bei einer richtigen Figur würde ich das zweite Auge auf keinen Fall spiegeln. Das menschliche Gesicht ist nicht absolut symmetrisch, deshalb sind unterschiedliche Gesichtsseiten sogar erwünscht.

Shonen-Auge von vorne in drei Schritten - Aufgeweckter Blick

Auch beim Portraitzeichnen gilt: Jeder Mensch hat einzigartige Augen. Zeichne deshalb viele verschiedene Augen. So baust du dir eine innere Bibliothek auf und kannst dir leichter eigene Augenstile ausdenken.

Dieses Auge ist von dem Manga "Naruto" inspiriert. Es ist ein schönes Shonen-Auge. Beachte im Vergleich zu den vorherigen Shojo-Augen, wie eckig die Augenlider und die Augenbraue sind. Die Pupille ist sehr klein. Dies erweckt den Eindruck, dass die Person mit diesen Augen sehr aufgeweckt und voller Energie ist.

Die Augenbraue ist nicht so geschwungen wie beim Shojo-Auge. Der Blick ist fokussiert und die Augenbraue schiebt sich nach links über das Auge. Zeichne dieses Auge zur Übung, eine Skizze reicht.

Erwachsenes Manga-Auge von vorne - kühler Blick

Natürlich ist nicht das Auge erwachsen, sondern der Charakter, der dieses Auge hat XD Spannend, wie man sich einen Charakter nur anhand des Auges vorstellen kann. Dadurch, dass die Pupille und die Iris kleiner sind als bei den vorherigen Augen, wirkt das Auge erwachsener.

Das Auge sieht auch kalt aus. Das liegt daran, dass fast die Hälfte der Iris und der Pupille vom Oberlid verdeckt wird. Außerdem ist die Augenbraue sehr kantig und kräftig.

Versuche auch dieses Auge zu zeichnen. Schau dir deine Augenzeichnungen am nächsten Tag an. Hat es geklappt? Es müssen keine exakten Kopien sein. Wichtig ist, dass du die Stimmung, das Wesen des Auges gut eingefangen hast. Haben die Augen, die du gezeichnet hast, erkennbare Unterschiede? Wenn nicht, frage jemanden, ob du meine Augenzeichnungen gut getroffen hast. So lernst du immer besser zu sehen und zu zeichnen.

Level 2: Ein Manga-Auge von der Seite ohne Perspektive zeichnen lernen

Von der Seite ist das Manga-Auge gar nicht so einfach zu zeichnen. Die Herausforderung besteht darin, die Pupille zu zeichnen. Von vorne ist die Pupille und die Iris rund, aber von der Seite ist sie total zusammengedrückt.

Außerdem liegt die Pupille nicht außen am Auge, sondern etwas innen (siehe obere Reihe). Wenn die Pupille außen ist (untere Reihe), sieht es eher puppenhaft und etwas leblos aus. Manga Anime- und Mangastile zeichnen ihre Augen auf diese Weise, aber man muss es bewusst einsetzen. Manchmal passt es zum Stil, aber meistens wirkt es unnatürlich.

Kawaii Manga Auge von der Seite zeichnen

• Schritt 1: Zeichne zuerst das (wirklich große) Auge von der Seite. Es ist runder als das realistische Auge. Zeichne dann die Lidfalte und die Augenbraue. Sie verlaufen ziemlich parallel zueinander. Die Nase ist relativ klein, nach oben gezogen und liegt auf der Höhe des unteren Augenlids. Je tiefer du die Nase zeichnest, desto erwachsener wirkt die Figur.

• Schritt 2: Jetzt kommt der schwierige Teil. Die Iris. Aus dieser Perspektive sieht sie aus wie ein Oval, aber leicht nach links gewölbt. Probiere es aus, vielleicht klappt es beim ersten Mal. Ich habe ein paar Versuche gebraucht.
• Schritt 3: Ich habe dir zwei Möglichkeiten gezeichnet, wie eine Pupille von der Seite aussehen könnte. Mit einem Lichtpunkt. Für welche du dich entscheidest, ist deine Sache. Und es ist nur zur Orientierung. Die eine Pupille ist kleiner, die andere ziemlich groß. Beides funktioniert, finde ich. Die kleine Pupille sieht etwas realistischer aus, während die große Pupille, die ich auch koloriert habe, puppenhafter aussieht. Aber auch süßer. Es bleibt also deinem Geschmack überlassen, wie du die Pupille zeichnest. Wichtig ist nur, dass die Pupille nicht zu kugelrund wird, sondern ein längliches Oval.
• Schritt 4: Das ist der spaßigste Schritt - einfach ausmalen XD Die Augenfarbe kannst du wirklich frei wählen. In Anime und Manga gibt es keine Grenzen.

Fokussierte, erwachsenere Anime / Manga Augen von der Seite zeichnen

Um etwas Abwechslung zu bieten, zeige ich dir hier ein erwachseneres Auge. Das Auge ist insgesamt kleiner, die Pupille ist fast nur ein Strich. Das obere Augenlid ist sehr kantig. Die Augenbraue ist hakenförmig.

• Schritt 1: Der Kopf ist leicht nach vorne geneigt (großer blauer Pfeil). Die Einbuchtung zwischen Stirn und Nase liegt direkt vor dem Auge. Das Auge ist sehr eckig und schräg gestellt.

• Schritt 2: Zeichne die Augenbraue, die Lidfalte und die Iris. Die Iris hat bereits eine dreieckige Einkerbung - den Glanzpunkt.
• Schritt 3: Füge nun die Pupille hinzu. Sie sieht aus wie ein dicker Strich. Kein einfacher Strich, aber auch kein Oval. Probiere herum, bis du die optimale Rundung gefunden hast.
• Schritt 4: Die Färbung ist ziemlich selbsterklärend. Achte auf die Schattierung unter der Nase, zwischen Augenbraue und Auge und unter dem oberen Augenlid.

Level 3: Augen in der 3/4-Perspektive zeichnen lernen

Wenn du sicher im Zeichnen von Manga-Augen bist, zeichne sie von vorne und von der Seite. Ohne Perspektive. Dann bist du bereit für die 3/4-Perspektive. Diese schräge Ansicht der Augen ist eine Mischung aus Vorder- und Seitenansicht.

Viele halten diese Ansicht nicht für eine Perspektive. Aber besonders das hintere Auge erfährt eine starke perspektivische Verkürzung. Es wird gequetscht und seine Form verändert sich deutlich in Richtung Frontalansicht. Schau dir dazu die erste Wolke in meiner Zeichnung mit den beiden Pupillen an. Wie unterschiedlich doch Pupille und Iris des linken Auges (von uns aus gesehen) im Vergleich zum rechten Auge sind.

Ein wichtiger Tipp, um beim Zeichnen besser zu werden: Die Perspektive ist nicht so leicht zu konstruieren wie die perspektivlosen Ansichten. Du musst also langsam ein Gefühl für Perspektive entwickeln. Stelle dir dazu eine Figur dreidimensional vor. Wie er oder sie den Kopf zur Seite dreht und wie sich die Form der Augen verändert. Zeichne so viele solcher Ansichten wie möglich. Durch Wiederholung entwickelst du dein Gefühl für perspektivische Verkürzungen und kannst sie immer besser einsetzen.

• Schritt 1: Beginne mit der Augenpartie und den Augenbrauen. Die grüne Linie zeigt die Mittellinie des Gesichts. Beachte, dass Augenbrauen und Augen auf gleicher Höhe liegen. Die perspektivische Verkürzung findet in der Breite statt. Besonders beim hinteren Auge.
• Schritt 2: Füge die Nase, die Iris und die Pupillen ein. Die Nase liegt eng am hinteren Auge an. Die Iris mit der Pupille liegt näher am inneren Augenrand. Die Figur schielt leicht, das wirkt fokussiert und niedlich. Die Pupille liegt etwas weiter rechts in der Iris. Zeichne die Pupille nicht zu weit links. Die Pupille liegt etwas tiefer im Auge und klebt nicht außen am Auge.
• Schritt 3: Schattiere entweder zuerst in Graustufen oder gleich in Farbe. Ich habe mich dafür entschieden, zuerst mit Graustufen zu schattieren (weil ich nicht vorhatte, zuerst zu kolorieren ;D).
• Schritt 3 - eigentlich 4: Koloriere deine Figur. Ich habe mit Procreate auf meinem IPad gezeichnet. Über meine graue Schattierung habe ich einfach Farbe gezogen. Auf die Nase habe ich noch ein Highlight gesetzt, das gibt ein bisschen mehr Dreidimensionalität. Viel Spaß damit! :D

Chibi Manga Augen in der 3/4-Ansicht

Hier kommt eine Ansicht, die es wirklich in sich hat. Es ist eigentlich "nur" eine 3/4 Ansicht. Der Charakter schaut aber leicht nach oben. Und ehrlichgesagt, ich finde ein realistisches Gesicht in dieser Perspektive einfacher zu zeichnen als dieses Manga Gesicht. 

• Schritt 1: Die Augen liegen in diesem Fall nicht auf einer horizontalen Augenlinie. Das hintere, von uns aus gesehen rechte Auge, liegt weiter oben. Das hintere Auge ist gequetschter und nicht so breit wie das vordere Auge auf der linken Seite. Der grüne Hilfslinien-Kasten hilft dir etwas zu orientieren.
• Schritt 2: Zeichne als nächstes die Augenbrauen und den Mund ein. Passe dabei auf, dass diese ebenfalls auf einer schrägen Hilfslinien-Achse liegen. Der rechte Mundwinkel liegt höher als der linke. Die Augenbraue rechts liegt höher als die linke. Parallel zu den Augen.
• Schritt 3: Als letzte kannst du das Gesicht ausarbeiten und feinere Details einfügen. Das ist gar nicht so einfach, weil sogar der Glanzpunkt im hinteren Auge gestauchter ist. Man muss wirklich aufpassen und ständig alles mit perspektivischer Verzerrung zeichnen. Sonst ist die Täuschung der Tiefe schnell verloren. Wenn es nicht ganz klappt, verzweifle nicht, das ist schwer. Hast du gut gemacht! Falls du zufrieden bist mit deiner Zeichnung - auch gut gemacht! 

Level 4: Manga und Anime Augen in Perspektive von oben und von unten zeichnen lernen

Der Blogeintrag wird langsam echt lang und ich höre schon mein Baby schreien. Aber zum Glück habe ich ja schon eine PDF zu "Manga Augen zeichnen in Perspektive" gemacht. Diese kannst du einfach hier kostenlos herunterladen: LINK ZUR PDF

Level 5: Abschlussmotivation

Gut gemacht! Wenn du nur eine Sache aus meinem Tutorial gelernt hast - dann hat es sich schon gelohnt. Sich für jeden kleinen Fortschritt zu loben ist unglaublich wichtig.

Manga-Augen zeichnen ist ein sehr umfangreiches Thema. Es ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint. Ich könnte wahrscheinlich ein ganzes Buch nur über das Zeichnen von Augen schreiben. Aber das wäre vielleicht zu speziell. Will überhaupt jemand so genau zeichnen lernen? Um einen Manga gut zeichnen zu können, muss man wirklich viel lernen. Aber man darf dabei nie den Spaß vergessen. Es macht Spaß, zu lernen und immer besser zu werden. Je länger du zeichnest, desto besser wirst du.

Vergleiche dich nicht mit anderen, jeder lernt anders. Hab keine Angst vor Fehlern. Sie gehören einfach dazu. Wie soll man sonst lernen? Du kannst nicht alles auf Anhieb.

In diesem Sinne, bleib positiv und hab Spaß. Bei Fragen oder Anregungen schreibe mir gerne einen Kommentar unter diesen Beitrag.

Mit kreativen Grüßen

Maxim

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Hoffe dir hat der Beitrag " Manga Augen zeichnen lernen: Die ultimative Profi-Anleitung (+ PDF) " gefallen!

Mit kreativen Grüßen ^^

Maxim

Die 5 wichtigsten Momente in meinem Künstlerleben, um auf  100.000 € im Jahr zu kommen (ohne Social Media)

(Aktualisierung 7.9.2025)

Letztes Jahr, 2024, habe ich die 100.000 € Einkommens-Marke mit meinen Künstler-Jobs geknackt – und dachte mir: Zeit, meinen Blog-Eintrag zu aktualisieren. Denn ich habe einiges dazugelernt!

Das hier ist keine Anleitung, wie du über Nacht 100.000 € verdienst. Und es heißt auch nicht, dass ich jetzt „reich“ bin. Reich wird man durch Sparen und Investieren. Aber dieses Einkommen ist eine solide Basis – und vielleicht hilft dir dieser Eintrag, dein eigenes Einkommen zu steigern.

Warum schreibe ich das überhaupt? Weil kaum jemand so richtig über das Thema Geld spricht. Besonders Künstler nicht. Ich verstehe das nicht! Es ist kein Hexenwerk, aber viele machen es zu einem indem sie irgendwie ihre Zahlen geheim halten wollen und unklare Aussagen über ihren Verdienst machen.

Ich sehe einfach zu viele Grüppchen von Künstler:innen, die zusammen jammern und finanziell kaum über die Runden kommen. Dabei – meine Meinung – ist Deutschland eines der besten Länder, um als Künstler zu leben! Ja, wirklich. Ich habe das selbst erst dieses Jahr so richtig realisiert. Vorher habe ich mich einfach zu doof angestellt, weil es einem ja niemand beibringt. Aber nach 16 Jahren habe ich endlich verstanden, wie der Hase läuft – und vielleicht hilft dir das Wissen auch weiter. Schaden kann es jedenfalls nicht.

Mein Weg war so:

• 8 Jahre volle Pulle Zeichnen lernen (natürlich ohne Studium oder Schule!), bis ich zufrieden mit meiner Kunst war.
• Danach 8 Jahre Marketing und Verkaufen lernen, um von 1.000 € auf 100.000 € im Jahr zu kommen.

Bei mir war das kein Zufall, sondern 16 Jahre Arbeit, voller kleiner Schritte und entscheidender Momente. Ich habe ja auch erst mit 24 meinen künstlerischen Weg gestartet. Schritt für Schritt, ganz bewusst.

Wichtiger Hinweis: Auch wenn ich in meinem Fall beim Eventzeichnen gelandet bin – mein Einkommen kommt nicht hauptsächlich wegen Eventzeichnen. Es gibt viele Eventzeichner:innen, die kaum etwas verdienen. Nur wenige kommen auf so hohe Summen. Der Zeichenskill macht vielleicht 50 % aus – also längst nicht so viel, wie man denkt.

Und jetzt: Hier kommen meine 5 Punkte, die mich zu den 100.000 € gebracht haben. Klingt komisch, oder?XD Denk jedenfalls dran: Gute, nachhaltige Ergebnisse brauchen ZEIT. Nicht zwei, drei Jahre – sondern oft ein ganzes Jahrzehnt. Wenn du dir die Zeit gibst, clever planst und dich stetig verbesserst, erreichst du eine Meisterschaft und Persönlichkeit, mit der du keine Angst mehr vor „Konkurrenz“ (die es bei Künstlern nicht gibt) oder KI haben musst.

Also, legen wir los!

Ich halte mich hier noch relativ allgemein, aber mit konkreten Beispielen. Wenn du Bock auf detaillierte Anleitungen hast, kommentiere diesen Blog-Eintrag oder schreib mir irgendwie – dann weiß ich, dass es jemanden interessiert.

1. Schritt: Entscheidung ein Künstler zu sein

Nun, das klingt vielleicht selbstverständlich. Aber meine Erkenntnis, dass ich wirklich dazu geboren bin, Künstler zu sein – und mich zu 1000 % darauf konzentrieren muss – war entscheidend. Ein Künstlerleben mit dem Ziel, auch Geld zu verdienen, ist kein Ponyhof. Es ist richtig hart, aber gleichzeitig unglaublich lohnenswert.

Ich war und bin immer glücklich darüber, Künstler zu sein. Wenn es mal nicht lief, habe ich nie die Schuld bei anderen gesucht, sondern bei mir selbst. Meine Devise: Läuft es nicht – lernen, anpassen, weitermachen, bis es läuft!

Mit 24 habe ich meinen „sicheren“ Informatikerjob gekündigt und bin all in ins Künstlerleben gegangen. Das war keine einfache Entscheidung – ich musste sogar mehrere Jahre den Kontakt zu meiner Familie abbrechen. Aber für mich stand fest: Ich bin ein Künstler. Punkt.

Vier Jahre lang habe ich unter Existenzangst Tag und Nacht gezeichnet. Danach zwei Jahre durchgeatmet, aber immer weitergezeichnet und geschrieben. Noch ein Jahr intensiv gezeichnet – und dann hatte ich mein persönliches „Wohlfühllevel“ erreicht. Klar, ich werde immer lernen und üben, aber an dem Punkt war ich das erste Mal wirklich zufrieden mit meiner Kunst.

Man muss sich nicht absichtlich in Existenzangst stürzen, um motiviert zu bleiben – aber irgendetwas, das einen antreibt, braucht man. Wie sonst sollte man es schaffen, über Jahre Tag und Nacht nur ans Zeichnen zu denken, um richtig gut zu werden?

Nach diesen acht Jahren voller Lernen, Üben und innerer Entwicklung landete ich schließlich im Wald.

Ich lebte in einer 8er-WG bei Rostock – mitten im Wald. Viel Ruhe, kaum Miete, volle Konzentration aufs Zeichnen. Klingt mega, oder? Ja, war es auch. Aber irgendwann spürte ich: Ich will mehr. Eine Familie, finanzielle Stabilität, die Möglichkeit, meine Liebsten zu unterstützen.

Das war mein Setup damals. Schöne Zeiten – keine Frage! XD

Ich verdiente kaum was, damals machte ich Commissions auf Deviantart. 

Wie kann es sein, dass ich auf diesem Level nur ein paar tausend Euro im Jahr verdiene? Und was checke ich nicht? Irgendwas stimmte nicht. Also auf zum nächsten Schritt!

2. Entscheidung für Geld

Der nächste Schritt war eine innere Klarheit: Ich will mit Kunst gutes Geld verdienen.

Im Nachhinein denke ich mir: Es war so offensichtlich! Tag ein, Tag aus habe ich mir Zeichentutorials reingezogen – aber wie viele Tutorials habe ich mir zum Thema Geld angeschaut? Genau: KEINE! Und dann wundere ich mich ernsthaft, warum ich kein Geld verdiene?!

Geld verdienen ist ein Skill. Genauso wie Zeichnen. Man muss es einfach lernen.

Das änderte alles:

• Weg von reinen Zeichen-Tutorials, hin zu Marketing und Business.
• Verstehen: Geld ist nichts Schlechtes, sondern der Tauschfaktor unserer Welt.
• Fokussieren: Ich verdiene es, mir mit Kunst ein Leben aufzubauen.

Es bringt nichts, sich über die Welt zu beschweren. Sie ist nun mal materiell, und Geld spielt darin eine zentrale Rolle. Ich musste mir erst wirklich Gründe suchen, warum Geld für mich wichtig ist. Denn mein ökonomisches Denken war gleich null – genau deshalb bin ich ja Künstler geworden. ;D Ich wollte Selbstverwirklichung, innere Entwicklung, Meisterschaft im Handwerk, Glück im Inneren. Alles Dinge, die so gar nichts mit Geldverdienen zu tun haben. XD

Künstler:innen sind eben keine geborenen Verkäufer:innen – sonst wären sie keine Künstler:innen geworden. Wenn ich von jungen Leuten höre, dass sie Kunst studieren, um reich und gut im Malen zu werden, muss ich lachen. Naja… eher ein verzweifeltes Lachen. Kunstschulen und Akademien – das ist nochmal ein ganz eigenes Kapitel!

Damals wohnte ich in Rostock. Ganz in der Nähe stand eine riesige Kirche. Ich bin kein Kirchgänger und nicht gläubig, aber das Gebäude hat mich beeindruckt. Genau der richtige Ort, um meine Entscheidung „in Stein zu meißeln“. Ich saß alleine in dieser riesigen Kirche, schloss die Augen und beschloss: Ab jetzt verdiene ich mit meiner Kunst Geld.

ZACK – und es regnete Geld!!! XDDD

Natürlich nicht. Alles braucht Zeit. Aber der Grundstein war gelegt. Mein Denken begann sich zu verändern.

Ich fing an, Marketing-Videos zu schauen und Bücher übers Verkaufen zu lesen. Jedes Mal hatte ich Abneigung und sogar Angst, wenn so ein Sales-Typ über „Verkaufen“ redete. Es war einfach nicht meine Welt. Heute weiß ich: Jeder Mensch hat Stärken. Verkäufer verkaufen, Künstler zeichnen. Man ergänzt sich. Niemand kann alles. Also: Willst du zeichnen lernen – geh zu einem Künstler. Willst du verkaufen lernen – geh zu einem Verkäufer. Künstler bleiben meist in ihrer Künstler-Bubble… und genau da kann niemand verkaufen. XD

Und was mir die Angst genommen hat, wenn Marketer so großspurig von Millionen erzählt haben: Ich muss nicht so krass sein wie sie. Wenn ich nur 10 % davon umsetze, steigere ich mein Einkommen schon deutlich. Und das, dachte ich mir, kriege ich wohl hin!

Schritt 3: Spezialisierung bzw. einen Experten-Status aufbauen

In allen Videos und Büchern tauchte immer wieder derselbe Satz auf: Du musst dich spezialisieren. Du musst ein Experte in einem Gebiet werden.

Und ich dachte nur: Will ich aber nicht!!

Mal zeichne ich dies, mal lerne ich das, am nächsten Tag wieder was anderes. Ich wollte mich doch nicht in meiner künstlerischen Freiheit einschränken!

Aber irgendwann wurde mir klar: Es geht nicht anders.

Das Beispiel, das mir hängen blieb: Wenn jemand Zahnschmerzen hat, geht er nicht zum Allgemeinarzt – er geht zum Zahnarzt. Menschen suchen Spezialisten für ihr spezielles Problem.

Und wenn man als Künstler alles anbietet, bekommt man zwar hier und da ein paar Notaufträge – aber die bringen finanziell kaum etwas.

Es fiel mir wirklich schwer, aber ich habe für mich einen Kompromiss gefunden:

👉 Beruflich bin ich Spezialist.

👉 Privat zeichne ich, worauf ich Lust habe.

Die Frage war nur: Worin will ich Experte sein?

Die Antwort kam eigentlich schnell: Menschen mit Menschen. Besonders Köpfe und Gesichter. Das liebe ich einfach zu zeichnen.

Also schrieb ich ganz fett auf meine Homepage: Ich bin Porträt-Zeichner.

ZACK – regnete es Geld! Hehehe, natürlich nicht sofort. Es dauerte ein paar Monate.

Aber weißt du was? In Deutschland ist das unfassbar praktisch:

• Ich entscheide mich heute, Künstler zu sein → ZACK, bin ich einer.
• Ich entscheide mich, Experte im Porträtzeichnen zu sein → ZACK, bin ich einer. Einfach auf die Homepage schreiben.

Klar, das birgt Gefahren, dass sich wirklich JEDER ein Künstler oder Coach nennen kann. Aber es ist trotzdem meeeeega gut. Mit der KSK, mit den vielen Menschen, die bereit sind, Geld für Kunst auszugeben, und mit der Freiheit, sich selbst zu definieren – Deutschland ist wirklich ein großartiges Land für Künstler. 

Aber gut, erstmal weiter im Text!

4. Job finden, Vertrauen aufbauen, erste Aufträge an Land ziehen

Geht alles parallel, deshalb ist es für mich ein einzelner Punkt. 

So, ich bin nun ein selbsternannter Experte. Toll! Interessiert niemanden! XDD

Also fange ich an überall zu erzählen, dass ich ein Spezialist im Zeichnen von Gesichtern bin. Ich stelle meine Homepage um, ich erzähle in meinem Bekanntenkreis darüber, ich poste nur noch Porträts und Gesichter-Zeichnungen. Noch keine Ahnung wie man damit Geld verdient, aber erstmal die Welt wissen was man bieten kann. 

Und ZACK! Diesmal passt das Zack hahaha Ich war auf einer Hochzeit von Freunden und hab doch geskribbelt, GESICHTER gezeichnet. Und hab denen auch eine Hochzeitskarte gemacht. Da kommt eine Bekannte von dem Brautpaar auf mich zu und fragt: Möchtest du nicht auf meiner Hochzeit zeichnen? Die ist nächste Woche! Wieviel möchtest du für 4h live zeichnen? 

Da bin ich erstmal erstarrt, in meinem Kopf ratterten tausend Sachen: Kann ich das überhaupt? Panik! Wieviel soll ich verlangen? Ich hab das nie gemacht!! Ich muss professionell wirken! Ich brauche langsam Geld!! 

Also stotterte ich ganz leise: 300 €... Wäre das okay? Sie verstand mich erstmal nicht weil es so leise war, aber als ich es nochmal wiederholte, nickte sie nur: Geht klar! Ich freue mich!

Ich bin dann erstmal um die Ecke gegangen und bin zusammengebrochen. Aber so ist der erste Auftrag entstanden. Und ich wusste noch nicht einmal, dass es einen Eventzeichner/Schnellzeichner-Job gibt!!!

Der Job lief gut, ich habe das Geld bar bekommen. Ich habe fast geweint. Ein tolles Gefühl! 

Zu Hause recherchierte ich andere Schnellzeichner, natürlich mir gleich nur die besten rausgepickt, um mich schlecht zu fühlen. Und habe erstmal von ihnen ihre Seiten kopiert! Hahahaha Ich hatte ja keine Ahnung und es ist gut, sich anfangs an Profis zu orientieren. 

In dem Prozess merkte ich, dass ich Rezensionen und Fotos von mir auf Events brauche. Wie das Schicksal so will, heiratete die Schwester einer Freundin meiner Freundin und wir konnten mit! Also Kamera und Zeichensachen eingepackt, alles kostenlos gezeichnet, nen Haufen Fotos gemacht, sich mir eine Rezension machen lassen und alles sofort auf die Homepage geklatscht.

Die Homepage mit dem passenden SEO erstellt. Denn das Internet hat eine eigene Sprache, wenn man Jobs aus dem Internet will, muss man die Internet-Sprache beherrschen. Ich hatte schon immer eine Homepage, das war also kein Problem.

Meine erste Seite war: www.maximo.de/schnellzeichner-rostock Alle, die nach einem Schnellzeichner in Rostock suchen, dürften mich finden. Denn ich habe rausgefunden, dass Leute nach "Schnellzeichner" und die Stadt in der sie ihre Feier haben, suchen. 

Dann schaltete ich eine Google-Ads auf diese Seite mit 1€ am Tag. Und wartete.

Und wartete.

3 Monate! Dann kam die erste Anfrage, dann die nächste und ab da immer weitere. Da wusste ich: Das ist es!!

Sichtbarkeit und Vertrauen. Darauf kam es an. Meine zeichenskills hatte ich schon die letzen 8 Jahre verfeinert, da musste ich nicht viel machen. Aber Sichtbarkeit, um von Kunden gefunden zu werden und Vertrauen, das sie mir sowohl Geld als auch Zeit geben, waren die zwei Sachen, die mir bisher gefehlt hatten und warum ich als Künstler kein Geld verdient hatte.

5. Optimieren & Anpassen

Anfangs war mein Ziel auf 2000 € durchschnittlich im Monat zu kommen. 

Das ging relativ flott mit den kleinen Hochzeiten und Aufträgen, die ich bekommen hatte. 

Ich merkte irgendwann, dass die kleinen Jobs für 2h, mich genauso anstrengten, wie die Jobs in denen ich 8h gezeichnet habe. Bei den langen Jobs aber uuuumso viel verdient hatte. 

Wie ich wusste wieviel ich verlangen konnte? Ich habe andere Schnellzeichner angeschrieben, mich bei ihnen eingeschleimt und so alle Infos bekommen XDD Orientierung ist echt gut wenn man Anfangs keine Ahnung und ganz viele Selbstzweifel hat. Besser jemanden aus seiner Nische fragen, der oder die schon einige Jahre voraus ist.

So entschied ich mich nur noch Aufträge ab min 3h Zeichenzeit anzunehmen. Merkte irgendwann, dass in Mecklenburg-Vorpommern, wo ich agierte, meist die Grenze 500 € pro Event war. 

Als ich eine Exceltabelle mir anlegte und wirklich durchrechnete was ich verdiene, war das garnicht so viel. Wenn ich für ein Event 500 € bekam, waren es eigentlich 250 €. Und es war viel Stress und ich hatte zu viele Anfragen: also, passte ich meine Preise weiter an. Weniger arbeiten, bei mehr Verdienst. Und es klappte!! 

Ein Spruch hat mir immer geholfen zu wissen wann ich meine Preise erhöhen konnte: Wenn man zu viele Aufträge hat, ist man zu günstig, wenn man zu wenige Aufträge hat ist man zu teuer. 

Daran habe ich mich orientiert und konnte meine Preise mit jedem Jahr weiter und weiter erhöhen. Natürlich haben auch einige Kunden verärgert den Hörer hingeschmissen weil ich Ihnen zu teuer war. Und es hat mich oft unsicher gemacht. Aber ich machte es in kleinen Schritten.

Rezensionen einholen, bessere Fotos und Zeichnungen auf die Homepage packen, meine "Über mich"-Seite überarbeiten und meine Präsenz in ganz Deutschland erhöhen. 

Wenn ich zu viele Absagen bekommen hatte, dann wusste ich immer, dass ich an meiner Homepage arbeiten muss und an meinem Verkaufen. 

Das hat sich dann Jahr für Jahr widerholt und irgendwann kam das Baby, unser Baby und ich hatte einen guten Grund meine Preise deutlich zu erhöhen, einfach um weniger wegzufahren und trotzdem 3 Leute über die Runden zu bringen. Dann kam ich auf 100.000 € in einem Jahr mit etwa 50 Events. Also ein Event in der Woche. 

Schlusswort

Als Künstler Geld verdienen bedeutet also nicht nur, gut zeichnen zu können. Mein Fall basiert auf dem Eventzeichnen, weil es zu mir passt. Doch die grundsätzlichen Prinzipien gelten auch für andere künstlerische Dienstleistungen. Es ist immer Vertrauen aufbauen, Experte werden, Sichtbar sein. Und wenn man am Anfang nicht weiß wohin, was meist der Fall ist. Einen Schritt nach dem anderen. Der nächste Schritt ist eigentlich immer klar. 

Hoffe dir hat dieser Auszug etwas Unterhaltung gebracht. Wir ziehen jetzt erstmal nach Japan. Dann muss ich mich umorientieren, weil das Eventzeichnen nicht mehr funktionieren wird. Dort gibt es gute Schulen, sehr viele gute Zeichner:innen und ganz schlechte Bezahlung. 

Aber ich mache mir kaum Sorgen, denn ich muss nur wieder nach dem selben Prinzip vorgehen und solange ich voranschreite, wird sich ein Weg finden.

In dem Sinne:

Ein Künstler in Deutschland zu sein ist eine wirklich tolle Sache und ich bin extrem glücklich darüber ein Freiberufler zu sein. 

Hoffe, es kommt etwas Optimismus in dir auf! 

Und wenn ich in Japan auf, schreibe ich Anleitungen, die mehr ins Detail gehen. 

Mit kreativen Grüßen

Maxim :)

Alter Blogeintrag:

Mawima-Podcast & Blog-Eintrag für Künstler, Kreative und Zeichenbegeisterte.

In dieser 9 Folge geht um das Thema: "Als Künstler Geld verdienen". Ich (=Maxim) habe eine tolle, finanzielle Entwicklung (Erhöhung um 7400%) in den letzten 5 Jahren vollzogen und möchte meine Erkenntnisse mit dir teilen.

Dazuzusagen ist, dass Kunst ein sehr sehr breites Feld abdeckt. Möglichkeiten um mit Kunst Geld zu verdienen (oder nicht zu verdienen) erscheinen mir fast unendlich. Meiner Meinung nach spiegelt die Kunst die Persönlichkeit des Künstlers wieder. Dadurch ist jedermanns Kunst einzigartig, solange sie ehrlich und transparent ausgeführt wird. Und mit dieser einzigartigen Persönlichkeit kombiniert mit Ehrlichkeit und Transparenz kann man auch als Künstler sein Wohlfühl-Gehalt verdienen. Daran glaube ich ganz fest. 

Hinweis: Natürlich kenne ich viele Wege nicht und es ist sehr gut möglich, dass meine Vorgehensweise für dich nicht funktioniert. Deshalb höre dir die Podcast-Folge nicht als meine ultimative Vorgehensweise für ALLE an, sondern als eine Inspiration aus der du dir vielleicht für deinen Weg etwas herausgreifen könntest. Mir macht es einfach Spaß Positives über das Künstlerleben zu erzählen XD Maxim

1. Skills! Also zeichnerische Fähigkeiten :)

Wohl der offensichtlichste Punkt. Ohne relativ gut zeichnen zu können, kann man nur schwer Geld verdienen. Doch vorsicht! "Gut" zeichnen ist bei Kunst, wenn man vom Zeichenstil ausgeht, relativ. Erfolg kann man wie ich finde mit jedem Zeichenstil haben, solange man lernt diesen anderen verständlich zu machen. Manche Kunstbranchen brauchen sehr gute Anatomie-Kenntnisse, dann kann man schon sagen, wer besser oder wer schlechter zeichnet. Aber das ist wirklich, wenn man sich auf einen Kunstbereich fokussiert. Als freiberuflicher Künstler hat man praktisch unendliche Möglichkeiten mit seiner individuellen Kunst Geld zu verdienen.

Egal welchen Stil (abstrakt, realistisch, Manga usw.) man hat, so gibt es schon Regeln für das professionelle Arbeiten. Das Verständnis mit Kunden zu arbeiten, die Fertigkeit seine Kunst verständlich seinen Kunden zu erklären, schnell und effektiv zu zeichnen bzw. zu malen, verlässlich sein und sich konstant entwickeln sind nur paar dieser Fertigkeiten. Dies kann man mit Strichmännchen oder mir hoch realistischen Ölgemälden erreichen. Im professionellen Bereich geht es nicht mehr nur noch ums Zeichnen und Malen. Diese Fertigkeiten auszubauen ist finde ich sehr wichtig, um mit der Zeit sein Wohlfühl-Gehalt zu verdienen.

2. Die Einstellung zum Geld, zu dir selbst und zum Kunden

Ohne die richtige Einstellung bringt das Machen nicht viel. Man erreicht zwar ein Ziel, merkt aber, dass man das "falsche" Ziel erreicht hat bzw. anstrebt. Deshalb ist es wichtig zu überlegen wohin, bevor man losstürmt.

Als Künstler Geld verdienen ist für mich tatsächlich eine spannende Aufgabe, die Interessen in vielen Bereichen voraussetzt. Bei einer Festanstellung nimmt einem das Unternehmen diese Aufgaben ab. Man ist jedoch auch viel eingeschränkter. 

Vor 5 Jahren habe ich noch als freiberuflicher Künstler 75 Dollar für ein digitales Porträt verlangt. Es waren aufwändige, digitale Gemälde für die ich min. 3 volle Tage gebraucht habe. Davon konnte ich nur leben, weil ich für 100 € Miete in einem Wald gelebt habe in einer 8-Personen-WG. Es war schön, aber so wollte ich dann doch nicht ewig leben, vor allem, da ich eine eigene Familie aufbauen wollte.

Das Interessante dabei ist, dass meine Zeichnungen schon eeecht gut waren. Ich hab gute 8 Jahre intensiv zeichnen geübt. Es lag also nicht an meinen zeichnerischen Fähigkeiten. Woran dann? Die Antwort lag auf der Hand: An meiner inneren Einstellung gekoppelt mit Marketing und Verkaufen. 

Also verbrachte ich die letzten 5 Jahre damit nicht an meiner Kunst zu arbeiten, sondern daran zu lernen diese zu verkaufen. Und die Ergebnisse sprechen für sich: ohne sichtliche Verbesserung in meiner zeichnerischen Fähigkeit verdiene ich heute regelmäßig bis zu 1.500 € am Tag. Ein riesiger Schritt im Verdienst, der mir mehr Freiheiten gibt mich, um meine Kunst zu kümmern und eine Familie aufzubauen. 

Die Einstellung zum Kunden

Nach einer Ausstellung mit mehreren Künstlern saßen wir alle zum gemeinsamen Quatschen. Und alles worüber sich die Künstler beschwert haben waren Kunden, die nicht zahlen wollen. Niemand schätzt ihre Kunst. Menschen sind blind. Alles ist doof, usw.... Ich dachte mir: "Omg, wenn ihr solche Einstellung habt, kein Wunder, dass niemand bei euch kauft."

Kunden spüren, meist unterbewusst, wie man zu ihnen steht. Erwartet man perfekte Kunden, die seine Kunst lieben, ist die Wahrscheinlichkeit sehr viel höher, dass man auch solche bekommt.

Sollte man als angehender Künstler sofort viel verlangen, schließlich muss man von etwas leben?

Nun, wie viel man verlangt ist wohl immer ein aktuelles Thema beim Künstler. Ich habe mich auch zu diesem Thema öfters gestritten. Oder besser: ich wurde von anderen Künstlern intensiv belehrt. 

"WIE KANNST DU NUR SO WENIG VERLANGEN?!? Du machst den Markt kaputt!!!"

Hmm, ich weiß was sie mir damit sagen und ich weiß, dass es theoretisch so stimmt. Aber es sind meist Schul- oder Studien-Abgänger, die nicht viel Erfahrung von der Berufswelt haben. Und theoretisch haben sie recht. Ich finde, dass es praktisch jedoch (für mich) so nicht funktioniert.

Ein Spruch nach dem ich mich orientiere ist: 

Wenn man zu viele Aufträge hat, dann verlangt man zu wenig, wenn man zu wenig Aufträge hat, dann verlangt man zu viel.

Ich habe immer erst wenig verlangt bis ich genug Aufträge hatte, dann habe ich die Preise erhöht. Ich sehe bei vielen Künstlern, dass sie von Anfang an ihre Preise hochstellen, keine Aufträge bekommen und dann aus dem meckern gar nicht mehr rauskommen.

Meine Einstellung zum Thema "Geld"

Schon recht früh in meiner letzten 5-Jahres-Phase korrigierte ich meine Meinung über das Thema "Geld". Geld an sich ist nichts Negatives. Ich habe sonst immer gedacht: Die Menschen, die viel Geld haben sind böse. Geld ist böse, weil es den Charakter verdirbt. Kunst ist brotlos. Alles negative Glaubenssätze, die mich daran gehindert haben mehr Geld mit meiner Arbeit zu verdienen. Warum sollte Geld zu mir "kommen" wenn ich schlecht davon denke? Hehe sehr abstrakt. Man kann das alles jedoch auf konkrete Beispiele ausbauen, erklären und lernen. Es ist dann bloß viel komplexer XD

Meine Stärken und Schwächen

Als Zweites habe ich gelernt was meine Stärken und Schwächen sind. Zuerst zu meiner Person und dann zu meiner Kunst. Sobald ich mich selbst besser kannte, war es viel einfacher zu entscheiden in welche Richtung ich mit meiner Kunst gehen möchte, mit welchen Kunden ich arbeiten möchte, wie viel ich arbeiten und wie viel ich verdienen möchte, um ein glückliches Künstlerleben zu führen. Mit einem klareren Weg und Ziel kam auch klarer das Geld.

Marketing und Verkauf

Als Drittes habe ich Marketing und Verkaufstechniken gelernt. Dabei meine ich nicht diese manipulativen Schatten-Techniken. Verkaufen ist für mich die Fähigkeit seine Individualität und seine Andersartigkeit den Kunden zu kommunizieren. Ja, es geht um Kommunikation! Verkaufen ist kommunizieren und das kann gelernt werden. 

3. Sichtbar sein für potentielle Kunden

Mein alter Zeichenmeister hat mir erzählt wie er vor vielen Jahrzehnten seine Kunst verkauft hat: Er ist von Tür zu Tür gegangen und hat seine Bilder angeboten. Heute wird es wohl nicht mehr so gut funktionieren.

Außerdem finde ich ist es viel angenehmer, wenn man nicht auf Kunden zugeht, sondern Kunden auf einen zukommen. Dann ist man in einer viel angenehmeren Position zum Verhandeln. Dafür ist es aber auch wichtig online sichtbar zu sein.

Mit Sichtbarkeit meine ich nicht Millionen Follower zu haben. Es reicht Anfangs völlig aus eine Homepage und paar gepflegte Social Media Profile zu haben. Dabei ist es wichtig, dass man klar kommuniziert, wer man ist und was man anbietet. Kunden wollen dich finden!

Entweder erreicht man durch gutes SEO und Google-Ranking viele Zugriffe auf seine Angebote oder man investiert etwas Geld in Werbung. Beides hat für mich super funktioniert.

Natürlich ist es wieder etwas abhängig von der Künstler-Branche. Manchmal reicht es ein gutes Portfolio zu erstellen und sich in Unternehmen zu bewerben. Da hilft Sichtbarkeit für das Verhandeln, aber ist nicht unbedingt nötig.  

Meinen größten AHA-Effekt hatte ich als ich vor wenigen Jahren mit dem Schnellzeichnen angefangen habe. Ich konnte zwar zeichnen, hatte aber keine Erfahrung im Eventzeichnen. Da kam die Hochzeit einer Freundin super gelegen. Kostenlos habe ich auf der Hochzeit gezeichnet, ließ mich Fotografieren und sammelte Erfahrung und Rezensionen. Recht schnell erstellte ich dann eine Homepage, schaltete eine Werbung auf Google und in nur wenigen Wochen trudelten die ersten Aufträge ein. Mit etwas mehr Erfahrung positionierte ich mich deutschlandweit und bin nun das ganze Jahr ausgebucht. Da dachte ich mir nur: "Das funktioniert ja wirklich!!"

Meine Freundin ging einen etwas anderen Weg, sie arbeitet als Compositing Artist. Als sie neu in diese Branche eingestiegen ist, hat sie auch eine Homepage erstellt. Sie hat jedoch zusätzlich viel persönliches Networking gemacht. Sie ist in die näheren großen Städte gefahren auf Treffen von Künstlern, die in der Branche arbeiten. Über diese Treffen lernte sie viele zukünftige Kollegen kennen und kam auch so an ihre Jobs. Bei ihr ist ihre Homepage und ihr Profil auf LinkedIn wichtig, aber nicht ihr Hauptgrund für ihre Jobs.

Es gibt wie gesagt unterschiedliche Wege und auch sehr introvertierte Künstler können sichtbar sein, ohne sich zu verbiegen. Irgendwie muss man Vertrauen zu Kunden aufbauen und das schafft man soweit ich weiß nur durch Persönliches. 

Ein Künstler, der sich in seinem dunklen Zimmer vesteckt und darüber meckert, dass niemand seine Kunst kauft, wird auch kaum seine Kunst verkaufen können ;)

Das waren meine goldigen Tipps!

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Viel kreative Zeit wünscht dir:

Maxim

www.maximko.de

Was sind eigentlich Fehler? Fehler beim Porträtmalen mit Öl macht man normalerweise dann, wenn man Ergebnisse bekommt, die man so nicht haben wollte. Alles andere ist Geschmackssache. Dabei ist das Fehlermachen manchmal gar nicht so schlecht. Denn wir kennen alle die Redensart, dass man aus Fehlern lernt, und das trifft natürlich auch beim Malenlernen zu. Sie können uns also weiterbringen. Manchmal passieren sogar äußerst glückliche Fehler: Wir bekommen etwas, das wir zwar nicht eingeplant hatten, das wir letztendlich aber richtig klasse finden und auf das wir gar nicht gekommen wären, wäre es nicht zufällig passiert. Hab also keine Angst vor Fehlern – sie sind nicht immer schlecht! Sieh die folgenden Fehlerwarnungen daher eher als Empfehlungen an, die ich dir aufgrund meiner langjährigen Praxiserfahrung geben kann. Hier kommen 5 Fehler, die du vermeiden kannst.

Fehler 1: Umfangreiche Palette

Wer das erste Mal Ölfarben einkauft, steht oft vor einer riesengroßen Auswahl an verschiedenen Farbtönen, schaut dann auf die Preise, die auf den jeweiligen Schildchen stehen, und ist schnell überfordert oder sogar entmutigt. Dabei ist es ein Trugschluss zu glauben, dass man möglichst viele verschiedene Farbtöne braucht. Das Gegenteil ist der Fall! Das Malen mit Ölfarben zu erlernen, bedeutet vor allem auch, das Mischen von Farbtönen zu erlernen. Es gibt wunderbare, bunte Ölporträts (im Gegensatz zu monochromen), die nur mit drei verschiedenen Farbtönen plus Weiß entstanden sind. Man nennt diese Vorgehensweise, eine reduzierte Palette benutzen. Die meisten Künstler*innen verwenden aber eine Basispalette von vielleicht 5-10 Grundfarben. Auf jeden Fall empfehle ich dir, mit wenigen Farbtönen (= Farbtuben, wie du sie im Handel kaufen kannst) zu beginnen und lieber Wert auf gute Qualität zu legen. Die Eigenschaften der wenigen einzelnen Töne solltest du eine Weile lang gut kennen lernen, bevor du weitere nach und nach dazunimmst (oder auch nicht). Das schont nicht nur dein Budget, sondern es hilft dir am Anfang auch, das Mischen besser zu erlernen. Leider gibt es nicht die eine empfehlenswerte Palette, die ich dir deswegen hier empfehlen möchte. Dazu ist zum einen die Auswahl der Farbtöne viel zu umfangreich und zum anderen hat jede Künstlerin und jeder Künstler ihre oder seine persönlich bevorzugte Zusammenstellung. Vielleicht kannst du in einem Anfängerkurs zunächst die dort vorgegebene Palette benutzen. Oder du kaufst dir ein Anleitungsbuch und übernimmst den Vorschlag darin. Oder du suchst dir auf Instagram oder YouTube deine*n Lieblingskünstler*in aus und orientierst dich an ihr oder ihm.

Fehler 2: Zu wenige Farbtöne

Quasi das Gegenteil von Fehler 1 ist genausowenig empfehlenswert: nur die wenigen Farbtöne aus deinen Tuben, die du gekauft hast, nebeneinander zu malen, ohne neue Farbtöne zu mischen. Wir denken oft in Klischees und malen „weiße“ oder „schwarze“ Gesichter und sehen dabei nicht, wie unzählig viele Farbtöne und Farbnuancen unsere Haut hat. Für mich war es vor vielen Jahren als Anfängerin ein Schlüsselerlebnis, dass Grün und Lila Farbtöne sind, die auch im Gesicht vorkommen. Auch fällt das Licht ja immer wieder anders auf die Figur und es gibt vielleicht manchmal einen eher kühlen Schimmer auf der Haut oder manchmal einen eher goldigen. Wer das Mischen erlernt, kann auch mit wenigen Farbtönen wunderbar vielfältige, farbliche Akzente setzen. Vor allem aber solltest du dir beim Porträtmalen mit Öl viel Zeit fürs Hinschauen nehmen. Je mehr du dich auf die Details einlässt, desto mehr wirst du entdecken. Ein kleiner Tipp am Rande: Viele Anfänger*innen sehen erst später, dass der Augapfel fast gar nicht weiß ist.

Fehler 3: Hautfarbe kaufen

Für Anfänger*innen sieht der Farbton „Hautfarbe“ sehr verlockend aus. Aber ich rate entschieden davon ab. Der Farton „Hautfarbe“ ist eine Illusion. Denn es gibt den einen Hautton, der für alle passt, nicht. Auch dann nicht, wenn du andere Farben damit vermischt.

Fehler 4: Schwarz auf der Palette

Kaufe für das Malen von Porträts kein Schwarz! Schwarz hat die Eigenschaft, alle anderen Farben beim Mischen eher schmutzig aussehen zu lassen. So ist schnell etwas auf der Leinwand passiert, was du wirklich nicht wolltest, und du gibst das Weitermalen des Bildes vielleicht vorzeitig auf. Es ist stattdessen möglich, durch Mischen anderer Farbtöne sowohl graue als auch schwarze Farbtöne zu erzeugen. (Du brauchst daher auch für andere Sujets als Porträts nicht unbedingt Schwarz.)

Fehler 5: Braun auf der Palette

Dieser Fehler ist nicht im engen Sinne ein Fehler, sondern eine Empfehlung: Kaufe keine Farbtuben mit Erdtönen für das Malen von Porträts oder verwende diese nur äußerst sparsam. Wenn du dich in Mischtechniken einarbeitest, wirst du feststellen, dass du auch Erdfarben wunderbar mit anderen Farbtönen erzeugen kannst. Teste zum Beispiel einmal ein Kadmiumorange mit einem Ultramarinblau! Das Ergebnis ist ein warmes Braun. Manche Künstler*innen möchten auf bestimmte Erdtöne, zum Beispiel Lichter Ocker, nicht verzichten. Aber du brauchst sie wirklich nicht unbedingt. Du kannst so zum einen dein Budget schonen. Zum anderen ermöglicht dir der Verzicht auf Erdfarben und die Reduzierung deiner Palette auf wenige andere Farbtöne ein reineres Ergebnis beim Mischen von Farben und wenige Verschmutzungen. Verwende reine Erdfarben daher am besten, wenn nötig, nur für zum Beispiel späteres Akzentuieren und Lasieren bestimmter Partien.

Fehler 5: Linien malen

Diesen Fehler machen nicht nur Ölmaler*innen. Aber er ist so unglaublich wichtig beim realistischen Porträtieren, dass ich ihn hier unbedingt erwähnen möchte. Du musst dir immer wieder ins Gedächtnis rufen, dass es im unserem Gesicht keinerlei Linien gibt! Alles besteht aus großen oder auch winzig kleinen Rundungen. Stelle dir beim Malen einfach vor, dass du das Gesicht in 3-D mit den Händen formen würdest, das hilft dir, Linien zu vermeiden. Übergänge von einer Partie zur nächsten sind nicht durch abgrenzende Linien gekennzeichnet, sondern gehen sacht ineinander über, sind also fließend.

Schlusswort

Ich persönlich liebe Ölfarben! Sie sind so unglaublich vielfältig und bei der Beschäftigung mit verschiedenen großen Künstler*innen entdecke ich immer wieder Neues. Wichtig ist, dass man sich zu Beginn eine gute Basis verschafft, bevor man anfängt zu experimentieren. Geduld am Anfang zahlt sich auf lange Sicht bei der Ölmalerei auf jeden Fall aus.

© Seona Sommer | Atelier SommerKunst & SommerKunstBlog, 2020

Homepage: www.ateliersommerkunst.de

Instagram: www.instagram.com/seona.sommer

Fünf Fehler, die du beim Porträtmalen mit Öl vermeiden solltest

Dieses Tutorial habe ich ursprünglich in 2015 erstellt. Damals auf Englisch, da ich so viel auf Deviantart war und gaaanz viele digitale Fantasy-Portraits gezeichnet habe. Dabei habe ich ein Wacom Intous 3 verwendet. Heute bin ich stolzer Besitzer eines Wacom Cintiq Pro 24 HD und einer aktuelleren Adobe Photoshop CC 2020 Version. Aber der Ablauf des Zeichnens hat sich bei mir nicht geändert. Deshalb kommt hier mein "Haare digital zeichnen"-Tutorial auf Deutsch.

Tipp: Adobe Photoshop CS2 gibt es kostenlos zum Herunterladen! Z.B. hier bei Chip: Link. Diese Version deckt ganz viele Funktionen von Photoshop ab und eignet sich super, um sich mit dem Kreativ-Programm vertraut zu machen ohne Geld auszugeben.

Pinsel-Download und Photoshop-Einstellungen

Hauptsächlich benutze ich die beiden digitalen Standard-Pinsel von Photoshop: "Rund weich" und "Rund hart" für das Zeichnen von Haaren. Diese sind von Haus aus bei Photoshop dabei. Ich passe nur die Pinselhärte und die Pinsel-Optionen für Pinsel-Deckkraft und Pinsel-Größe an.

Zusätzlich habe ich den "Rough Dry Brush", der Haare super nachbildet. Alle drei habe ich dir hier als Download bereitgestellt: Pinsel-Herunterladen.

Haare digital zeichnen Schritt-für-Schritt

Die Grundform zeichnen/malen

Im ersten Schritt zeichne ich die Form der Haare in einem Haarton. Dabei benutze ich den Pinsel "Rund hart" mit der Pinsel-Härte-Einstellung auf 16%. Das macht den Rand des Pinsels nicht so hart und der Rand der Haar-Form hat eine leichte Unschärfe. Dadurch haben die Haare eine natürliche Tiefe. Hätten die Haare jetzt schon eine scharfe Kante, würden sie wie ausgeschnitten und sehr comichaft wirken. Der Grundton ist braun, nicht zu hell, nicht zu dunkel, damit ich danach gut Schatten und Licht setzen kann.

Im Schritt zwei benutze ich den "Rough Dry Brush" um Rundlichkeit in die Form der Haare zu bekommen. Wichtig! Ich achte erstmal nicht auf einzelne Härchen, sondern sehe die Haare als eine gesamte Form. Als wären sie aus Ton und würden den Kopf umwickeln. Details für Haarsträhnen kommen erst zum Schluss. Wobei der "Rough Dry Brush" schon in seiner Form Strähnen andeutet. 

Hinweis: Wenn du meine Zeichnung genauso nachzeichnen möchtest, mach ruhig einen Screenshot von dem Bild oder lade es dir herunter. In Photoshop kannst du dir dann mit dem "Pipette-Werkzeug" die Farben, die ich benutzt habe auswählen.

Ausarbeiten und einzelne Haarsträhnen hinzufügen

Im dritten Schritt benutze ich weiterhin den "Rough Dry Brush" und "verschmelze" das Licht und den Schattenbereich. Dabei strichel ich mit dem Pinsel ohne stark aufzudrücken, bis sich ein schöner Verlauf gebildet hat. Wichtig dabei ist die Striche in Richtung der fallenden Haare zu setzen. Benutze regelmäßig die Pipette, um Farbe aus deiner Zeichnung zu greifen und so Verläufe zu schaffen. Damit die drei-dimensionale Form bestehen bleibt beachte, dass die Haare einen Helligkeitsverlauf brauchen. Unten sind die Haare am dunkelsten, nach oben hin werden sie immer heller, in der Mitte sind sie am hellsten und dann werde sie wieder dunkler am oberen Haupt.

Der vierte Schritt macht mir am meisten Spaß. Jetzt zeichne ich einzelne, dünne Haarsträhnen hinzu. Diese sind deutlich, deshalb ist die Härte-Einstellung auf "49%". Ich benutze den "Rund hart"-Pinsel und stelle die Pinseleinstellungen "Immer Druck für Deckkraft verwenden" und "Immer Druck für Größe verwenden". Beim Striche ziehen drücke ich mal stärker, mal schwächer auf. Und bekomme so dynamische Haar-Linien. Diese setze ich besonders an der hellsten Stelle der Haare und am Rand der Haare.

Hinweis: Sehe Haare als eine Gesamtheit. Zeichne einzelne Haare erst dezent zum Schluss. Einzelne Haar Linien sind eher eine "dekorative Ergänzung".

Ein weitere Schritt für Schritt Anleitung mit einer anderen Frisur

Schritt 1: Umrisslinien-Skizze zeichnen

Erstmal das Model skizzieren. Ich verwende hierfür eine Foto-Referenz. Ich finde es sehr wichtig von Foto-Vorlagen oder aus der Realität zu lernen. Kombiniert mit Aus-dem-Kopf-Zeichnen-Übungen ist es die effektivste Methode, um schnell besser im Zeichnen zu werden. Finde ich :)

Schritt 2: Basisfarben und -formen zeichnen

Für die Haare, das Top und die Haut verwende ich separate Ebenen in Photoshop. Diese befinden sich unter der Ebene mit der Skizze. Hier kann ich einfach ausmalen.

Schritt 3: Licht und Schatten

Ich benutze wieder meinen Lieblings-Pinsel "Rough Dry Brush" und zeichne Licht und Schatten ein. Noch relativ grob, aber doch so, dass die Haare an Volumen gewinnen. Das Licht kommt von oben links. Deshalb ist der hell-dunkel Verlauf der Haare von oben-links nach unten-rechts. Je weiter die Haare von der Lichtquelle sind, desto dunkler mache ich sie. 

Für das Ausmalen der Haare nutze ich eine Ebenen-Schnittmaske in Photoshop. In Schritt 2 habe ich die Basisform gemalt (base). Über dieser Ebene lege ich eine weitere Ebene (colour) an. Für Licht und Schatten. Dann halte ich die Alt-Taste gedrückt und klicke mit der Maus zwischen die beiden Ebenen. Es entsteht eine Schnittmaske und sieht wie in meinem Screenshot bei Schritt 3 aus (siehe unten). Damit kann ich nicht mehr über den Rand der Haare zeichnen und kann mich was Licht und Schatten angeht austoben.

Schritt 4: Unschärfen einfügen

Die Haare sehen noch recht hart-kantig aus. Wie ausgeschnitten (Siehe Schritt 3). Ich füge alle Ebenen der Haare zu einer zusammen. Um etwas Weichheit und Unschärfe an den Rändern der Haare hinzufügen benutze ich das Weichzeichner-Werkzeug. Die Haare wirken nun viel weicher und bekomme mehr Tiefe.

Schritt 5: Feine Haar-Strähnen hinzufügen

Dafür benutze ich den Pinsel "Rund hart", setze die Härte auf 64% und aktiviere die Pinsel-Eigenschaften "Immer Druck für Deckkraft verwenden" und "Immer Druck für Größe verwenden". Die feinen Haare haben vor allem am Rand der Frisur eine starke Wirkung. Immer noch parallel zur Frisur zeichnen und nicht an jeder Stelle. Damit die Haare nicht zu wüst aussehen.

Schritt 6: Haar-Ansatz und Farbbalance anpassen

Vielleicht ist es dir schon aufgefallen, dass (z.B. im Schritt 5) das Gesicht und die Haare noch nicht so ganz zusammen gehören. Das liegt an der harten Kante zwischen den Haaren und dem Gesicht. Vorallem beim Haaransatz ist es wichtig eine Unschärfe einzufügen. Dafür benutze ich den Pinsel "Rund weich". Die Farben, die ich am Haaransatz vermische sind die Haarfarbe und Orange. So entsteht der Eindruck von durchscheinender Haut. Als wären die Haare an der Stelle nicht so dicht. Sind sie ja auch nicht, ist der Haaransatz ;)

Als letzten Schritt mache ich die Farbe in der gesamten Figur etwas rötlicher. Dadurch passt die Zeichnung der Figur besser zum Rosa-Hintergrund. Dazu gehe ich in Adobe Photoshop auf Bild -> Korrektur -> Farbbalance und ziehe den Regler in Richtung Rot. Farben verhalten sich dynamisch und ihre Wirkung hängt stark von den Farben in der Umgebung ab. Deshalb hilft hier nur probieren. Spiele mit den Einstellungen, bis es für dich gut aussieht.

Tipp: Eine Person nimmt die Farbe des Hintergrundes auf. D.h. verteile die Farbe des Hintergrundes auf deinem Portrait und die gesamte Komposition wird sich harmonischer anfühlen. 

Ich hoffe, du hattest Spaß beim "Haare digital zeichnen"-Tutorial!

Schreib mir, ob ich auch ein Video-Tutorial davon gerne hättest :D

Viel Spaß beim Zeichnen! :) 

Maxim

Wie wichtig ist der richtige Ausdruck des Mundes/Lippen bei einer Zeichnung?

Mund und Lippen zeichnen ist technisch gesehen nicht schwer. (Außer man möchte sie hoch Realistisch zeichnen) Für die Grundlagen genügen 3 Linien. Was schwer ist und viel Übung bedarf ist es den richtigen Charakter eines Mundes zu erkennen und zeichnerisch wiederzugeben.

Die drei verschiedenen Lippen bei gleichem Gesicht unterscheiden sich nicht nur in der Breite, sondern auch in der Fülle und in der Dominanz der Unter- bzw. der Oberlippe:

Beim mimischen Ausdruck von Gefühlen nehmen die Lippen als sichtbare Umrandung des Mundes eine herausragende Stellung ein. Die Abbildung eines Lippenpaares ohne Gesicht genügt in vielen Fällen, um den Gesichtsausdruck eines Menschen zu erraten: So sind etwa hochgezogene Mundwinkel meist ein Anzeichen für Freude, gerade oder herabgezogene Mundwinkel ein Anzeichen für Trauer. Diese Tatsache bildet die Grundlage einfacher Zeichnungen von Kleinkindern und Piktogrammen wie Smileys und Emoticons. Die ganze Bandbreite möglicher Gesichtsausdrücke allein durch die Lippenstellung wird deutlich in künstlerischen Formen wie Porträts und Comics und in psychologischen Untersuchungen von Emotionen und Körpersprache. - Quelle Wikipedia

Anleitung: Mund und Lippen zeichnen Schritt für Schritt

Aus der Ansicht von vorne fange ich gerne mit der inneren Mund-Linie an. Ich vergleiche sie mit einem fliegenden Vogel. So habe ich früher Möwen, die weiter wegflogen, gezeichnet. An dieser Linie treffen sich die Ober- und Unterlippe. Da kommt kaum Licht hin, deshalb ist diese Linie stärker und dunkler als die Umrandung der Ober- und Unterlippe.

Wichtiger Hinweis: Beachte, dass ich die Linien der Lippen nicht durchgehend zeichne. Es sind immer kleine Freiräume zwischen den Linien. Dadurch gewinnt die Mund-Zeichnung an Räumlichkeit und Realismus. Ein Mund, dessen Linien keine Freiräume haben sieht wie ein aufgeklebter Kussmund aus. Deshalb: Lass die Linien Platz zum Atmen! :) 

In diesem Tutorial gehe ich mehr auf die Lippen ein als auf den Mund und dessen Umgebung. Dies hat einfach den Grund, dass ich hier mit schwarzen Linien arbeite und die Umgebung der Lippen vereinfachen muss. Würde ich mit einer starken Linie das Philtrum, die Nasolabialfalte oder die horizontale Kinnfalte andeuten, würde es die Figur stark älter machen. Dafür eignen sich Bleistiftzeichnungen besser, da man leichtere Verläufe machen kann und somit Formen sanfter andeuten kann.

Nichtsdestotrotz ist mir bewusst wie der Mund und dessen Umgebung anatomisch aufgebaut ist. Weglassen heißt nicht Nicht-Wissen. Ich finde um richtig vereinfacht zeichnen zu können, sollte man realistisch Zeichnen lernen. Mir hat es auf jeden Fall geholfen :)

Lippen werden oft als Symbol für Sinnlichkeit angesehen. Dies hat vielfältige Ursachen, unter anderem, dass sie als Tastorgane besonders empfindlich sind und sich angenehm weich anfühlen. (Quelle: Wikipedia)

Wann ist ein Mund groß und wann klein?

Beim Portrait-Zeichnen orientiere ich mich an der Mitte der Augen bzw. den Pupillen der Augen, um die Position des Mundes zu analysieren. Bei einem Gesicht von vorne zeichne ich dafür von den Pupillen aus zwei senkrechte Linien. Falls der Mund über diese Hilfslinien reicht weiß ich, dass es ein eher breiter Mund ist. Falls er schmaler als die Hilfslinien ist, dann habe ich einen kleinen Mund vor mir. 

Bei der Breite der Nase haben wir uns an den Innenseiten der Augen orientiert. Die Augen waren auch da der Ausgangspunkt. Deshalb ist es wichtig nach der Kopfform, die Position der Augen zu bestimmen. Danach hangelt man sich von den Augen aus weiter zur Nase, dem Mund, dem Kinn, den Ohren usw. Aber das ist nur ein Vorgehen, das ich im Potrait-Zeichnen gelernt habe. Man kann sich natürlich auch eigene oder andere Verknüpfungspunkte suchen.

Dominiert die Unterlippe oder die Oberlippe? Oder sind beide ähnlich?

Auch wenn man ein Portrait von vorne zeichnet, es ist super wichtig sich die gezeichnete Person von der Seite anzusehen. Denn da sieht man deutlicher wie das Verhältnis zwischen Ober- und Unterlippe ist. 

Eine hervorstehende Oberlippe (unten-mitte) kann zwei Gründe haben: Entweder ist der Kiefer mit der Unterlippe fliehend oder die Oberlippe drängt sich "unnatürlich" nach vorn. In dem Beispielbild unten-mitte ist es ein fliehendes Kinn. Auch wenn es in einer Zeichnung von vorne schwer zu sehen ist, sollte es zeichnerisch dargestellt werden. Denn es ist eine markante, visuelle Eigenschaft der gezeichneten Person. Im Manga wird sehr gerne diese Lippen-Konstellation verwendet. Wirkt einfach friedlicher. 

Eine hervorstehende Unterlippe (unten-rechts) ist in dieser Zeichnung nicht nur weiter vorne, sondern auch grösser als die Oberlippe. Sieht schon unruhiger aus, zugleich jedoch dynamischer und aktiver. 

Auch beim Mund und Lippen zeichnen ist genaue Beobachtung wichtig! Sonst tendiert man dazu immer die gleichen Lippen zu zeichnen.

Mund/Lippen: Charakter und Übung

Ich habe schon am Anfang erwähnt: Lippen haben ihren eigenen Charakter. Um dies zu üben, lohnt es sich eine Zeit lang nur Lippen zu zeichnen. Keine Lippen gleichen den anderen! Versuch die Unterschiede zu erkennen und diese zeichnerisch wiederzugeben.

Charakterstarke Lippen werden deine Portraits- und Charakter-Zeichnungen für Manga, Comic, Concept Art oder realistisches Zeichnen enorm aufwerten.

Ein Zeichen-Tipp: Lege die Oberlippe in Schatten, dann sehen die Lippen automatisch drei-dimensionaler aus und gewinnen an Tiefe. Dies hat den einfachen Grund, dass das Licht ja meist von oben kommt und die Unterlippe erleuchtet, während die Oberlippe mehr im Schatten liegt.

Der Mund ganz unten rechts ist ein wie ein Strich. Kaum Lippen vorhanden. Wirkt sehr hart und bedrohlich im Vergleich zu den anderen Lippen, findest du nicht?

Extra: Mund in Perspektive von unten

Besonders, wenn man Lippen in Perspektive zeichnet, ist es wichtig die Anatomie des Mundes zu lernen. Dafür ist es besser realistischer zu zeichnen und zu schattieren. Später kann man viel einfacher mit einer vereinfachten Linien-Zeichnung arbeiten. 

Ein Grundsätzlicher-Tipp: Wechsel zwischen vereinfachtem und realistischem Zeichnen-Üben hin und her. So wirst du dich schneller verbessern. Die beiden unterschiedlichen Zeichenstile ergänzen sich gegenseitig.

Ein Tipp zum perspektivischen Zeichnen: Wenn du Lippen von unten zeichnest, betone die Oberlippe, wenn du die Lippen von oben zeichnest, betone die Unterlippe. Mit "Betonen" meine ich nicht extra größer machen, ich meine, dass man die Ober- oder Unterlippe deutlicher sieht. Schau dir eine Person von oben an, die Oberlippe ist kaum sichtbar, stimmts?

Ich wünsche dir viel Spaß beim Mund und Lippen zeichnen!

Nächste Schritte für dich

Hoffe, der Beitrag hat dir gefallen und du konntest etwas Nützliches für dich lernen. Ich habe Spaß daran meine Kenntnisse und Erfahrungen im Zeichnen zu teilen.

Wenn du dein Wissen ausbauen willst, findest du hier den nächsten Schritt:

Alle Porträt-Tutorials im Überblick →

Meine Porträt-Akademie im Überblick →

Mich würde es sehr freuen Feedback zu bekommen. Teile gerne meine Beiträge, das unterstützt mich in meiner Arbeit.

Viele kreative Grüße und bis zum nächsten Mal! :)

Maxim

P.S.: Ich habe auch einen Youtube-Kanal, besuche mich gerne dort und übe mit mir Zeichnen ^^

Warum das Gesicht das Herz deines Mangas ist

Unser Blick geht immer zuerst ins Gesicht. Ob Emotionen, innere Konflikte oder Sympathie – kleine Details wie ein Mundwinkel entscheiden darüber, ob ein Leser mitfühlt oder wegsieht.

Manga ist dabei kein starrer Stil, sondern eine riesige Welt von extrem realistisch bis stark vereinfacht. Doch eines verbindet sie alle: Das Verständnis der anatomischen Grundlagen.

Schritt für Schritt: Einzelne Gesichtsbestandteile meistern
Bevor wir den gesamten Kopf konstruieren, schauen wir uns die Bausteine an: Augen, Nase, Mund, Ohren und Haare.

Wichtig: Lerne diese zuerst in den Standardansichten (vorne, seite, 3/4). Perspektive ist im Kern "nur" eine Verzerrung dieser Ansichten. Wenn die Basis sitzt, folgt der Rest von ganz allein.

Legen wir los!

Der Flow-Faktor: Haare lebendig zeichnen

Einer der häufigsten Fehler beim Zeichnen von Manga-Haaren ist es, zu früh in Details zu denken. Wenn du jede einzelne Haarsträhne sofort zeichnest, wirkt die Frisur schnell wie " Stroh " oder Draht. Siehe Haare nicht als einzelne Strähnen sondern als ein Gesamtgeflecht. Die äussere Form der Frisur ist am wichtigsten und sollte eine dicke Linie haben.

Achte ausserdem darauf: Die Manga Frisuren brauchen Abstand zum Kopf, sie verschmelzen nicht mit der Kopfhaut. Gib der Frisur Luftigkeit und Volumen.

Mein 5-Schritte-Haare-Tutorial:

1. Wenn du Haare zeichnest, dann stelle dir vor wo sie anfangen und wohin sie gehen. In genau dieser Reihenfolge ziehst du auch deine Striche. In diesem Fall teilt sich die Frisur oben am Kopf, deshalb fließen die einen Strähnen nach links weg und die anderen Strähnen nach rechts.
2. Zeichne erstmal Strähnenverbund, als wäre es längliches Papier, das im Wind flattert. Übe die Verdrehungen, die entstehen. Strähnen überlappen sich.
3. Gib als nächstes den "Papier-Strähen " haarige Enden, indem du das Ende in kleine Strähnchen aufteilst. Wichtig: Die Strähnchen zeigen nicht alle in die gleiche Richtung sondern flattern wild umher.
4. Nun zeichnest du mit dünnen Linien fine Strähnen in die groben Formen, die vorbereitet haben, ein. Das Zusammenspiel aus dicker Linie und dünner Linie ist wichtig!
5. Nun kannst du super die Outlines kolorieren. Ich habe den Haaren erstmal eine Basis-Dunkelheit gegeben und an verschiedenen Stellen Lichtreflexe eingebaut.

Maxims Tipp: Zeichne die Linien aus dem ganzen Arm heraus, nicht nur aus dem Handgelenk. Nur so bekommst du diesen langen, eleganten Schwung, den man aus Profi-Anime kennt.

Ohren zeichnen: Der „9er-Trick“ für die Konstruktion

Das Ohr wirkt oft kompliziert, lässt sich aber mit einem einfachen Trick auf vier Grundformen reduzieren. Die Basis für jeden Manga-Stil ist auch hier die reale Anatomie.

In 4 Schritten zum perfekten Ohr:

• Die Form (Die 9): Skizziere eine „9“. Sie bildet den perfekten Rahmen für die äußere Form des Ohrs.

• Die Helix: Zeichne den äußeren Rand (Helix) ein, der dem Ohr seine Stabilität gibt.

• Der Ohrdeckel (Tragus): Dieser kleine Vorsprung schützt den Gehörgang und ist essenziell für die Tiefe.

• Die Antihelix: Vervollständige das Innenleben mit der Y-förmigen Antihelix, um das Ohr dreidimensional wirken zu lassen.

Du willst noch tiefer in die Anatomie eintauchen? In meinem Porträt-Guide erkläre ich dir, wie du [charakterstarke Ohren zeichnen] kannst, um deinen Figuren noch mehr Individualität zu verleihen – egal in welchem Stil.

Tutorial: Manga Augen zeichnen lernen

Für Manga Augen zeichnen habe ich einen komplett eigenen Blog-Eintrag gemacht:

Mund & Lippen: Mehr als nur ein Strich

Im Manga wird der Mund oft auf eine einzige Linie reduziert. Doch damit diese Linie „richtig“ sitzt, musst du das Volumen der Lippen darunter verstehen – besonders, wenn sich das Gesicht dreht.

Mund von vorne (3 Schritte):

• Die Basislinie: Wir definieren die Breite und die Mundwinkel. Mich erinnert diese Form an einen fliegenden Vogel in der Ferne.
• Die Lippen-Andeutung: Oberlippe nur eine dünne Linie und für die Unterlippe ruhig eine dickere Linie verwenden, um gleichzeitig etwas Schatten anzudeuten.
• Das Finish: Glanzpunkt, das Philtrum und eine Linie für das Kinn. Schon etwas zu realistisch für Manga, aber weglassen kann man immer. ;) 

Mund von der Seite / Profil (4 Schritte):

• Das ist die eigentliche Herausforderung! Im Profil ist der Mund kein gerader Strich.
• Die Treppe: Die Oberlippe steht meist etwas weiter vor als die Unterlippe.
• Die Einbuchtung: Achte auf den Winkel zwischen Nase, Lippen und Kinn (die sogenannte E-Linie).
• Die Mundspalte: Sie verläuft leicht schräg nach hinten in das Gesicht hinein.

Maxims Tipp: Zeichne den Mund im Manga nie als geschlossenen „Kasten“. Lass die Linien atmen. Oft wirkt ein Mund viel natürlicher, wenn die Linie in der Mitte oder zu den Winkeln hin dünner wird oder ganz verschwindet.

👉 [Zum Deep-Dive: Mund und Lippen zeichnen lernen]

Die Nase: Der unterschätzte Anker im Gesicht

Viele Anfänger haben Probleme mit der Nase: Entweder sie wirkt wie ein Fremdkörper oder sie verschwindet komplett. Dabei ist das Prinzip dahinter erstaunlich simpel, wenn man die realistische Basis versteht.

Wie du in meiner Grafik siehst, unterscheiden sich die Nasen optisch massiv – von einem winzigen Punkt bis hin zur markanten Seinen-Nase. Doch sie alle nutzen denselben „Cheat-Code“:

• Die Nasenlinie: Sie definiert den Nasenrücken oder die Nasenspitze.
• Die Schattenkante: Erst durch den Schatten (meist unter der Nase oder an der Seite) weiß unser Auge, dass die Nase aus dem Gesicht „herausragt“.
• Von Real zu Manga: Die realistischste Nase in der Grafik (links oben) ist dein Lehrer. Wenn du verstehst, wie das Licht auf eine echte Nase fällt, kannst du entscheiden, welche Linien du für einen minimalistischen Manga-Look weglässt und welche du behältst.

Maxims Tipp: Zeichne die Nase im Manga-Stil lieber etwas zu dezent als zu dominant. Im Zweifel reicht oft ein kleiner Schattenwurf an der Unterseite aus, um dem Gesicht sofort die nötige Dreidimensionalität zu geben. Charaktere mit kleinen Nasen wirken süßer, während Charaktere mit einer markanten Nase mit einem deutlichen Nasenrücken eher strenger und erwachsener wirken.

Die Nase definiert den Charakter. Wenn du lernen willst, wie du von der anatomisch korrekten Nase zur perfekten Manga-Vereinfachung gelangst, schau dir meinen Deep-Dive zum Thema [Nasen zeichnen lernen] an.

Manga Gesichter zeichnen: Die Unterschiede zwischen Chibi, Shojo und Seinen

1. Chibi Gesichter: Minimalismus mit großer Wirkung

• Schritt 1 & 2: Wir nutzen die Kreis-Methode. Die Augenbrauen liegen auf der Hälfte, die Augen im mittleren Drittel der unteren Hälfte, die Nase auf Höhe der unteren Lider. Denkt an den Abstand: Ein Auge passt genau zwischen die Augen! Der Mund eher näher zur Nase als zum Kinn.
• Schritt 3 & 4: Die Kieferlinie wird leicht eckig, der Hals schmal und organisch. Ohren liegen etwas unter den Augen. Die Haare beginnen wir am Scheitelpunkt des Kreises – so bekommt die Frisur natürliches Volumen. Achte bei Haaren stets auf gebogene, fließende Linien.
• Schritt 5 & 6: Jetzt wird es dreidimensional! Dicke Außenlinien (Outlines) für die Form, dünne Linien für die Haarsträhnen. Mal die Haare in Farbe oder grau aus und gib ihnen einen unterbrochenen Lichtring. Schatten im leichten Grau unterhalb der Haarsträhnen, unterhalb des oberen Augenlids und unterhalb des Kinns. Fertig! ^^

Shojo-Mädchen (Profil-Ansicht) in 14 Schritten

• Schritt 1: Basiskonstruktion mit einem Kreis und die Einteilung der Proportionen. Beachte: Deine Zeichnung des Kreises muss keinesfalls perfekt sein! Ich hab das am Ipad gezeichnet und habs nur perfekt wegen dem Vorzeigen gezeichnet. Aber auch ich zeichne wabbelige Kreise und das reicht völlig aus. :)
• Schritt 2: Zeichne erstmal die Umrisslinien des Gesichtes im Profil. Beachte wo die Nase anfängt! Lass dem Charakter gaaaanz viel Stirn, damit sie süß aussieht. Die Nase steht etwas weiter hervor als die obere Lippe und die untere Lippe und das Kinn ist noch ein Stückchen weiter hinten bzw. links. 
• Schritt 3: Nun kommt das Auge von der Seite. Beachte, dass die Iris und die Pupille stark gestaucht sind. Die Position des Auges ist etwas näher zur Nase als zur senkrechten Mittellinie des Kreises. Mund und Nasenloch kannst du auch andeuten.
• Schritt 4: Das Ohr liegt auf der Höhe des Auges und setzt an der senkrechten Mittellinie des Kreises an.
• Schritt 5: Hals und Schultern - beachte dass die Rückenlinie relativ gerade nach unten verläuft, während die Brustlinie nach aussen geht.
• Schritt 6: Zeichne die Aussenlinie der Frisur ein, beachte, dass die Haare etwas Abstand zum nackten Schädel haben. Haare haben ja eine gewisse Dicke und sollen nicht an der Haut kleben. ;)
• Schritt 7 & 8: Zeichne die restlichen Strähnen ein, die über dem Gesicht liegen. Achte stets auf lebendige und fließende Linien damit die Haare natürlich aussehen.
• Schritt 9: Füge nun ganz dünne Strähnchen ein, die auch ausserhalb der Frisur-Form rumflattern. Dieser Wechsel aus dicken und dünnen Linien bringt super viel Tiefe und Lebendigkeit in die Zeichnung.
• Schritt 10: Füge Schatten entlang der Strähnenlinien ein, unterhalb der Strähnen auf dem Gesicht und unter dem Kinn. Dadurch kommt bereits viel 3-Dimensionalität.
• Schritt 11: Die Schatten liegen auf einer oberen Ebene und addieren sich durch den Ebenen-Effekt "Multiplizieren " auf die Basis Helligkeit/Dunkelheit, die du den Haaren und der Kleidung hinzufügst.
• Schritt 12: Ein Lichtstreifen auf den Haaren bringt dem kawaii Manga-Charakter noch mehr Lebendigkeit und Energie. Fertig ist die Zeichnung. :D

Seinen-Stil: Ein Mann in der 3/4-Ansicht

Wenn du einen erwachsenen, ernsthaften Look für deine Charaktere suchst, ist der Seinen-Stil dein Ziel. Hier verlassen wir die extremen Vereinfachungen von Chibi oder Shojo und tauchen tief in die reale Anatomie ein.

Bemerke insbesondere die Position der Augen. Bei Chibi waren die Augen recht weit unten im Gesicht, bei Shojo waren die Augen mittig und bei Seinen sind die Augen im oberen Bereich des Gesichtes!.

Lass uns zuammen einen Seinen Mann in 8 Schritten zeichnen:

1. Die Konstruktion: Das Kinn ist super dominant, der Kreis der Vorzeichnung verhältnismäßig klein. Dies sieht schon realistischer nach einem Skelett-Kopf aus oder einem Motorradfahrer mit Helm.
2. Die Augen kommen ÜBER die Mittellinie! Dadurch wirkt der Charakter erwachsener und realer. Achte bei der 3/4-Ansicht darauf, dass die hintere Gesichtslinie viel schmaler ist. Somit ist das hintere Auge ebenfalls gestaucht.
3. Die Augen sind relativ klein, die Augenbrauen sind breit und über den Augen gezogen. Dadurch wirkt der Charakter ernster und stärker.
4. Mit dünner Linie kannst du die Seite der Nase einzeichnen. Dadurch ist die Nase dominanter und der Charakter realistischer. Der Haaransatz braucht auch nur eine dünne Linie, die immer wieder unterbrochen sein darf. Sonst sehen die kurzen Haare so angeklebt aus. ;)
5. Hals und Nacken sind massiv austrainiert. Orientiere dich beim zeichnen des Halses am Kopf und betone die Halsmuskulatur.
6. Das Licht kommt von links, also ist die rechte Seite des Kopfes im Schatten. Der Schatten zeigt die dreidimensionale Form des Charakters, deshalb achte genau auf die Grenzen der Schatten.
7. Hier habe ich nur den Haaren einen Dunkelwert gegeben.
8. Im letzten Schritt kannst du ein weiteres Schatten-Level hinzufügen. Dadurch bekommt der Charakter zusätzliche Tiefe. Auf der Unterseite der Nase, unter dem Kinn, hinter dem Ohr und bei den Augen. Fertig! ^^

Damit dein Manga-Gesicht nicht flach wirkt, ist das Setzen von Licht und Schatten entscheidend. Ich nutze hier oft harte Schattenkanten, um die Plastizität zu erhöhen. Wenn du die Grundlagen des Schattierens von Grund auf meistern willst, schau dir meinen Guide [Schatten zeichnen: Grundlagen für Manga & Realismus] an.

Character Design: Vielfalt durch verschiedene Kopfformen

Wenn jeder Charakter in deiner Story gleich aussieht, wirkt die Welt schnell flach. Spannende Teams leben von Kontrasten. Der Schlüssel dazu liegt in der Abkehr vom "Standard-Gesicht ".

Spiel mit den Grundformen:

• Nutze einfache geometrische Formen wie Kreise, Quader oder Dreiecke als Basis für deine Köpfe. Eine breite Kieferpartie (Quader) wirkt oft maskulin und stark, während eine spitze Kinnlinie (Dreieck) eher Dynamik oder List signalisiert.
• Konstruktion als Orientierung: Methoden wie die Loomis-Methode sind super, aber sie sind kein Gefängnis. Löse dich regelmäßig vom exakten Abmessen.
• Intuition statt Mathematik: Zeichne eine ungewöhnliche Form und lass dich inspirieren: Welcher Charaktertyp könnte dazu passen? Ein dickerer Hals, eine hohe Stirn oder ein fliehendes Kinn?

In meinen Kursen trainieren wir bewusst diesen Blick für Individualität. Nur wer lernt, die Regeln der Konstruktion zu biegen, erschafft wirklich einzigartige Manga-Charaktere mit Wiedererkennungswert.

Köpfe im Raum: Die Macht der Perspektive

Manga Köpfe zeichnen in Perspektive - Grundlagen:

Sobald sich ein Charakter neigt oder wir ihn aus einem extremen Winkel betrachten, versagen einfache 2D-Hilfslinien. Um die Dreidimensionalität zu verstehen, nutzen wir Robo-Blöcke. Sie helfen dir, das Gesicht nicht als flache Zeichnung, sondern als Objekt im Raum zu begreifen.

Froschperspektive (Blick von unten):

Wenn wir zu einem Charakter aufschauen, wird die Unterseite des Kiefers und der Nase sichtbar. In 4 Schritten siehst du hier das Prinzip: Die Augen und der Mund rutschen innerhalb der Form nach oben, während wir die untere Fläche des "Blocks " deutlich sehen.

Vogelperspektive (Blick von oben):

Schauen wir herab, sehen wir mehr vom Oberkopf. Das Gesicht wandert optisch nach unten. Die Abstände zwischen Nase und Kinn wirken verkürzt. Dieser Blickwinkel eignet sich hervorragend, um Charaktere verletzlich oder nachdenklich wirken zu lassen.

Maxims Tipp: Stell dir die Augen und den Mund wie Aufkleber auf einem Karton vor. Wenn du den Karton kippst, verzerren sich die Formen mit. Wer das Block-Prinzip beherrscht, kann später jeden komplexen Manga-Kopf in jeder beliebigen Pose zeichnen.

Fortgeschritten: Manga Mädchen - Die 3/4-Untersicht von unten

Diese Perspektive ist der ultimative Test für dein räumliches Verständnis. In der Grafik siehst du den gesamten Prozess: Wir starten mit unserem Robo-Kun-Hilfskopf, um die Neigung der Flächen im Raum festzulegen.

Worauf du in diesem Tutorial achten solltest:

• Die Basis: Der Robo-Block hilft dir zu sehen, wie viel Unterkiefer und Halsansatz sichtbar sind. Beachte wie hoch oben die Augenlinie ist und wie wenig Stirn man sieht.
• Die Verzerrung: Beachte, wie Augen, Nase und Mund der Aufwärtswölbung der Hilfslinien folgen. Abstände verkürzen sich perspektivisch, je weiter sie "oben " liegen.
• Der Kinn-Bereich ist der größte Bereich dieser Perspektive. Schattiere den unteren Bereich des Kiefers, um die Perspektive zu verstärken und zeichne keinesfalls die Nase und den Mund zu weit unten, sonst machst du die Perspektive kaputt.

Studiere die einzelnen Phasen der Grafik genau – vom ersten "Block-Gefühl " bis zum fertigen, schattierten Manga-Mädchen.

Mimik & Gestik: Charaktere zum Leben erwecken

Ein Gesicht ohne Ausdruck ist nur eine Maske. Erst die Mimik erzählt uns, was im Inneren deines Charakters vorgeht. Um ein überzeugendes Lächeln zu zeichnen, musst du verstehen, wie sich die Muskeln im Gesicht verändern.

Anatomie der Freude:

Wie du im Vergleich (Grafik unten) siehst, verändert ein echtes Lächeln das gesamte Gesicht:

• Mund: Die Mundwinkel wandern nach oben.
• Augen: Das untere Augenlid hebt sich und wölbt sich nach oben, wodurch die Iris leicht verdeckt wird. Die Augen wirken glänzender.
• Brauen: Die Augenbrauen entspannen sich oder heben sich leicht an der Innenseite.

Die Macht der Stufen:

Freude hat viele Gesichter – vom schüchternen Grinsen bis zum ekstatischen Jubel. Meine Chibi-Beispiele zeigen, wie du diese Stufen staffelst. Kombiniere Mimik immer mit Gestik! Hände, die „Toll gemacht!“ rufen oder die Wangen berühren, verstärken die Emotion massiv.

Maxims Tipp: Lege dir eine Sammlung von Gesichtsausdrücken (Expression Sheet) an. Je mehr Nuancen du beherrschst, desto lebendiger wird deine Geschichte. 

Wenn dich Manga zeichnen lernen interessiert, findest du in der Manga-Anleitung eine übersichtliche Schritt-für-Schritt-Einführung.

Über 1.000 Kursteilnehmer haben mit Maxims strukturiertem System angefangen – starte auch du in der Manga-Zeichenschule.

Wünsche viel kreative Freude! :D

- Maxim

Warum fängt man beim Zeichnen eines Gesichtes meist mit den Augen an? Wie zeichnet man Augen?

Geht es dir genauso? Du zeichnest vielleicht noch eine Grundform des Gesichtes und schon fängst du mit den Augen an? Bei mir ist es jedenfalls so! Augen zeichnen ist beim Gesicht meine Nr. 1 Priorität! Wenn die Augen passen, dann erstrahlt die gesamte Zeichnung. 

Beim Sprechen mit einer Person wandert unser Blick automatisch zu den Augen. So auch bei einer Zeichnung. Man sieht in die Augen und nimmt die anderen Gesichtsmerkmale (Nase oder Ohren) aus den Augenwinkeln an. 

Die Augen verleihen deinem Portrait oder deiner Gesichts-Zeichnung Leben. Deshalb ist es so wichtig Augen ausdrucksvoll und charakterstark zu zeichnen. 

Als Porträt-Zeichner geht es mir bei der Frage "Wie zeichnet man Augen?" nicht nur um das Zeichnen eines Auges, sondern um den Charakter eines Auges. Schließlich soll es auch nach der gezeichneten Person aussehen.

Wenn du lernen willst, wie Augen in ein glaubwürdiges Gesicht passen, lies auch meinen Beitrag Gesichter zeichnen lernen.

Tutorial: Ein junges versus altes Auge

Mit dem Alter lässt die Elastizität der Haut um das Auge nach und die Elastizität der Augenlinse. Damit unser Auge auf unterschiedliche Entfernungen scharf sehen kann, muss sich seine Linse verformen können. Darüber hinaus wird das Auge im Alter trüber. 

Zeichnerisch fällt es oft schwer ein "altes" Auge zu zeichnen. Vorallem, wenn man vereinfacht mit schwarzen Linien zeichnet. Besonders wichtig ist die Form des Auges, dass das Gewebe über dem Auge sich über das Auge zieht. Oder die Falten unter und seitlich vom Auge. Aber Achtung! Keine durchgezogenen Linien zeichnen. Den Falten-Linien schön viel "Luft zum Atmen" lassen. 

Das Oberlid, die Pupille, die Iris, die Bindehaut und das Unterlid sind wichtige Begriffe des Auges, die ich in diesem Beitrag immer wieder aufgreifen werde.

Unten siehst du ein Schnellportrait von mir, das ich auf einer Messe von einer Kollegin gezeichnet habe. Ich wollte die Dame nicht zu jung zeichnen, jedoch auch nicht zu aufdringlich mit den Falten im Gesicht sein. Denn die Gezeichnete sollte sich wohl mit der Zeichnung fühlen und sich trotzdem erkennen. Das Alter dieser Frau habe ich fast ausschließlich nur über die Augen-Zeichnung dargestellt. Die Falten zwischen dem Nasenflügel und dem Mund habe ich nur angedeutet. Sehr unauffällig und doch mit Wirkung. Doch (fast) alles dreht sich um das Auge. 

Die Gezeichnete und ich waren sehr zufrieden mit dem Portrait! Hab etwa 8 Minuten dafür gebraucht. Digital auf meinem Tablet. 

Anleitung: Das Auge Schritt für Schritt

Bei Gesichter-Zeichnen-Grundlagen scheint vielen das Augen zeichnen am meisten Spaß zu machen! In meinen Zeichenkursen sah ich sehr oft Teilnehmer und Teilnehmerinnen zufrieden an ihren Augen-Zeichnungen tüfteln. Selten sah ich jemanden ein Ohr oder eine Nase stundenlang ausarbeiten. XD

Fünf Tipps zum Augen zeichnen: 

- Zeichne die obere Linie des Auges (obere Bindehaut) dicker und durchgehender als die untere Linie (Schritte 1 & 2)

- Zeichne die untere Linie nicht durchgängig, sondern lass freien Platz an den Seiten (Schritt 2)

- Zeichne die obere Linie des Auges nicht zu rund! Bau eine gewisse "Eckigkeit" ein, sonst sieht es wie ein Fisch aus. 

- Das obere Augenlid hat eine Dicke. Es liegt über dem Auge und wirft einen Schatten auf das Auge. Deshalb kannst du den oberen Bereich der Iris ausschraffieren (Schritt 7)

- Zeichne die Wimpern nicht zu gleich. Lass unterschiedliche Abstände und unterschiedliche Dicken zu. Dann sehen sie weniger künstlich aus.

Tutorial: Männliches Auge vs weibliches Auge

In der vorangehenden Schritt für Schritt Anleitung zeichnete ich ein weibliches Auge. Nun folgend kommen 3 eher männliche Augen. Die obere Augenlinie ist bei ihnen eckiger. Außerdem sind die Augenbrauen eckiger und "wilder". Natürlich könnten diese Augen auch zu Frauen gehören. So wie eher weiblich-wirkenden Augen oft bei Männern zu sehen sind. Ich zeige hier die "Tendenz".

Was ich noch mit diesen 3 Zeichnungen zeigen möchte ist der unterschiedliche Abstand zwischen Augenbraue und Augen. Dieser ist sehr wichtig für den Augenausdruck! Sicherlich hast du schon Menschen gesehen, deren Augen verschlossen wirken und welche deren Augen offen wirken, als würden sie alle visuellen Informationen aus der Umgebung aufsaugen. 

Die Persönlichkeit einer jeden Person spiegelt sich in den Augen wieder. Somit ist jedes Auge einzigartig. Die Aufgabe des Zeichners oder der Zeichnerin ist es bewusst wahrzunehmen welchen Charakter das Auge der gezeichneten Person hat und dies in die Zeichnung einzubauen.

Tutorial: Augen-Hilfslinie und Augen-Abstand

Dargestellt mit der blauen Linie siehst du den Winkel der Augen und die Hilfslinie auf der die Augen liegen. So wie jedes einzelne Auge einen Charakter und einen bestimmten Abstand zur Augenbraue hat, so haben die beiden Augen im Verhältnis zueinander eine Besonderheit. Liegen die Augen auf einer Geraden, liegen sie auf einer gebogenen Hilfslinie nach oben oder nach unten? Das ist wichtig zu sehen, denn es verändert den Charakter der Augen und damit der gesamten Zeichnung enorm. "Wie zeichnet man Augen?" ist damit eine viel komplexere Frage, aber auch eine spannendere.

Der Augen-Abstand gilt als "normal" wenn genau ein Auge zwischen den beiden Augen hineinpasst. Wenn dies nicht der Fall ist, dann stehen die Augen entweder eng zusammen oder weit auseinander. 

Ganz wichtig anzumerken finde ich, dass beide Augen unterschiedlich sind. Entweder kaum merklich oder wie meist recht sichtbar. So kompliziert!! Eigentlich ist es ganz praktisch, denn dann brauche ich nicht zwei gleiche Augen zu zeichnen. Das fällt mir viel schwerer, als zwei leicht unterschiedliche Augen zu zeichnen hahaha

Tutorial: Unterschiedliche Formen der Augenbrauen

Augenbrauen zu zeichnen macht mir super Spaß! Wobei ich lange Zeit viele Schwierigkeiten hatte. Meine Augenbrauen haben einen recht großen Abstand zu meinem Auge. So habe ich in meinen Zeichnungen immer einen großen Abstand eingezeichnet. Auch, wenn ich versucht habe die Augenbraue ganz nah ans Auge zu bringen. Ich hatte irgendwie einen inneren Widerstand. Ich habe mich zu sehr selbst in meinen Zeichnungen gezeichnet!

Heute habe ich weniger Probleme damit. Liegt wohl einfach daran, dass ich tausende an Menschen live porträtiert habe XD

Dasselbe Gesicht mit unterschiedlichen Augenbrauen. Was für ein großartiger Unterschied in ihrem Charakter! Zeichnen lernen macht mir einen riesigen Spaß wegen der Möglichkeiten, die man damit hat. Man kann fast alles kreieren, was man möchte!

Zeichen-Übungen: Das Auge von der Seite und das Auge in Perspektive

Suche dir am besten im Internet Augen-Aufnahmen aus verschiedenen Winkeln und zeichne diese ab. Das habe ich auch hier gemacht. Oft hilft es "Gesicht von unten" oder "Gesicht von oben" zu suchen. Dann findet man zwar immer ein gesamtes Gesicht, aber die haben ja auch Augen ;)) 

Beim Gesicht in Perspektive ist es besonders wichtig auf die Dicke der Bindehaut zu achten. Diese habe ich für dich rosa gefärbt. Von unten siehst du die Dicke des oberen Augenlids und von unten die Dicke des unteren Augenlids.

Hat dir der Beitrag gefallen und konntest du etwas lernen? 

👉 Willst du nicht nur Augen, sondern komplette Porträts zeichnen lernen?

Erfahre hier, wie du Schritt für Schritt Menschen zeichnest:

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Auf ein nächstes Treffen!

Maxim

BONUS - Video " Wie zeichnet man Augen? Tipps & Tricks vom Porträt-Zeichner " zum Mitzeichnen, wünsche viel Spaß ^^

Worauf ein Portrait-Zeichner beim "Nase Zeichnen" achtet!

Ich bin Portrait-Zeichner und werde deutschlandweit von namhaften Unternehmen gebucht, um auf Events Besucher und Kunden zu porträtieren. Ich habe meist nur wenige Minuten um den Charakter einer Person zu erfassen und zeichnerisch darzustellen. Mein Fokus liegt also darin beim Gesichts-Zeichnen das Individuelle in jedem Gesichtszug der von mir gezeichneten Person zu sehen. 

Es bleibt keine Zeit zum typischen Konstruieren des Gesichtes. Wenn ich eine Nase sehe, dann konzentriere ich mich darauf was sie einzigartig macht. Und in diesem Tutorial möchte auf die unterschiedlichen Facetten einer Nase eingehen, um dir bewusst zu machen wie, interessant Nasen sind und wie du damit deine Charaktere und Portraits individueller gestaltest. Und dich von der Standard-Konstruktionsmethode, die du vielleicht aus Zeichenbüchern gelernt hast, löst. Für mehr Abwechslung in deinen Gesichts-Zeichnungen! :)

Wie viel eine Nase doch ausmacht! 

Hier haben wir dasselbe Gesicht mit unterschiedlichen Nasen. Die drei wirken wie drei KOMPLETT UNTERSCHIEDLICHE PERSONEN. Damit siehst du wie sehr die Nase das Gesicht definiert. Kein Wunder, dass Verkleidungskünstler so gerne ihre Nase verändern. 

Bei der Dame unten reichte es tatsächlich nicht aus nur die Nasen zu verändern. Das Gesicht sah "falsch" aus. So wie, wenn wir eine sehr schlecht gephotoshoppte Person auf einem Werbeplakat sehen und sofort denken "Das ist gephotoshoppt!!" Bei ihr habe ich zusätzlich die Augenbrauen angepasst. Passend zur Nase. Sehen wie drei unterschiedliche Charaktere aus. Aber auch etwas wie Schwestern. 

• Anatomisches Verständnis: Das Zeichnen von Nasen erfordert ein grundlegendes Verständnis der menschlichen Anatomie. Dieses Wissen ist nicht nur für das realistische Zeichnen von Gesichtern wichtig, sondern es trägt auch dazu bei, die Struktur und Proportionen des Gesichts als Ganzes zu verstehen.
• Gesichtsausdruck und Persönlichkeit: Die Nase ist ein wichtiger Bestandteil der Gesichtszüge, und ihre Form kann den Ausdruck und die Persönlichkeit einer Figur erheblich beeinflussen. Unterschiedliche Nasenformen können dazu beitragen, Charaktere zu individualisieren und ihre Emotionen auszudrücken.
• Stilisierung und Kreativität: Das Zeichnen von Nasen bietet Künstlern die Möglichkeit, ihren eigenen Stil zu entwickeln und zu experimentieren. Je nach gewünschtem Stil, sei es realistisch, im Manga-Stil oder in der Concept Art, können Künstler die Form, Größe und Details der Nase variieren.
• Menschliche Vielfalt darstellen: Menschen haben unterschiedliche Nasenformen und -größen, abhängig von ihrer ethnischen Zugehörigkeit, ihrem Alter und anderen individuellen Merkmalen. Das Zeichnen von Nasen ermöglicht es Künstlern, die Vielfalt der menschlichen Erscheinung authentisch darzustellen.
• Verbesserung der Fähigkeiten: Das regelmäßige Zeichnen von Nasen ist eine ausgezeichnete Übung, um die allgemeinen zeichnerischen Fähigkeiten zu verbessern. Es fördert das Verständnis für Linien, Formen, Schattierung und Proportionen, die in vielen anderen Aspekten der Kunst von Nutzen sind.
• Teil des Gesamtbildes: Nasen sind ein integraler Bestandteil des Gesichts und tragen zur Harmonie des gesamten Kunstwerks bei. Durch das Zeichnen von Nasen lernen Künstler, wie sie die Gesichtszüge ausbalancieren und die verschiedenen Elemente eines Portraits miteinander in Einklang bringen können.

Die einzelnen Bereiche der Nase

Wie bei allem, das man zeichnen möchte, etwas anatomische Theorie hilft ungemein! Für mich reicht es die Nase in 4 Bereiche einzuteilen. Die Nasenwurzel, den oberen und den unteren Nasenrücken und die Nasenspitze. Jeder dieser Bereiche steht für sich und alle 4 bilden eine einzigartige Nase. Mal eingedrückt, mal ausgebuchtet, mal breit, mal schmal.

Nase zeichnen: Schritt für Schritt Anleitung

Eine klassische Schritt für Schritt Anleitung schien mir hier nicht zu passen. Da die Nase aus so wenigen Linien besteht. In diesem Zeichenstil ;D Deshalb präsentiere ich dir einfach mehrere Ansichten der Nase unterschiedlich gezeichnet. Hier braucht man noch keine Hilfslinien. Ich denke erst, wenn man der Nase Schatten und/oder Farbe hinzufügt lohnen sich Entwicklungsschritte. Aber das sind Themen für andere Kurse oder Beiträge ;D

3 Grundtypen einer Nase

Grundsätzlich habe ich beim Zeichnen 3 unterschiedliche Nasentypen gesehen. Damit kann man schon sehr viele Nasen ohne zu sehr ins Detail zu gehen abbilden. Die "süße" Nase, die gerade Nase und die krumme Nase. In der Realität gibt es natürlich so viele Abwandlungen dieser Nasentypen wie es Menschen gibt. 

Für Manga-Fans: Vielleicht hast du schon bemerkt beim Anime-Schauen oder Manga-Lesen, dass die Hauptcharaktere meist kleine Stupsnasen haben. Etwa so wie die Nase ganz links. Und die Bösewichte haben öfters große, krumme Nasen. Sie schmieden große und weit in die Zukunft reichende Pläne. Die Gefühle ihrer Untergebenen lassen sie kalt. Während die Hauptcharaktere eher sehr spontan entscheiden und die Pläne der "Bösen" durchkreuzen. Spannend! 

Breite und schmale Nasen

Wann ist eine Nase breit und wann schmal? Nun, das ist immer eine Frage der Verhältnisse im Gesicht. Man orientiert sich dabei gerne an der innersten Stelle des Auges und zieht eine Senkrechte nach unten. Wenn eine Nase über diesen senkrechten Linien liegt dann gilt sie als breit. Umgekehrt auch bei einer schmalen Nase. Beim Gesicht geht es um Proportionen und Verhältnisse. Wenn man eine Nase alleine anschaut, kann sie einem breit vorkommen. Aber wenn das gesamte Gesicht im Verhältnis breit ist und die Nase perfekt "reinpasst", dann ist sie eher normal breit. Das gesamte Gesicht ist dann breit.

Beim Porträt ist alles eine "Verhältnis-Frage". Beobachte zuerst das Gesamte des Gesichtes und erst zum Schluss die Charakteristika der einzelnen Gesichtsmerkmale! 

Die Größe der Nase

Auch bei der Größe der Nase gilt den gesamten Kopf zu betrachten! Die Nase kann dir groß vorkommen, aber ist sie es wirklich? Messe ein bisschen nach, vergleiche mit den anderen Gesichtsmerkmalen. 

Hier habe ich Beispiele von einer großen Nase, einer kleinen und einer normal-großen Nase. Die große Nase dominiert das Gesicht. Die Person hat im Verhältnis kaum Kinn. Die kleine Nase (Mitte) verschwindet förmlich im Gesicht. Während die dritte Nase gut in das 1/3-Gesichts-Schema passt. 

Natürlich solltest du nicht gleich mit einem Lineal anrücken. Ich möchte nur deinen Blick dafür öffnen, nicht nur die Nase zu betrachten, sondern auch ihr Umfeld. Und aus den Verhältnissen heraus entscheiden, ob sie klein ist oder nicht. Verlasse dich dabei ruhig auf dein Gefühl! Mit der Zeit bekommst du ein besseres Gespühr für Verhältnisse und dein "Nase Zeichnen" wird sich definitiv verbessern!

Abstehende und anliegende Nasen

Wenn du eine Person von vorne zeichnest lohnt sich ein Blick von der Seite. Oft übersieht man von vorne wie weit die Nase absteht. Seitlich betrachtet wird die Form der Nase nochmal deutlicher und deine Zeichnung wird "passender".

Letztens bei einem Portrait-Zeichen-Auftrag auf einer Messe ist mir genau dieser Fehler unterlaufen: Ich habe die Person nur von vorne angeschaut und habe sofort los gezeichnet. Als ich nach 6min fertig war mit dem Porträt, meinte der Gezeichnete: "Aber meine Nase ist ganz anders!" Ich schaute ihn von der Seite an und tatsächlich! Ich habe seine Nase von vorne völlig falsch eingeschätzt. Ein paar Anpassungen an der Zeichnung (ich habe digital am Tablet gezeichnet) erleichterten den Gezeichneten und er machte zufrieden Platz für den Nächsten. 

Vor allem wenn das Licht nicht gut ist und aus allen möglichen Richtungen die Person bescheint ist es wichtig sich die Zeit zu nehmen die portraitierte Person aus allen Winkeln zu betrachten!

Jedem Charakter seine Nase

Eine Nase allein sagt noch nichts über den Ausdruck eines Menschen. In meinem Beitrag Gesichter zeichnen lernen zeige ich, wie du Nase, Augen und Mund harmonisch kombinierst.

In meinen Kursen zeige ich z.B. anhand von drei unterschiedlichen Charakteren drei unterschiedliche, charakterstarke Nasen. Nasenspitze, Nasenrücken und die Größen der Nasen sind unterschiedlich. Die Nasen verleihen den Charakteren auch ihre Ausdruckskraft. Deshalb lohnt es sich so sehr bewusst unterschiedliche Nasentypen zu kennen.

Übung

Konzentriere dich für eine Woche (oder länger!) nur auf das Zeichnen von Nasen. Wenn du mit jemandem sprichst (besser nicht ;)) starre auf seine/ihre Nase! Welchen Charakter hat diese Nase? Fordere dich selbst heraus und zeichne möglichst viele unterschiedliche Nasen! 

EXTRA: Nase von unten

In dieser Ansicht von unten sieht man von der Nase den Bereich mit den Nasenlöchern und Achtung! Die Nasenwurzel zwischen den Augenbrauen. 

👉 Hier geht’s zur Übersicht mit allen Portraitkursen:

Alle Porträt-Tutorials im Überblick →

Meine Porträt Zeichenkurse im Überblick →

Zeige mir deine Ergebnisse oder gib mir Feedback auf meinem Social Media! Ich würde mich sehr freuen!

Hoffe du konntest aus meinen Grundlagen des Porträt-Zeichnens etwas lernen.

Auf ein nächstes Treffen! :D

Maxim

P.S.: Beim Portrait-Zeichnen ist mir aufgefallen, dass viele sich für ihre Nase schämen. Oder irgendwas daran zu bemängeln haben. Vor allem wenn Frauen größere Nasen haben, dann wollen sie auf keinen Fall von der Seite gezeichnet werden. Denn von der Seite wirkt eine Nase (meist!) größer. Ich habe eine große Nase und früher hat es mir tatsächlich auch was ausgemacht. Heute weiß ich, dass meine Nase mich zu dem macht, wer ich bin und ich liebe es ich zu sein :) :) :) Wie stehst du zu deiner Nase? Und welche Erlebnisse hattest du die Nase betreffend? Schreib mir unter diesem Beitrag als Kommentar! 

Kein Standard-Ohren-Zeichen-Tutorial

Sicherlich hast du schon etliche Zeichentutorials zu Thema "Ohren zeichnen" gesehen. Was mache ich anders? Nun, als professioneller Porträt-Zeichner habe ich gelernt, dass jedes Ohr einzigartig ist. Wenn ich manchmal 100 Leute live an einem Wochenende porträtiert habe, dann war kein Ohr dabei, das dem anderen glich. Hier geht es um die Ausdruckskraft der Formen und Linien, nicht um Schatten.

Mit diesem Tutorial möchte ich deine Aufmerksamkeit und dein bewusstes Sehen auf die unterschiedlichen Charakteristika von Ohren lenken, damit deine Zeichnungen an Individualität gewinnen und deine Portraits die gezeichnete Person besser darstellen.

Für gewöhnlich bekommst du im Unterricht ein "Standard-Ohr" gezeigt. Das ist auch wichtig. Aber die Gefahr ist groß, dass du ab dem Zeitpunkt jedem von dir gezeichneten Gesicht dasselbe Ohr verpasst. So ging es mir viele Jahre! Weil ich nur die Technik für eine einzige Ohrform gelernt habe. 

Deshalb habe ich dieses Tutorial und meine Kurse entwickelt um dir deine Zeichnungen und die deiner Gleichgesinnten Charakter-stärker zu machen.

Dieses Tutorial ist für alle Zeichenstile geeignet. Ob für Manga- oder Comic-Zeichner, Concept Artist, Illustrator, Hobby- oder Profi-Künstler. Auch für Portrait-Zeichner, die realistische Portraits anstreben. 

Vom "langweiligen" zum "spannenden" Ohr

Schauen wir uns die "Standard-Ohr"-Anleitung Schritt für Schritt an. Denn das wird unsere Ausgangsbasis für unsere charakterstarken Ohren sein. Es ist nicht besonders abstehend und nicht besonders anliegend. Es sieht wie ein Henkel an, den man gerne greifen würde. Das Ohrläppchen ist wohlgeformt und nichts an dem Ohr sticht wirklich heraus, denn die Form ist recht "ausgeglichen".

Es ist wichtig sich nicht nur auf das Auge zu verlassen, denn das täuscht uns gerne. Sondern sich auch ein bewusstes Wissen über den Aufbau eines Ohres anzueignen. Man muss nicht alle Begriffe auswendig lernen. Aber allein, dass du von den unterschiedlichen Formen, die das Ohr definieren, gelesen hast, wird dein Zeichnen verbessert. 

Etwas Anatomie und Theorie zu kennen ist super hilfreich, wenn du anderen erklären möchtest wie man Ohren zeichnet. Deine Anleitung hilft außerdem dir selbst, da du durch das Erklären ein tieferes Verständnis erlangst. Probier es aus! Mir hat es immer seeehr geholfen. 

Oft wird das Ohr beim Gesichterzeichnen unterschätzt. In meinem Beitrag Gesichter zeichnen lernen zeige ich dir weiter was Wichtig ist, um treffende Porträts zu zeichnen.

Die 3 Grundbereiche des Ohres

Es macht eigentlich immer Sinn komplexe Formen, die man zeichnen möchte, zunächst zu vereinfachen. Das Ohr lässt sich prima in 3 Grundbereiche aufteilen. Ähnlich dem Gesicht. Beim Ohr kann mal der obere Bereich dominieren, mal der mittlere oder es ist der untere Bereich mit einem grossen Ohrläppchen. Nicht nur, dass ein Bereich hervortritt, die anderen Bereiche treten auch zurück. Die Ohren haben einen völlig unterschiedlichen Charakter, findest du nicht? (Bild drunter)

Abstehendes oder anliegendes Ohr

Du hast schon sicher von abstehenden Ohren gehört, auch "Segelohren" genannt. Aber hast du darauf geachtet, dass das Ohr nicht immer komplett abstehen muss. Manchmal ist es nur eine der 3 Grundbereiche des Ohrs. Beachte wie unterschiedlich das Gesicht wirkt, wenn mal der obere Bereich des Ohrs absteht oder im Gegensatz dazu nur der untere! Diese Ohren habe ich mir nicht ausgedacht, sondern von realen Personen gezeichnet. (siehe Bild drunter)

Position des Ohrs

Nimm dir kurz Zeit und betrachte die einzelnen Kahlköpfe mit den unterschiedlichen Ohrpositionen. Findest du auch, dass obwohl alles, bis auf die Position des Ohrs, gleich ist, jeder Kahlkopf einen anderen Ausdruck hat? Definitiv! Ob das Ohr gerade oder schräg im Gesicht sitzt, macht viel bei einem Porträt aus. Auch ob ein Ohr hoch-angesetzt oder tief-angesetzt ist verändert die Ausstrahlung einer Person. Es ist eben meist nicht so wie bei Standard-Proportionen erklärt wird, dass das Ohr genau die Länge und die Höhe der Nase hat. Hilfslinien helfen die "Energie" des Ohres zu betonen und auch deine eigene Zeichnung Charakter-stärker zu machen. 

Passende Ohren zu unterschiedlichen Charakteren

In meinem Hauptkurs der Porträt Akademie verwende ich drei unterschiedliche Charaktere mit 3 unterschiedlichen Ohren. Beachte wie passend die Ohren zu den Charakteren sind. Würde man die Ohren tauschen, würden sich auch die Charaktere verändern und nicht mehr so ausgeglichen wirken. Im realen Leben gibt es natürlich nicht nur ausgeglichene Gesichter. Es passiert oft, dass ein Ohr irgendwie garnicht zur Person passt. Das macht das Portrait-Zeichnen so spannend! Jedes Gesicht ist eine völlig neue Herausforderung. (im positiven Sinne!) 

Effektives Üben - Ohren zeichnen

Nun hast du die Theorie zum Zeichnen von Ohren erfahren. Zeit die Früchte davon zu tragen und zu testen wie sehr sich dein Zeichnen verbessert hat! Am besten du nimmst dir eine feste Zeit, in der du dich nur auf Ohren konzentrierst. Ein paar Tage oder eine Woche. Zeichne in dieser Zeit, unter der Verwendung meiner Porträt-Zeichen-Checkliste, so viele Ohren wie du kannst. 

Am einfachsten ist sicherlich im Internet Fotos von Menschen herauszusuchen ABER noch lehrreicher ist es, wenn du die Ohren deiner Mitmenschen zeichnest. Analysiere die Ohren deiner Familie, zeichne sie auf und entdecke wie unterschiedlich diese sind. Viele Menschen empfinden es als unangenehm angestarrt, analysiert und gezeichnet zu werden. Um sie nicht zu verscheuchen, musst du einfühlsam vorgehen. Viel Spaß und viel Erfolg!

Extra: Das Ohr in Perspektive

Die Perspektive. Wichtig dabei zu wissen ist, dass alles was vom Betrachter weggeht kleiner wird. Wenn wir von oben auf das Ohr schauen dann sehen wir vor allem den oberen Ohr-Bereich. Das Ohrläppchen ist dagegen (vergleichsweise) recht klein zu sehen. Beim Blick von unten genau anders herum. Das Ohrläppchen wirkt RIESIG um Vergleich zum oberen Ohr-Bereich. 

Tipp: Fotografiere oder lass jemand anders deine Ohren aus unterschiedlichen Perspektiven fotografieren. Drucke diese Fotos aus und pause sie ab. Oder falls du digital mit einem Tablet arbeitest gehts noch einfacher. Abpausen ist eine super Möglichkeit, um zu üben!

👉 Hier lernst du, wie du alle Gesichtsteile zu realistischen Porträts kombinierst:

→  Alle meine Porträt-Tutorials im Überblick

→  Alle meine Porträt-Kurse im Überblick

Fällt es dir schwer Ohren zu zeichnen? 

Ich hoffe du konntest einiges in meinen Grundlagen des Porträt-Zeichnens lernen!

Auf ein nächstes Treffen! :)

Maxim

P.S.: Jeder achtet auf unterschiedliche Gesichtsmerkmale beim Zeichnen oder einfach beim Treffen einer Person. Ich achte tatsächlich besonders auf die Ohren (und die Stirn)! XD Ich weiß auch nicht warum. Ein Freund schaut als erstes auf die Augenbrauen. Super interessant! Worauf achtest du?

P.S.2:

Jobmäßig ein perfekter Abschluss des Jahres. Denn es war eine meiner besten Joberfahrungen überhaupt!

Ich war gebucht von Warner Bros. und NEW LINE Brand Communication an ihrem Game of Thrones Auftritt auf der Comic Con als Schnellzeichner in Dortmund Besucher als GOT-Charaktere live zu portraitieren. Allein der Umstand ist schon beeindruckend, für mich. Aber, dass es dann vor Ort so herzlich, spannend und belohnend sein würde hätte ich mir auch nicht denken können. Diesen Beitrag zu schreiben ist eine schöne Weise das Event zu verarbeiten und zu lernen, was richtig gut war und was ich von meinen zukünftigen Aufträgen als Messlatte nehmen kann.

Die Menschen, die ich gezeichnet habe, waren allesamt liebenswürdig, freundlich und super dankbar. Obwohl einige 2h in der Schlange stehen mussten, um von mir gezeichnet zu werden! Auch bei diesem Event hat es sich für mich bestätigt: was ich ausstrahle, das bekomme ich zurück. Ich habe mich dank der Organisatoren wohl gefühlt, dadurch hatten die Gezeichneten ein tolles Zeichenerlebnis und das strahlte über den Stand in die Messe hinaus. Einen tiefsten Dank an alle, die sich haben zeichnen lassen!

Kommentar von Niels.Empire auf Instagram:

„Die Bilder sind super cool geworden. Vielen Dank dafür. Hat sich die Anreise zur Comic Con aus Bremen gelohnt! “

Anreise

Diesmal bin ich nicht mit dem Auto, sondern mit dem IC von Rostock nach Dortmund gefahren. Ein Ticket hat nur 25 € gekostet! Und ich konnte entspannt an meinem Tablet schreiben, Hörbücher hören und arbeiten während der Fahrt. So wie auch diesen Beitrag, schreibe ich gerade auf meiner 6-stündingen Rückfahrt. Da ich den ganzen Tag für die Rückreise eingeplant habe macht die 1h Verspätung des Zuges auch nichts aus. Ganz entspannt. Das Schleppen der Ausrüstung ist doof und man ist nicht so flexibel bei der Auswahl des Hotels. Mit dem Auto ist man einfach super mobil. Da kann ich abseits von Dortmund eine tolle und super günstige Unterkunft mieten. Per Zug ist das nicht so gut möglich. Hat eben alles seine Vor-und Nachteile. Im Winter werde ich erstmal den Zug weiter austesten. Mein nächster Auftrag als Schnellzeichner ist in Mannheim. Bin schon gespannt! 

Ich habe Spaß daran mir Unterkünfte und Fahrten herauszusuchen. Erinnert mich an meine Zeit als Weltreisender.  XD Als Schnellzeichner in Dortmund und deutschlandweit unterwegs zu sein ist der perfekte Job für mich!

Ausrüstung und Zeichenbereich

Ich hatte einen optimalen Bereich mit zwei SEHR BEQUEMEN Sesseln in der Game of Thrones Area. Mit dabei eine (diesmal andere, neue, bessere) Staffelei, einen mobilen Drucker, mein Surface, Druckerpapier und Folien für die Ausdrucke. Meine Motive haben wir spontan um mich herum geklebt, damit Vorbeigehende etwas zum Bestaunen haben und die Gezeichneten schneller ein Motiv aussuchen können während sie warten. Normalerweise habe ich einen Großbildschirm, aber ohne ging auch. Ich saß mit dem Rücken zum Besucherstrom, damit man mir über die Schultern schauen kann.

Was ich beim nächsten Mal unbedingt machen muss ist mehr Werbung für mein Social Media zu machen. Ein Poster oder einen Aufsteller, damit Besucher sich schnell über mich informieren und mit mir in Kontakt treten können. Eigentlich gehört das zu den Grundkenntnissen eines Künstlers... ich bin soooo ein Profi-Schnellzeichner!! ;D

Worauf ich wirklich stolz bin ist dass ich trotz des Druckes der Wartenden in der Schlange, der Erwartung der gezeichneten Person und der Leute, die über meine Schulter schauen, Kommentare abgeben und Fragen stellen, meiner „Chefs“ die beobachten ob ihre Investition in mich sich wirklich gelohnt hatte - unter alldem Zeit- und Erfolgsdruck bleibe ich ruhig fokussiert. Das überrascht mich selbst immerwieder auf positive Weise! So kann ich das Portraitieren wirklich geniessen und die Gezeichneten merken das. Was wiederum zu mehr Kundenzufriedenheit und besseren Bildern führt. Meine lange Erfahrung im Zeichenworkshops und Zeichenkurse leiten hilft mir da sehr!

Referenz von Lay Zen auf Google:

"Ich habe Maxim auf der ComicCon 2019 in Dortmund getroffen und es war einfach nur der Wahnsinn! Er hat als Schnellzeichner auf der Messe Portraits von den Besuchern gezeichnet und sie damit in Charaktere aus der HBO Show "Game of Thrones" verwandelt. Das Ergebnis ist einfach nur der Hammer! Er hat auf der Messe einen absolut professionellen Eindruck gemacht und neben dem Zeichnen auch die Warteschlange mit einer Warteliste gemanaged. Er hat fragenden Gästen neben dem Zeichnen immer sehr freundlich helfen können, wie lange es noch ungefährt dauert bis man drankommt. Man konnte ihm dabei außerdem auch beim Zeichnen der Portraits über die Schulter gucken. Alleine beim Zeichnen zuzusehen war spanned! Nach dem Zeichnen hat man das Bild direkt als Ausdruck bekommen, und er hatte sogar stabile Klarsichtfolien für jeden dabei. Bester Schnellzeichner, den wir kennen lernen durften und im Nachhinein auch mein Highlight der ganzen Messe :)"

Warum portraitieren mit Motiven viele Vorteile hat

Am Samstag habe ich fast 9h gezeichnet mit 1h Pause dazwischen. Am Sonntag wieder 8h gezeichnet. Mein Geist könnte ewig weiterzeichnen, aber der Körper gibt einfach nach XD Augen, Hand und Rücken sind dann doch angeschlagen. 8H zeichnen am Tag ist somit mein derzeitiges Limit. Etwa 80 Portraits habe ich geschafft. Also 5 Portraits pro Stunde. 12Min durchschnittlich pro Portrait. Mit dem Auswählen des Motivs, dem Anpassen des Motivs dem Ausdrucken und der Qualität der Zeichnungen inbegriffen. Eine gute Zeit, finde ich!

Nachhaltigkeit und Aufmerksamkeit

Nun, keine Frage, mit klassischen Schnellportraits und Karikaturen ohne eine Motivwahl hätte ich ein paar mehr Bilder geschafft. Aber! Die Reichweite an Aufmerksamkeit, die generiert wurde, wäre geringer gewesen. Die Motive haben eine grosse Schar an Zuschauern angelockt, die begeistert waren von der Idee. Denn Motive erzählen eine Geschichte und sind einfach interessanter als "nur" Gesichter. Das sprach sich schnell auf der Messe herum. Ich war vom positiven Feedback überwältigt! Fans wurden nicht nur die, die gezeichnet wurden, sondern auch die Zuschauer. Diese Variante ist damit auch für Unternehmen sehr interessant, die auf postive Stimmung und tiefere Kundenbindung aus sind.

Einfach beeindruckender

Mit einer vorgezeichneten Vorlage bekommen die Gezeichneten ein viel aufwändigeres Bild als man es hätte in der kurzen Zeit zeichnen können. Es muss nicht erwähnt werden, dass sie sich umso mehr gefreut haben! Zuschauern könnte man z.B. Ausdrucke verkaufen. Auf Social Media könnte man nach der Messe Gewinnspiele mit diesen Vorlagen machen. Man hat einfach viiiiel mehr Möglichkeiten als mit "einfachen" Gesichtern.

Kommunikation mit mir, dem Karikaturist

Es ist ein grosser Unterschied ob man sich von einem sympathischen Zeichner mit dem man sich identifizeren kann zeichnen lässt oder einem Zeichner, der einen nach dem anderen "abfertigt" ohne gesprochen zu haben. Man schätzt die Zeichnung einfach mehr, spricht mehr darüber, gibt Rezensionen und teilt es im Social Media. Motive ermöglichen beim Auswählen einen kurzen Austausch mit dem Zeichner und sorgen so für eine tolle Zeichenatmosphäre, die sich in der ganze Umgebung ausbreitet.

Die Besucher hatten die Auswahl zwischen 12 Motiven. 6 Motive mit Drachen und 6 Motive mit dem Thron. Toll ist, dass die Hälfte Drachenmotive und Hälfte die Thron-Motive, welche mehr Karikaturen waren, gewählt hatten. Sehr ausgeglichen. Das Portraitieren hat noch mehr Spaß gemacht, weil man nicht "nur" ein Gesicht hatte. Und die Gezeichneten hatten sichtbar Spaß zwischen den Motiven auszusuchen.

Gedanken zum Abschluß

Dortmund und Disziplin

Neben meinem Hotel hatte ich einen super guten Italiener! XD Da habe ich mir Abends ein tolles Essen gegönnt. Manche könnten jetzt behaupten: "Dieser Tiramisu sieht aber nicht nach Disziplin aus!". Tja, doch! Um Tolles zu kreieren muss ich Tolles zu mir zunehmen. ;D Von Dortmund selbst habe ich nicht viel gesehen, ausser die U-Bahn. Aber das was ich mitbekommen hatte war interessant genug, dass ich mal in Ruhe Dortmund erkunden möchte. Es war eben (auch wenn ein traumhafter) ein Job. Der ganz schön anstrengend war! Deshalb hieß es für mich immer früh schlafen gehen (21:30 Uhr!!), gut essen und früh aufstehen (um 6 Uhr). Ich hab trotzdem stark abgenommen über das Wochenende! XD

Was ich gelernt habe

Als Schnellzeichner in Dortmund mochte ich die Abwechslung und die Kundennähe des Auftrages. Die Besucher hatten Spaß sich ein Motiv auszusuchen und ich hatte viel mehr Spaß ihr Portrait zu zeichnen weil es Teil eines grösseren Bildes war. Es war einfach beeindruckender und spannender. Für alle Beteiligten. Bei der Auswahl des Motives hatte ich die Möglichkeit mich mit dem/der Gezeichneten zu unterhalten. Meine Zeichnungen waren dadurch viel persönlicher. Auch beim Abschluß das Ausdrucken, die Erwartungen und Reaktionen waren toll mit zu erleben. Alles in allem gab es genug Zeit und Raum eine emotionale Bindung aufzubauen. Was häufig beim Schnellzeichnen fehlt, da man schnell schnell ein Portrait nach dem anderen pinselt. Ich weiss nun mit Sicherheit, dass ich als Schnellzeichner nicht die Aufträge an Land ziehen möchte bei denen es um die reine Anzahl der Portraits geht, sondern eher um meine Präsenz und die tiefere, langfristige Bindung des Kunden. Ich denke das ist auch die größte Stärke des Portrait-Zeichnens.

Einen riesigen Dank an die Veranstalter von Warner Bros. und NEW LINE Brand Communication, dass sie mich gebucht haben. Ich habe mich stets wohl gefühlt und arbeite sehr gerne wieder mit ihnen zusammen.

Die Comic Con 2019 in Dortmund

Ich konnte mich auch suuuper mit der Messe identifizieren, da ich selbst Manga und Comics gezeichnet habe. Sehr gerne schaue ich auch Serien und spiele Spiele. Ich freue mich auf mehr solcher Schnellzeichner-Aufträge!

Und die Messe war sooooo gut besucht. Hat mich beeindruckt! In meinen Pausen konnte ich die Hallen erkunden und einen Blick auf den einen oder anderen Star erhaschen XD Hab mich da vom ganzen Hype anstecken lassen. Schon irgendwie verrückt Leute, die man aus den bekanntesten Serien kennt live zu sehen. 

Ich freue mich auf mein nächstes Schnellzeichner-Abenteuer! :)

Wie kam ich an den Messezeichner-Auftrag?

Dieses Jahr war ich recht ausgebucht mit Auftritten auf Hochzeiten, Geburtstagsfeiern und kleinen Firmenevents. Die Buchungen waren meist um die 3h. Sehr selten länger als 4h und das Zeichnen fand auf Papier, also traditionell, statt. Es wurde zur Routine - also Zeit nach grösseren Aufträgen zu greifen! Fix baute ich eine Homepage, um mich als Messezeichner zu präsentieren. Und zwar speziell für das digitale Zeichnen mit Tablet. Denn laut meinen Recherchen wollten Unternehmen die gezeichneten Portraits mit ihren Logos bedrucken und oft auf einem Großbildschirm übertragen. Zum Glück hatte ich mir schon ein Surface Pro 2017 gekauft gehabt. Es wurde einfach Zeit meiner Freundin zu beweisen, dass ich das Surface (damals 1500 €) kein Spaß-Kauf war! ;D Jedenfalls stellte ich die Homepage online, schaltete eine deutschlandweite Werbung auf Google und wartete ab.

Mein Schnellzeichner-Einsatz bei der INCO

Etwa einen Monat dauerte es bis die ersten Anfragen als Messezeichner eintrudelten. Aus ganz Deutschland! Und ich bekam zunächst nur Absagen... Was mich zunächst stutzig machte, denn bei Hochzeits-Anfragen oder anderen kleinen Aufträgen bekam ich fast immer Zusagen. Ich war Absagen gar nicht gewohnt! Also recherchierte ich intensiv wie man besser verhandelt. Denn hier drehte es sich um viel grössere Honorarbeträge. Ausserdem schrieben die Unternehmen mehrere Zeichner an. Die Konkurrenz war grösser und ich musste besser in meinem Auftritt, meinen Emails und meinen Angeboten werden. Zeichnerisch war ich gut genug, das wusste ich. Also lag es daran, dass ich mich schlecht verkaufte. Auf Youtube gibt es genug Wie-Ich-Besser-Verkaufe-Videos. Ich passte meine Messezeichner-Homepage weiter an, nahm mir viel mehr Zeit beim Schreiben von Angeboten/Emails und voila: bekam Zusagen! Mein erstes Event fand auf der INCO Insiders Conference statt. Im Steigenberger Grandhotel Petersberg, nähe Bonn. Ich wurde für 2 Tage gebucht, mit 6h pro Tag. Ich war ganz schön nervös...

Vorbereitung für das digitale Zeichnen auf Messen

Der Vertrag wurde von beiden Parteien, mir und Insiders Technologies GmbH unterschrieben. Blieb für mich meine Technik vorzubereiten, Übernachtung zu buchen und die Reise zu planen. Denn ich musste aus Rostock nach Bonn reisen. Eine 7-stündige Fahrt mit dem Auto. Meine Fahrt dauerte 9h wegen all der Staus! Aber zum Glück reiste ich einen Tag vorher an und rechnete einen Tag nur für die Anfahrt. 

Über AirBnB buchte ich mir eine nette Übernachtung. Preiswert, ruhig und ganz in der Nähe meines Einsatzes gelegen. Seit meinen Reisen in Japan nutze ich nur noch AirBnB. So lernt man nette Familien kennen und hat suuuuuper Übernachtungen, die auch noch preiswert sind:

Von der Technik her hatte ich mein Surface Pro 2017, einen Adapter mit HDMI-Anschluss, um einen Großbildschirm anzuschliessen. Einen Zeichenhandschuh, der sehr praktisch für das Zeichnen am Tablet ist. Eine Feldstaffelei, die das Tablet gut stützt und flexibel ist. Viele fragen sich sicherlich warum ich ein Surface und kein Apple Ipad Pro zum Zeichnen benutze. Nun ich fand einfach den Stift vom Surface angenehmer und ich wollte ein Windows-System, weil ich das Surface nicht nur für das Zeichnen benutze. Aber die Unterschiede sind soweit ich weiss nicht groß und oft eine Frage des Lieber-Mögens. Mit meinem Surface bin ich sehr zufrieden. Die App zum Zeichnen ist übrigens das Autodesk SketchBook. 

Das Zeichnen auf der Messe - Reaktionen und Ablauf

Hier zeichne ich meine super nette Kollegin. Ihr habe ich die gezeichneten Portraits zugesendet. Sie führte mit dem Gezeichneten/Kunden ein Gespräch, druckte und händigte die Zeichnung ihnen aus. Sie machte auch ständig Komplimente zu meinen Zeichnungen, was meine Zeichnungen automatisch besser machte. Besser gehts nicht! Vielen Dank für die Zusammenarbeit!! :)

Ich war als Messezeichner für 6h am Tag gebucht. Am ersten Tag hatte ich immer wieder Pausen, weil die Kunden auf Vorträgen waren. Am zweiten Tag war ich tatsächlich 6h am Durchzeichnen und musste mir meine kleinen Pausen "erkämpfen". Bis dahin hatte es sich rumgesprochen, dass ich zeichne und viele wollten ein Portrait. Ich brauchte etwa 5 - 10 min. pro Portrait. Die Geschwindigkeit und den Grad der Ausarbeitung passte ich an abhängig davon ob gerade eine ungeduldige Menge hinter mir stand oder ob ich eine einspannte Person mit viel Zeit vor mir hatte. Die Portraits wurden auf A4 ausgedruckt. Die Kunden konnten die Zeichnung direkt mitnehmen.

Ich versuchte keine Karikaturen zu zeichnen, sondern eher schnelle Portraits. Natürlich sieht die Zeichnung comichaft aus. Aber das liegt einfach daran, dass ich nur eine geringe Anzahl an Strichen zur Verfügung habe. Die Proportionen belasse ich so wie sie sind bzw. wie ich sie in dem Moment sehe. 

Wie war es für mich? Wie war es für die Kunden und Auftraggeber?

Die Verantwortung ist ganz schön groß. Zumindest empfinde ich das so. Denn es kann leicht passieren, dass sich kaum jemand zeichnen lassen möchte. Die Kunden sind ja nicht gezwungen sich zeichnen zu lassen. Und man muss so gut zeichnen, dass die ersten mutigen Gezeichneten andere dazu motivieren sich zeichnen zu lassen. Dass es sich auf der Messe rumspricht und sogar die Ängstlichen zum Gezeichnetwerden kommen. Bei mir hat es prima funktioniert! In diesem Punkt war es nicht anders wie auf z.B. einer Hochzeit. Zuerst traut sich niemand, aber sobald die erste Zeichnung steht und die Leute davon begeistert sind, stehen sie Schlange. Damit denke ich dass die Kunden sehr zufrieden waren und auch der Auftraggeber, der dadurch viele Kundengespräche führen konnte. 

Ich persönlich fand es alles sehr spannend und ... anstrengend! Mein Körper war richtig geschafft. Ich habe bei jedem Portrait aufs Neue versucht mein Bestes zu geben. Die lange Autofahrt, das lange, statische Sitzen beim Zeichnen ließen meinen Rücken und Nacken total verkrampfen. Ich bin groß und muss mir etwas überlegen, wie ich meine Zeichenposition regelmäßig ändere. Der Zeichenhand ging es gut. Augen waren müde. Der Vorteil von solchen Aufträgen als Messezeichner ist, dass ich intensiv ein paar Tage durchpowern kann und dann eine Woche zum Erholen habe. So vermeide ich gesundheitliche Probleme wie Sehnenscheidenentzündung etc. Das gute Honorar, das ich verhandelt habe, lässt die Pausen auch locker zu.

Die Kulisse war übrigens grandiös! Das Steigenberger Grandhotel war phantastisch! Vorallem am Tag vor meinem Einsatz fand DSDS in diesem Hotel statt und man sah eine Menge Promis herumlaufen. Hab mich nicht getraut sie zu fragen ob sie sich nicht portraitieren lassen wollen. Beim nächsten Mal dann! Trotz der tollen Kulisse und des super Essens war es natürlich immernoch eine spannende Arbeit. ;D

Eingangsbereich des Grandhotels. Das Essen war super!!

Ausblick vom Steigenberger Grandhotel Petersberg

Messezeichner Maximkos Erlebnisse auf der Inco 2019 bei Bonn

Nichts kann mich abhalten zum Job zu kommen! ;)

Diesmal ging es zum Zeichnen zum Strandhotel Seerose auf der Insel Usedom. Ich habe schon viel Tolles von Usedom gehört und freute mich auf meinen Einsatz auf der Hochzeit und auf die Erkundungstour danach. Klingt erstmal nach einem spannenden Tag an... Es wurde spannender als ich gedacht hätte! XD Ein Platten im Reifen und das an einem Samstag. Keine Werkstatt in der Umgebung hatte Zeit den Reifen zu flicken. Also schaute ich mir ein paar YouTube-Videos zum Reifenwechsel an und machte das Auto mit einem Ersatzreifen wieder startklar. Zum Glück hatte ich einen Ersatzreifen und keinen Notreifen. Denn ich hatte noch gute 350 km zu fahren. Aber es schien alles zu klappen und ich düste trotzdem recht pünktlich los - direkt in einen 1h-Stau hinein! Ich kam 30 min zu spät. Zum Glück fahre ich üüüüberpünktlich los. Ich wurde entspannt vom Brautpaar empfangen und fing gleich mit dem Zeichnen an.

3h Zeichnen bei Wellenrauschen

Ich hatte gutes Licht, Wellenrauschen und einen Ausblick auf die Ostsee (nicht, dass ich das lange geniessen konnte, da ich auf Zeichnen konzentriert war). Super Bedingungen! Das Brautpaar und die Gäste waren super nett. Etwas mehr als 3h habe ich durchgezeichnet. Das ist auch so die Zeit in der ich anfange geschafft zu sein. Als nächstes besorge ich mir eine Staffelei und ein Zeichenbrett. Vielleicht schaffe ich damit länger zu zeichnen?!

Und ich sollte die Qualität der Fotos meiner Zeichnungen verbessern. Die Gezeichneten sind gespannt und wenn sie merken, dass ich fast fertig bin, wollen sie schnell das Ergebnis sehen. Da beeile ich mich schnell ein Foto mit meinem Handy zu machen. Die Fotos werden aber so dunkel. Die kann ich dann kaum nachbearbeiten, weil wenn ich das Foto heller mache, verschwinden immer mehr die Bleistiftstriche. Aber ein paar sehen schon gut aus :D

Man sieht schon immer wieder in meinen Zeichnungen, dass ich eine Zeitlang Manga gezeichnet habe. Bei diesem Portrait sieht man den Mangastil besonders deutlich. Liegt wohl an den Haaren, die ich mit einem japanischen Tuschestift gezeichnet habe.

Feierabend und Dankesworte

Nach etwa 3h hatte ich 22 Porträts fertig, die Gäste gingen zum Essen und ich hatte Feierabend. Ich bin immer recht angespannt vor so einem Event, jetzt konnte ich mich entspannen. Vielen Dank an den Bräutigam für die Referenz auf Google:

"Maxim war ein Highlight auf unserer Hochzeit, sehr freundlich und professionell. Für die Gäste eine tolle Erinnerung. "

Und vielen Dank an den talentierten Fotografen Jannis , dass ich das Foto von mir beim Zeichnen als Titelbild von diesem Beitrag verwenden durfte :)

Erkundungtour Zinnowitz auf Insel Usedom

Nun hatte ich eine grössere Auswahl an Orten auf Usedom, die ich besuchen könnte. Hatte aber nicht mehr viel Zeit weil es dunkel wurde. Ich testete ob meine Intuition, die ich auf 2 Jahren Weltreise austrainiert habe, noch funktioniert und wählte Zinnowitz. Und mochte Zinnowitz!! Die haben ein Lift-Cafe. Das wird in die Höhe gefahren und man isst mit einer super Aussicht! Ausserdem eine Tauchgondel zum Essen unter Wasser. Aber die war leider nicht in Betrieb. Insgesamt mochte ich den Flair des kleinen Örtchens.

Der Ostseestand an der Seebrücke Zinnowitz sah super einladend aus! Ich lauschte noch einer Live-Band bei dieser Aussicht und fuhr gemütlich nach Hause. Hier will nochmal herkommen!

Künstler erkundet die Mecklenburgische Seenplatte

Seit etwas über 4 Jahren wohne ich nun in Rostock und dank meines Jobs als Schnellzeichner kann ich Gegenden in Mecklenburg erkunden, die ich sonst nie gefunden hätte. So wie beim letzten Portrait-Zeichnen auf einer Hochzeit. Etwa 100 km von Rostock entfernt, erreichbar über einige Schotterwege liegt der Pferdecamper Gutshof Waren Müritz. Es befindet sich in Alt Falkenhagen, etwas abgelegen von Waren Müritz (paarmal habe ich mich gefragt ob ich mich nicht verfahren habe weil die Wege so abgelegen waren). Total toll "aufgemotzt", mit einer perfekten Atmosphäre für eine Hochzeit und für mich, den gebuchten Schnellzeichner. :)

Beim Zeichnen verfliegt die Zeit wie im Flug!

Wo sind die Leute fragst Du dich? Als ich Innen das Foto gemacht habe, waren alle draussen, als ich das Foto von aussen gemacht habe, waren alle drinnen. Ich wurde für 3h gebucht und ich hatte immer dann Pause wenn alle von der Familie zusammengetrommelt wurden, um Fotos zu machen oder Reden zu halten. Dann bin ich für mich, kann durchatmen und Fotos machen. Muss mir angewöhnen mehr Fotos zu schießen! Bin angekommen und war volle 3h von Leuten umstellt, die entweder auch gezeichnet werden wollten oder zusehen oder kommentieren wollten. So verfliegen 3h und ich denke mir: "Wieder kaum Fotos gemacht!!" XD

Der Job des Schnellzeichners

In 3h habe ich es geschafft 21 Personen zu zeichnen. Also 7 Porträts pro Stunde. Ich zeichne mit Bleistift vor und benutze dann graue und schwarze Tuschestifte. Das Schwierigste ist wohl, dass ich währende des Zeichnens mich mit den Gezeichneten unterhalte und auf Fragen/Kommentare der Zuschauenden eingehe. Aber das ist der Eventzeichenjob: Man zeichnet UND unterhält die Gäste. Ausserdem liebe ich es mehr über die Gezeichneten zu erfahren, so kriegen meine Portraits viel mehr Ausdruck. Vielen Dank an den Fotografen für dieses Foto:

Bei Tageslicht zeichnen sich Porträts am besten

Ich war so ins Zeichnen versunken, dass ich nur diese wenigen Fotos von meinen Zeichnungen gemacht habe. Aber die reichen auch für diesen Blogeintrag! hehe Ou! Toll war auch, dass ich draussen sitzen konnte und bei Tageslicht gezeichnet habe. Manche Events sind Abends. Bei schlechter Beleuchtung werden nicht nur meine Augen schneller müde, die Personen sind auch schlechter zu erkennen. Diesmal ging es von 17 Uhr bis 20 Uhr. Da fing die Sonne gerade an unterzugehen. Perfekte Zeit für mich zum Zeichnen! 

Zeichenstil angepasst an das Event

Ich zeichne keine Karikaturen. Ist wohl eher ein Comic-Stil. Ich versuche auf jedenfall die Proportionen so einzufangen wie sie sind, ohne Verzerrungen. Pro Person brauche ich etwa 9 min. Und eins ist klar: Nicht alle Portraits gelingen XD 

Die spannende Erfahrung des "Gezeichnet-Werdens"

Das Besondere für den Gezeichneten ist nicht nur am Ende ein Bild zu haben, das ihn an das Event erinnert, sondern das "Gezeichnet-Werden". Für die meisten ist es das erste mal. Aufregend wenn man vom Zeichner so angestarrt wird XD Dazu kommt die Spannung wie das Bild am Ende aussehen wird. Verbunden mit einer netten Unterhaltung beim Zeichnen hat man eine tiefe Bindung zum Bild aufgebaut. Die schnellen Portraits sind Momentaufnahmen in die der momentane Zustand des Zeichners und des Gezeichneten einfließt. Eine Person würde ich wahrscheinlich an unterschiedlichen Tagen etwas unterschiedlich zeichnen. Das ist aber auch eine grosse Stärke des Zeichnens auf Events: Das Portrait ist einzigartig und trägt damit eine tiefere Erinnerung an die Zeit.  

Zum Abschluss

Zum Schluss durfte ich noch mitessen, bedankte mich und fuhr nach Hause. War ganz schön geschafft! Aber alle waren zufrieden. Einen Tag ausschlafen und ich bin bereit für das nächste Event! :)

Zum zweiten Mal öffnete die Volkshochschule (VHS) Rostock ihre Türen für Maximko´s Zeichenfest. Am 06.04.2019 von 13:00 Uhr - 19:00 Uhr fanden sich 60 Zeichenbegeisterte zusammen, um Neues zu lernen, zu zeichnen und Kuchen zu essen.

Mit einer Einleitungsrede von Maxim Simonenko (Maximko) ging die Veranstaltung offiziell los. Eigentlich kann ich aus der Ich-Perspektive schreiben, das ist doch viel angenehmer hehe Jedenfalls erzählte ich etwas über ein glückliches Künstlerleben und wie dankbar ich bin vor 10 Jahren meinen Informatikerjob gekündigt zu haben um Künstler zu sein. Ich habe es nie bereut und erzähle freudig darüber, dass die Kunst längst nicht mehr "brotlos" ist.

Die Vorleserin: Tokihara

Tokihara ist eine junge, talentierte Autorin aus Rostock. Dieses Zeichenfest trug das Thema "Charakter Design in der Spieleindustrie". Also die Visualisierung einer Person Anhand eines Textes. Tokihara las eine Kurzgeschichte über »Krabbenhand Karl« vor, einem Piraten. Anhand ihrer Beschreibungen zeichneten die Workshopleiter und die Teilnehmer ihre Bilder. Spannende und zugleich sehr lehrreiche Übung! Ihr könnte die Kurzgeschichte übrigens auf ihrem Facebook-Account nachlesen: hier klicken

Die Zeichenworkshops: Entwurf, Outlines und Schattierung

Daniel war der erste Workshopleiter. Er arbeitet als freiberuflicher Concept Artist mit dem Fokus auf Evironmental Design. Daniel erklärte den Teilnehmern wie man effektiv anhand eines Textes einen Charakter visualisiert. In dieser Entwurfsphase testete er mehrere Outfits und Designs, bis er zufrieden war und an Luise übergab.

Preisverleihung

Die Jury hatte es nicht leicht 10 Sieger aus den 35 abgegebenen Bildern auszuwählen. Ich selber war nicht Teil der Jury, weil ich einfach zu viele der Teilnehmenden kenne und nicht objektiv genug wäre. So habe ich mit den Teilnehmern mitgefiebert wer die tollen Preise abstauben würde. Die 10 Preispakete, bestehend aus Zeichenmaterialien und Einkaufsgutscheinen, sponsorte uns netterweise Colour&More. Gewonnen hatten die, die sich an der Beschreibung des Krabbenhand Karls (konnte auch eine Frau sein!) gehalten haben und eine komplette Zeichnung abegeben haben. Hier ist z.B. der Beitrag der 2. Plazierten Katty: 

Wir freuen uns auf das nächste Zeichenfest in Rostock!